Tempus Fugit

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: TEXTOS VIVOS, TEXTOS MENTIDOS DE MARLA JACARILLA

2012-01-27T12:34:00.000+01:00

En los tiempos que vivimos, parece que no hay nada mejor que nadar entre dos (o múltiples aguas):

- Tener varias profesiones por si una o varias de ellas se van al garete.

- Tener proyectos vitales en otros países por si el propio se va al garete.

- Incluso hay quienes especulan respecto a la idoneidad de guardar los dineros bajo el colchón.

Pero mejor no hablemos de eso.

En el contexto digital creativo que abarca este blog, una de las esquizofrenias más analizadas en los últimos tiempos es cómo se han pasado los últimos años machacándonos con las maravillas de tenerlo todo "en la nube", pero cuando cae algunas webs prominentes se apagan durante 24 horas en protesta por la SOPA y poco después cae Megaupload, resulta que había que guardar la ropa y tenerlo todo descargado.

En el ámbito creativo, mi última columna publicada en Trendnet parece presentar resonancias parciales con esta dualidad imperante entre lo analógico y lo digital en el trabajo de Marla Jacarilla: la artista explora diversas formas de literatura digital, pero participa asimismo de la instalación y el formato expositivo.

La orientación de Jacarilla es plenamente bibliófila y entronca con una tendencia pujante de reivindicación de la imagen, el tacto y la exposición del libro. El fetiche encuadernado parece haberse renovado en sus diversas presentaciones digitales. Para muestra, tres botones:

- La galería The 25 most beautiful college libraries in the world.

- El blog fotográfico con las mejores estanterías con libros Bookshelf Porn

- La instalación Libris expuesta en el CENART mexicano.

La reflexión de este tipo de proyectos es acerca de la vigencia o necesidad del fetiche, del reconocimiento de su importancia tangible. Marla Jacarilla apuesta por esto al tiempo que reflexiona sobre la naturaleza de realidad de los discursos que los textos albergan, el derrape hacia lo ficticio. Ambos enfoques indican que la cuestion de un montón de hojas encuadernadas que, en unos cuantos casos, cada vez más también devienen plataformas luminiscentes operadas por múltiples botones, está lejos de zanjarse.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: BIENVENIDOS A LA SECCIÓN IRREGULAR

2012-01-04T20:06:00.000+01:00

Hace unas semanas se pusieron en contacto con The Trendnet para invitarnos a asistir a la inauguración de la Sección Irregular, una nueva programación de El Mercat de les Flors que reúne vídeo, danza, performance, y un caldito jugoso con tropezones para después de la actuación.

En The Trendnet siempre escribimos sobre lo que nos apetece y se nos ocurre, pero en cualquier caso esta propuesta nos resultó atractiva y decidimos asistir.

Diría que no he ocultado nunca que no poseo formación o conocimiento específico en artes escénicas, por lo que mis observaciones en la columna de este mes, más que nunca, son aquellas del aficionado, del espectador interesado, del curioso. Espero que despierte vuestro interés.

Ya sabéis que la columna me obliga a ponerme al día de unas cuantas cosas, y todo lo que sea actividad, movimiento, o, por decirlo llanamente, vidilla, bienvenido sea.

(Fuente imagen).

PONENCIA MARCO DE LAS VIII JORNADES DE COMUNICACIÓ I PATRIMONIO CULTURAL: EL MIRALL DE DUES CARES

2011-12-13T12:09:00.005+01:00

Gracias a Ricard Monistrol, el próximo miércoles 14 de diciembre tengo la oportunidad de presentar la ponencia marco o inaugural de las VIII Jornades de Comunicació i Patrimoni Cultural. Las jornadas están organizadas por la Taula de Comunicació, que coordina a las entidades homónimas del Consell Municipal d’Associacions de Barcelona (CMAB), y tienen lugar en la sede del Col.legi de Periodistes de la ciudad.

En esta ocasión, y también durante la jornada del día 15, se tratarán temas como la relación entre contenidos culturales y audiencias, la difusión del patrimonio cultural en Internet, y ejemplos de buenas prácticas en la difusión de la cultura tanto en medios "tradicionales" como 2.0.

Considerando que mi encargo supone de alguna manera el pistoletazo de salida del conjunto de mesas posteriores, se me ocurrió que podía resultar apropiado recurrir a la metáfora del espejo de dos caras para articular la relación presente entre medios de comunicación y público, considerando al segundo cada vez más participativo y con capacidad de reaccionar y responder desde el otro lado del espejo.

Tuve la oportunidad durante el doctorado de aunar mi entusiasmo audiovisual con el mitológico mediante un breve análisis comparativo entre reflexiones artísticas nietzscheanas y los films de Orphée (1950), de Jean Cocteau y Orfeo Negro (195) de Marcel Camus. Seis años más tarde, me resulta pertinente trasladar la idea de Orfeo al epicentro de esta presentación subtitulada, siempre siguiendo el encargo inicial, "reptes de la interseccció entre cultura i mitjans de la comunicació".

Entiendo así la figura del artista como productor cultural arropado en un contexto cada vez más institucionalizado, pero basculado al mismo tiempo con la creciente capacidad de intervención de los "públicos" y la brecha de conocimiento entre prácticas digitales y las que no lo son.

Espero que el conjunto de la que me parece que será la última charla de un año particularmente ocupado resulte interesante.

PRESENTACIÓN SOBRE FUNDAMENTOS DE LA INTERSECCIÓN ENTRE PERIODISMO E INNOVACIÓN EN EL SEMINARIO DIGIDOC

2011-11-24T09:45:00.000+01:00

Si me permitís hoy voy a proceder a una mezcolanza idiomática: me gustaría dar máxima difusión a esta entrada, por lo que prefiero escribirla en castellano; pero siempre hago las presentaciones de Digidoc en catalán pues es su idioma vehicular, y algunas de las ideas presentadas provienen del seminario de Knowledge Federation al que asistí, que se impartió en inglés. Espero que en última instancia, los tres idiomas devengan vehiculares para esta posible línea de docencia y/o investigación.

Hace unos meses participé en el curso Web 2.0. para periodistas y comunicadores donde impartí una sesión docente sobre periodismo e innovación. ¿Qué significa innovación en periodismo? ¿Qué proyectos periodísticos se podrían considerar innovadores?, serían un par de preguntas que podrían sintetizar el desarrollo de la sesión.

Como he dicho muchas veces, yo no soy periodista, pero llevo más de tres años de docencia virtual en la UOC y otros centros presenciales donde entre otras cosas imparto clases de comunicación, con lo que la docencia sobre temas periodísticos me queda cerca: análisis de cabeceras, del discurso en medios digitales, de la política y la web, etc.

El enfoque sobre innovación, pese a tratarse de un término de moda y todo lo que eso lleva, me resultó estimulante, y quise profundizar un poco más mediante el reciente seminario profesional Co-Creating an Innovation Ecosystem for Good Journalism de Knowledge Federation. Las jornadas aglutinaron a unos cuantos profesionales del periodismo reunidos para tratar de diseñar, como reza el anterior título, "un ecosistema innovador para el buen periodismo". Una vez más, yo asistí en calidad de docente y preparé una presentación rápida.

En esta presentación de KF sobre un posible "desarrollo transdisciplinar" del periodismo, se plantearon tres preguntas iniciales:

- ¿Cuáles son las características principales de un ecosistema innovador?

A lo que respondí, primero, que sea adaptable, teniendo en cuenta tanto la necesidad de identificar el presente como un espacio de tránsito entre prácticas periodísticas consolidadas e incipientes (como muy bien retrataba la última temporada de The wire) como de generar periodistas ciborg (que no borg) que sobrevivan en la independencia y consigan al mismo tiempo relacionarse en red (no asfixiados por tanto por imposiciones institucionales). Este rasgo casi utópico subsumiría en realidad todos los demás.

Y segundo, un ecosistema capaz de funcionar modularmente, como por ejemplo sucedido en nuevos programas de edición periodística como Storify, formados por múltiples fuentes de redes sociales.

- ¿Con qué tecnologías (entendidas a modo de piezas de Lego) debería funcionar este ecosistema innovador)?

Mi primera propuesta fue el énfasis en la apertura, pese a lo que complicado que resulta a veces aunar proyectos lucrativos con proyectos "libres". Los programas que funcionan con software libre necesitan mantenimiento (remunerado) como todos los demás, me recordaba en una ocasión muy acertadamente un amigo documentalista. Los blogueros que llevaban años colaborando con The Huffington Post pusieron el grito en el cielo cuando Arianna Huffington vendió a AOL... y no vieron un duro. ¿Tenían derecho a enfadarse, debería haber "salido de ella" repartir los beneficios con quienes habían regalado sus esfuerzos blogueros para que ella acabara vendiendo?

Mi segunda propuesta fue el énfasis en lo glocal, que es una palabra que no me gusta nada pero que sirve para resumir la siguiente idea: obviamente que vivimos en un mundo interconectado y que lo hacen cuarenta ladrones en Wall Street o en una cueva de Oriente Medio acaba salpicando a todos. Pero no hay que olvidar la idiosincrancia periodística local, identificarla, resaltarla. ¿Hay gente leyendo periódicos en la cafetería? ¿Hay señores mayores leyendo ebooks en el metro? ¿Sí, no, en qué zonas? Los hábitos no tienen por qué ser los mismos en Helsinki o en Barcelona.

- ¿Cómo debería funcionar el nuevo canal de medios?

Aquí se interpretaba "canal" en un sentido muy amplio, yo diría que incluso de enfoque o proyecto. En este caso destaqué la importancia creciente de la narración espacial (infografías y visualizaciones para el denominado periodismo de datos, tema que acaba de inaugurar grupo de trabajo en Medialab Prado) y la necesidad, en cualquier caso, de una ética persistente. ¿Cómo se articula, sería mi pregunta final, la deontología digital?

En la sesión de Digidoc resumo estas mismas ideas más algunas de las que ya presenté en la sesión docente. Concluyo, además, con algunas reflexiones personales donde hago hincapié en la necesidad de articular discursos docentes teóricos que acompañen los talleres de visualización y que ayuden a comprender que la narrativa periodística ya no pasa necesariamente por la interpretación y generación de palabras. Adjunto las presentaciones de Knowledge Federation y Digidoc para concluir esta larga entrada. Espero que resulten de vuestro interés.

TRADUCCIÓN DEL NODO "NUEVOS MEDIOS, ARTE-CIENCIA Y ARTE CONTEMPORÁNEO: ¿HACIA UN DISCURSO HÍBRIDO"

2011-11-17T14:24:00.002+01:00

Acaba de salir del horno del HTML el último número de Artnodes, en el que he tenido la ocasión de traducir la introducción de Edward Shanken y los artículos de Cristina Albu, Jamie Allen, Ji-hoon Kim, Janet Prophet y Christiane Paul.

Edward Shanken es una de las figuras más relevantes en la intersección entre el arte contemporáneo y el arte de nuevos medios, si todavía podemos llamarlo así. Shanken utiliza los acrónimos MCA (Mainstream Contemporary Art) y NMA (New Media Art) para trazar una historia del arte tecnológico que desarrolló muy especialmente en Art and Electronic Media, una investigación exhaustiva que recorre esta historia posible mediante siete itinerarios temáticos, textos y manifiestos. He anotado algunas de las obras citadas por Shanken como antecedentes en mi tesis, pero lo que resulta especialmente sugerente de esta obra es la recopilación de textos que ojalá formen parte de los planes de estudio de múltiples asignaturas de arte y diseño.

Hace unos meses Shanken y el resto de autores que han contribuido a este número de Artnodes participaron en una mesa redonda en la College Art Association (CAA), cuya buena acogida condujo a la publicación actual.

Los textos que he tenido la ocasión de traducir enfatizan sobre todo dos cuestiones:

- Las primeras obras consideradas de "arte y tecnología", presentadas en la década de 1960, no obtuvieron a grandes rasgos un buen recibimiento por parte del mundo del arte contemporáneo. Estas exposiciones se localizaron sobre todo en Estados Unidos y se basaron en teorías cibernéticas y en translaciones de experimentos puntuales basados en "movimientos" tipo Fluxus.

- En la década de 1990, la estética relacional de Nicolas Bourriaud, que se apropiaba de términos tecnológicos como "interactividad", dio no obstante la espalda a este tipo de creación, no sólo porque le siguiera costando generar exposiciones definibles y en definitiva obras vendibles, sino por otras cuestiones relativas tanto a la formación necesaria para comprender tales obras como a la actitud reacia del arte contemporáneo y del público general.

Shanken ha impartido asimismo un seminario sobre el tema en el Wikilounge de la UOC donde desarrolla las ideas de la introducción presente en Artnodes e insiste, por ejemplo, en que lo que el denomina arte contemporáneo mayoritario, es, a fin de cuentas, el mundo del arte (artworld).

Me gustaría complementar las perspectivas de Shanken y los demás participantes en CAA con unas reflexiones personales:

- ¿No valdría quizás la pena tratar de establecer un camino para el desarollo del arte tecnológico a través de un término como "arte experimental", o sería demasiado vago y por tanto problemático?

- ¿No resulta más difícil fijar ahora el debate entre arte contemporáneo y de "nuevos medios" cuando vivimos inmersos en una cultura digital que no sólo desdibuja las fronteras entre los tradicionales niveles de cultura sino también respecto a tener en consideración ese dichoso arte tecnológico?

- ¿Qué papel ocupan los enfoques de información entendida como ciencia documental (information science) y arte entendido como (pura) comunicación para delimitar el arte digital actual como producción cultural? Estas reflexiones se remontan a la década de 1960 y a exabruptos teóricos como Esthétique de la Communication, pero se han consolidada en exposiciones como Library Science, en la proliferación de visualizaciones de elevado valor estético y en el uso creciente del término "comunicación" para sustituir a un abanico de elementos más complejos, como ya comenté respecto al mundo académico.

- ¿Se le puede tolerar, a fin de cuentas, al arte tecnológico, digital o de nuevos medios (cuando efectivamente es nuevo) que establezca una falsa equiparación entre estética y tecnología que encubre su ausencia de valores transformadores, porque no obstante conserva cierto espíritu vanguardista equiparable a la innovación industrial? Qué conservadora me he vuelto con los años, parece mentira...

ALGUNOS CONTENIDOS EXTRA PARA SITUAR UN TEMA DEL QUE HACÍA TIEMPO QUE NO HABLABA:

*Colaboraciones con The Trendnet que intentan salvar la brecha entre arte contemporáneo y digital: Serious games, TV/ARTS/TV o Derivart.

*Crónicas de la feria de arte contemporáneo ARCO 2009, 2008, 2006 (dividos en inteligibilidad del arte digital, pedagogía histórica y pantallas sin interactividad), 2005y de la feria SWAB 2007

así como el resto de entradas de este blog guardadas bajo la categoría arte digital vs arte contemporáneo

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: OBSERVATORIO, HÁGANSE LAS REDES

2011-11-10T09:12:00.001+01:00

Llevo unas semanas publicando otra vez bastante en el blog y lo estoy disfrutando, aunque me percato de que ahora tengo como diversos blogs en marcha para gestionar mi denominada "identidad digital": éste mismo y las cuentas de Twitter (a través de NewMediaFix) y Facebook. Colgar contenidos cada día se ha convertido en un imperativo no solo exhibicionista sino también marcado por el deseo de compartir y opinar. Atrás quedaron los días furibundos en que analizaba las flaquezas de Facebook. Definitivamente, no somos (o no soy) nadie.

Pero volviendo al blog, escribo para comentar mi última columna de The Trendnet. Esta colaboración resulta interesante entre otras cosas porque me obliga a buscar constantemente ideas sobre arte y tecnología actuales. En esta ocasión me llamó especialmente la instalación Observatorio de Clara Boj y Diego Díaz presente en la exposición Campos invisibles de Arts Santa Mònica. El proyecto no es nuevo, sino que posee un largo recorrido siempre centrado en mostrar las consecuencias estético-políticas de las redes cerradas y abiertas.

Aquí, para no solaparse más con el comentario de la columna, querría hacer un inciso. Hace unos años se habló hasta la saciedad de videojuegos. Luego diría que pasó a hablarse (y todavía se habla mucho) de innovación. El primer tema sigue ocupando un lugar muy tagencial (pero de mención obligada) en mi tesis doctoral. El segundo me gustaría aprovecharlo en términos docentes. No me gusta que le vendan (o nos vendan) la moto a nadie con el tema de los emprendedores, pero sí que es verdad que el análisis de la innovación como anclaje entre lo existente y las propuestas de cambio me interesa, por la breve experiencia de docencia periodística en el curso de IDEC-UPF y porque esta cuestión puede derivar, y aquí va un tercer tema de actualidad y de moda, en la cuestión de la visualización.

Delicado es para mí meterme en cualquier tema relacionable con palabras clave como diseño y espacio, pues como he comentado repetidas veces no poseo habilidades espaciales ni se me da bien dibujar. Lo admiro enormemente en los demás y sufro mi torpeza al respecto. Pero veo (más bien, leo y escucho) que el tema de la visualización se conecta, aparte de con valores estéticos y funcionales obvios, con la narrativa o narración. Lo comentó explícitamente el otro día Mario Tascón en su taller del Congreso Comunica 2.0., y a raíz de su comentario se me iluminó la enésima bombillita.

¿Cuánto interesa la visualización de datos para contar historias, en términos documentales? Aún estoy recopilando recursos y teorías que no sé cómo integraría en la docencia y la investigación, pero el tema me resulta atractivo y creo que se detecta también proyectos como Observatorio.

¿Información útil?, ¿información bonita?, ¿información que te cuenta historias? ¿Cómo te las cuenta?

Veremos cómo evoluciona este asunto.

(Fuente imagen).

DESAFÍOS CURRICULARES DE LOS ESTUDIOS DE INFORMACIÓN Y COMUNICACIÓN

2011-11-02T09:14:00.004+01:00

Debido a la experiencia como estudiante en la (entonces) licenciatura de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra y la docencia en comunicación (e información) impartida en la UOC y otros centros presenciales, cada vez me voy haciendo más una composición de lugar, no sé si acertada, sobre el estado de los estudios de información y comunicación en mi entorno más inmediato, y sobre cómo parecen haber cambiado hasta cerrar una especie de círculo. Me explico.

Tengo entendido que, unos cuantos años antes de nacer yo, existía una amalgama de estudios denominada Filosofía y Letras de la que, entre otros profesionales, salieron unos cuantos periodistas. Por supuesto también había muchos periodistas "de carrera" (como imagino siempre seguirá habiendo), pero para aumentar el reconocimiento de la profesión, para otorgarle entidad académica cuando ir a la universidad dejó de ser solo para muy privilegiados, surgieron los denominados estudios de Ciencias de la Información, que servían específicamente para formar periodistas. Aún no había comunicadores o comunicólogos denominados como tales.

Esta nueva amalgama dio paso, a principios de 1990 y coincidiendo con la proliferación de universidades jóvenes, pequeñas y bien financiadas como la Carlos III de Madrid y la propia Pompeu Fabra (alimentadas, suelen afirmar, a costa de desnutrir a las demás), al nacimiento de los estudios de Comunicación Audiovisual. Unos estudios privilegiados por la escasez de plazas ofrecidas y el supuesto apogeo de las "nuevas profesiones" vinculadas a la comunicación, y por tanto no solamente a la información.

Los estudios de Comunicación caracterizaban por ofrecer asignaturas introductorias al periodismo, la publicidad, y una nueva panoplia de cursos relación con la comunicación: cine, ciencia política, sociología, etc. En las nuevas facultades que disponían de los medios para impartir, simultáneamente, Comunicación Audiovisual, Periodismo y Publicidad y RRPP, se ofrecía un primer ciclo troncal y una especialización posterior, que una vez más, ofrecía una perspectiva tan atractiva como ambigua respecto a la carrera de Comunicación: ¿director de cine? ¿realizador de videoclips? ¿guionista?

Así, en los últimos años han proliferado por todo el territorio español las facultades derivadas de Ciencias de la Información en general y Comunicación Audiovisual en particular. Toda ciudad no demasiado grande, igual que sucedió con los museos, debía tener una. Y eso está muy bien para no vivir en una sociedad centralista, pero como parece haber ocurrido con toda la formación universitaria en general, se generó demasiada oferta y demasiada expectativa estudiantil ("me voy a comer el mundo con esta carrera") para la escasa demanda laboral existente (para ser tertuliano de televisión, parece que hay que pasar por otro tipo de aros).

¿Qué es un comunicador o comunicólogo audiovisual? Pues no tengo ni idea. Yo doy clases, escribo. También podría haber estudiado Filología Inglesa, por ejemplo. No es que me arrepienta. Pero unos cuantos de mis compañeros de promoción trabajan (más o menos felizmente) de periodistas o relaciones públicas, con lo que no sé hasta qué punto había que montar/inflar una carrera nueva para eso. De todo se aprende, y en la variedad está el gusto, pero si pensamos así, ¿por qué ahora parecen cerrarse las puertas?

La tendencia actual, crisis mediante, parece ser la de de organizar facultades de Comunicación a secas. Creo que se dan dos circunstancias:

- Que la idea de Audiovisual no vende como antes, aunque hoy en día todo es Audiovisual o Multimedia. Los mercados de producción cinematográfica y televisiva nacional/local son pequeños. Las oportunidades de creación en ellos, más bien escasas. Me parece que la gente no me cree cuando insisto en que cursé un buen puñado de asignaturas de creación y no sólo para trabajar en un canal televisivo trufado de anuncios. Eso fue lo que interpreté de lo que me enseñaron, y temo que si desaparece la palabra "audiovisual" se perderán el cine de autor, el videoarte o los fractales en la estética digital, ejemplos de temario obligado cuando yo estudiaba.

- Que, no obstante, la idea de Comunicación resulta muy atractiva para sustituir a la de Ciencias de la Información. Ocurre algo a mi entender curioso, y es que me da la sensación de que los estudios de Documentación y Biblioteconomía, que han sufrido al menos en el territorio catalán un proceso de adelgazamiento parecido al de los de Comunicación, son no obstante los que mejor capacitan para el estudio de la Información, y en ello entra a competir el Periodismo: puedes salir a informar a la calle, pero más bien me tienes que interpretar y representar un montón de datos para que el público no huya de mi cabecera reputada pero desfasada. ¿Estarás preparado/formado para eso? Y si además, llamo Comunicación al Periodismo, ¿evitaré la huida de mis lectores más voluntariosos o incautos? Este cambio semántico fue precisamente uno de los más comentados en el reciente congreso de comunicación científica Campus Gutenberg.

¿La Información y la Comunicación han muerto, vivan la información y la comunicación? Un poquito sí. Me recuerda muy acertadamente un amigo diseñador que los estudios de diseño también centran las capacidades comunicativas, al menos las visuales. En España acaban de regularse como estudios oficiales, pero en Latinoamérica poseen una larga trayectoria que tiende a distinguir la Comunicación Social (el periodismo y demás) de la Visual (diseño y otras disciplinas creativas). Quizá ellos lo entendieron mejor mucho antes que nosotros.

Mi pregunta a modo de resumen sería: ¿cómo hacemos para reivindicar todos estos estudios que corren el peligro de solaparse, para mantener una formación tan práctica como humanística (no hace falta ser Jordi Llovet para desearlo), para evitar aplanarlos con etiquetas vagas que corren el riesgo de devenir servilistas ante los intereses del mercado?

Mi respuesta es que hay que invertir en planes de estudio que conozcan al Otro, no como enemigo, como competidor en la oferta formativa, sino como posible aliado. Por ejemplo, cuando estudié Comunicación tomé varios cursos prácticos obligatorios que no me enloquecían, y no me arrepiento pues hay que conocer la(s) técnica(s), pero también habría agradecido más asignaturas de un itinerario teórico afín a los estudios de Información más documentales, que me capacitaran para gestionarla y administrarla a un nivel mucho más profesional aparte de poder teorizar, dar clases, etc.

Asimismo, seguro que bastantes amigos que recibieron con entusiasmo los talleres de infografía, animación y otras habilidades habrían agradecido un itinerario que fomentara esas capacidades, más allá del registro y montaje analógico básico de imágenes. El futuro será informático o no será, y las capacitaciones que propongo deberían sin duda aunar el aprendizaje de las herramientas con una teoría entendida con ejemplos, con una serie de respuestas a la comprensible pregunta: "¿y por qué estudiamos esto?".

Yo no estoy metida en estos berenjenales y me imagino que muchos de sus planteamientos ya se han considerado, analizado, y se enfrentan a muchos obstáculos burocráticos, personales y sociales. Pero, insisto, como me gustaría ver algo más que una desaparición paulatina de las facultades de ciencias sociales y humanas a favor de los modelos de escuela de negocios, confío que sigan quedando personas que tengan injerencia, critero y sensibilidad para mantener algunos valores e introducir algunos cambios que pueden ayudar a todas ellas.

(Fuente imagen)

PRESENTACIÓN DE LA COMUNICACIÓN 'PERSONAJES BIENVENIDOS: ESTRATEGIA DE COMUNICACIÓN 2.0. DE USA NETWORK' EN EL II CONGRESO UNIVERSITARIO SOBRE REDES SOCIALES

2011-10-25T12:37:00.004+02:00

Hasta la fecha no he utilizado mis hobbies para las presentaciones académicas. Por hobbies entendería principalmente las series de televisión y la gastronomía. Si bien he empezado a hacer mis pinitos en el segundo aspecto (mediante la presentación Gastroporno: la comida que te pone, que no he mencionado hasta la fecha aquí por no tratarse de un tema de comunicación digital), siempre me he resistido a escribir sobre algo que me apasiona pero que desvinculo en gran medida de mi trabajo.

Obviamente como cualquier otro ser humano pienso que la televisión puede ser terrible pero también fuente de gran entretenimiento, y de algunos aprendizajes. Me enganché a las series de televisión cuando era muy pequeña y me considero por tanto unos de esos espectadores que por un lado exige más a una serie que se presenta con pretensiones, pero que al tiempo disfruta desacomplejadamente con aquellas series que le recuerdan a su más tierna infancia. Nada que ver, pues, en principio, con la comunicación y el arte que suelen ocupar este blog.

Las cosas han cambiado no sólo por la subida del listón que han supuesto canales como HBO y la emigración de algunos de los mejores guionistas, directores y actores al medio televisivo, sino también por la facilidad con la que uno se informa actualmente de las series que le gustan: no sólo puede verlas y volverlas a ver al unísono del país de emisión (cuando no es el suyo), sino que puede curiosear infinidad de páginas web, blogs y redes sociales donde se pormenorizan los detalles de tales series.

Hace tiempo que me entretengo con las ficciones simplistas, maniques y repletas de gente guapa y escenarios bonitos que pueblan la programación propia de USA Network y cuando vi la convocatoria del II Congreso Universitario sobre Redes Sociales me pareció que quizás ya había llegado el momento de dejar de buscar temas de comunicaciones totalmente ligados a las premisas de mi investigación doctoral (la dichosa narrativa digital en el campo artístico) para contemplar también la producción comercial actual que, ojo, también es narrativa.

En este caso no me interesa comentar la narrativa de las series, sino la narrativa externa, el conjunto de paratextos como quizás aún los habría llamado el narratólogo Gérard Genette para hablar de todo aquello que rodea a las series de televisión. Como disfruto viéndolas igual que leyendo sobre ellas, me da la impresión de que estos paratextos digitales no son si no formas de "metaplacer" como ha denominado en alguna ocasión Marie-Laure Ryan al marco que hay en cualquier obra interactiva: un marco que no te importa ver, mientras puedas jugar con él.

Presento por tanto una brevísima aproximación a la estrategia comunicativa de los programas de ficción propia de USA Network respecto a sus redes sociales, principalmente Facebook y Twitter. Más adelante me gustaría comparar este tipo de presentación con "la otra narratología", la que no analiza textos literarios sino discursos en general, sobre todo periodísticos (la llamada "narratología de noticias"). El motivo de mi interés radica también en la detección de narrativas digitales muy interesantes que no son relatos de ficción: como este enfoque forma parte de artículos que acabo de poner en el horno no lo desarrollaré hasta dentro de un tiempo.

No quiero, sin embargo, entrar en una reinvidicación a lo Henry Jenkins sobre el carácter nutritivo (y no sólo alimenticio) de la cultura popular. Considero que te pueden gustar cosas que no son maravillosas y no por el hecho de que te gusten y puedas hacer un análisis universitario al respecto pasan a serlo, ni tiembla el mundo. Son interesantes o muy interesantes desde diversos puntos de vista, pero no, no son obras artísticas. Creo que las producciones de USA Network están muy bien donde están y no hay que pedirles peras al olmo, pero aquí esbozo alguna que otra idea:

CATEGORÍAS, TAXONOMÍAS, ONTOLOGÍAS Y OTRAS COSAS DEL SABER...

2011-10-17T13:42:00.006+02:00

... que tienden a terminar en "ías".

Al elaborar una tesis doctoral a caballo entre la comunicación (las ciencias sociales) y el arte (las ciencias humanas), partiendo de la premisa de que me cuesta denominar ciencias a todo lo que sea evaluable científicamente, me encuentro en la tesitura de tener que justificar mi selección de obras artísticas para analizar, no ya como muestra representativa científicamente hablando, pero sí de algún modo ofrecer formas de sistematización que expliquen por qué he seleccionado unas obras y no otras.

Los criterios de relevancia iniciales son que las obras escogidas están albergadas en colecciones, exposiciones virtuales o bases de datos de obras (es decir, poseen legitimidad institucional), y dentro de las que hay las elegidas responden, mediante palabras clave que (en muchos casos pero no en todos) las clasifica, a los temas que centran mi investigación: la narrativa entendida como combinación de relato y estructura secuencial, articulada como imagen en movimiento (temporal y espacialmente) pero de una forma alternativa a la convención aristotélica (esto es, no lineal y en ocasiones incluso multineal). Así, suelen entrar en mi espectro obras a las que se adjudican términos como "audiovisual", "cinema", "vídeo", pero también "lenguaje" o "Borges", por irme a dos extremos de generalización.

Estas palabras clave, por su ambigüedad y extensión, no bastan para desbrozar y definir con claridad meridiana qué obras entran en el saco y cuáles no. Para empezar, es verdad, una serie de expertos, comisarios, conservadores, investigadores de museos o centros de arte hicieron una selección para la web, que ha ido complementándose cada vez más con las aportaciones de artistas y de usuarios interesados en el arte digital (véase el ejemplo de Rhizome Artbase).

Pero una vez tienes un conjunto de obras, la selección derivada de mi definición amplia de narrativa digital (que no veo manera de cambiar, pues tanto es narrativa digital un hipertexto como un vídeo digital o algún que otro videojuego), resulta complicada. Hace unos años solía trabajar con tres obras que, a mi entender, representaban, entre otros, los tres vérticles de un posible "triángulo genérico":

- The intruder, un juego basado en el relato homónimo de Borges y en los videojuegos tipo Arcade.

- L'attente, una narración audiovisual basado en el flujo de datos de Internet.

- Y Lluvia sobre el mar, una de las creaciones de Young-Hae Chan Heavy Industries donde el texto lanzado en Flash a ritmo de jazz genera algo más que una narración literaria, pese a la ausencia de imágenes.

Pese a que sigo considerando las tres obras citadas fundamentales para analizar lo transcurrido en el arte digital narrativo entre finales de la década de 1990 y los primeros años de este siglo (esto es, prácticamente hasta el predominio de Youtube), me encuentro sin ir más lejos que The intruder acaba de descolgarse de Internet porque el software necesario para ejecutarla ya no funciona. Este fenómeno me ha sucedido anteriormente y aparte de llamarse paso del tiempo y obsolescencia en mi cabeza se llama también grave problema.

Otra cuestión es si una muestra triple como la planteada sería suficiente. Seguramente no. Si las obras multimedia son híbridas, si algunas quedan obsoletas, ¿por qué quedarse con tres? ¿Por qué no diseñar una lista de obras, justificada, que sistematice los principales rasgos de la narrativa digital?

Y ahí es donde entran mis últimas averiguaciones sobre las palabras terminadas en "ías".

Según el artículo Tesauros y ontologías en sistemas de información documental (Lluís Codina y Rafael Pedraza), recientemente publicado en la revista El Profesional de la Información (una de las pocas revistas ISI con las que contamos quienes no trabajamos en ciencias-ciencias), al uso de la palabra "clasificación" para hablar de un "conjunto de términos organizados en forma jerárquica, sin necesidad de incluir relaciones explícitas o formales" en Documentación se contrapone con cierta imprecisión el término "taxonomía" para hablar de "un tipo de clasificación" , "como lenguaje controlado en general" (ambos en la pág. 3). El término "taxonomía" aparece cada vez más en exposiciones artísticas y parece que debería ser la clasificación "con pretensiones" que me ayudara a desbrozar mis obras preferentes.

Pero existen otros tantos términos prestados de la Documentación que ocupan el interés de los que nos dedicamos a justificar nuestra investigación. El tercer término presentado es "tesauro", en otras palabras "conjunto de términos preferidos (descriptores) y no preferidos (sinónimos) utilizados para representar un campo del conocimiento y generalmente para representar el contenido de los documentos de una base de datos o sistema de información. Debe conteneral menos las siguientes relaciones entre términos: equivalencia, jerarquía y asociación. Existen normas nacionales (UNE) e internacionales (NISO) que definen sin ambigüedad la estructura de un tesauro, y para merecer ese nombre un lenguaje documental debería ajustarse a ellas" (también en la pág, 3).

Esta definición es en parte muy interesante y en parte un señor quebradero de cabeza. Por un lado "conjunto de descriptores y sinónimos para representar un campo de conocimiento". Estupendo: elaboro una clasificación cuyos elementos puedan establecer relaciones entre ellos: por ejemplo, cuando veo la etiqueta "cinema" y la etiqueta "film", puedo imaginarme que operan como términos sinónimos, que seguramente encontraré las mismas obras bajo estas dos etiquetas.

Quiero morder el contenido de una base de datos o sistema de información donde hay obras artísticas, así que sólo le robaré un pedazo y trataré de establecer diversos tipos de relaciones entre los términos (siendo probablemente las asociativas, dada la ambigüedad y extensión de los términos señalados, la más difícil de entresacar), pero, ¿qué normas voy a seguir? ¿Me remito de nuevo a la legitmidad institucional que ampara las plataformas que divulgan esas obras? ¿Entrevisto a expertos para que corroboren o critiquen la idoneidad de las obras que he elegido? ¿Cómo elijo a esos expertos?

Estas tribulaciones, probablemente innecesarias para alguien que en realidad NO elabora una tesis de Documentación y debería aprovechar el tiempo con otras preocupaciones intelectuales más acuciantes como la clausura definitiva de su Marco Teórico (por lo menos ya en marcha), ha despertado no obstante un creciente interés por mi parte por las denominadas "ontologías".

En filosofía, la ontología es una parte de la metafísica que estudia lo que hay, lo que existe (Dios, sin ir más lejos), y las relaciones que establecen los elementos existentes. En informática, la ontología es la formulación de esquemas conceptuales en uno o varios dominios dados, esto es, la translación de las operaciones mentales realizadas por personas a las máquinas (a las que se inyecta, por decirlo de alguna manera, la simulación de la capacidad pensante).

Los autores del artículo que cito son expertos en web semántica, por lo que su designación de la ontología abarca necesariamente la representación del conocimiento: los humanos elaboramos clasificaciones, a veces taxonomías, y a menudo tesauros, sobre todo si somos documentalistas. Pero esta información ha de sistematizarse y combinarse con la programación informática pura y dura para generar tales ontologías. Aquí es donde los autores advierten que muchas veces se habla de ontologías cuando se quiere decir clasifiaciones: le has dado datos al ordenador y hace lo que puede con ellos, pero no genera inferencias basadas en instrucciones informáticas.

Esto es malo para la ingeniería informática y los documentalistas que sí saben programar y bueno para mí, que no sé programar pero que he tenido la ocasión de conocer algunos de esos "vocabularios controlados" que se pretenden ontologías pero parecen más fieles a la descripción filosófica con ínfulas de jugar a Dios que al rigor de los algoritmos interpretables. Para muestra dos botones, OWL Time Ontology y WordNet, que espero para entender mejor en qué berenjenales puedo meter y en cuales no, para definir una muestra que, en parte me temo se resume en la definición de un objeto de estudio.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: HYPERGEOGRAPHY, O EL CAOS INCESANTE DE IMÁGENES

2011-10-10T16:09:00.000+02:00

La entrada de este mes para TheTrendnet me ha quedado muy barroca. Confío que no el texto, pero sí sus amalgamados contenidos. He descubierto el proyecto Hypergeography del artista Joe Hamilton, un bucle de imágenes que generan un denso e inquietante collage digital.

Últimamente, no sé si es la edad o qué, me surge no tanto la necesidad de describir la tecnología detrás de los proyectos que comento para la columna, sino de situar los referentes a los que me recuerda. Han pasado ya quince años desde que muchas personas (occidentales y/o solventes) empezaron a tener connexión de banda ancha, y se nota.

En esta ocasión, dado que Hypergeography es un proyecto albergado en Tumblr y basado en su seductora "entropía", he de empezar recordando Tumblr. Serendipia digital, otra entrada que publiqué en enero en TheTrendnet, donde repasaba algunos proyectos artísticos en mi primera zambullida tumblrense.

Luego, lo cierto es que lo primero que me vino a la mente tras ver Hypergeography fueron los esfuerzos desordenados de Joan Leandre por quebrantar las reglas (visuales y físicas) del mundo de los videojuegos de carreras y disparo .

Después, me acordé especialmente de Scalable City, otro proyecto de videojuego quebrado (cuando el término game art estaba en boca de todos) mediante el trastocamiento de las tres dimensiones.

Y por último, no me ha costado mucho buscar la conexión con la obra de un artista que me obsesiona particularmente para la tesis, Marco Brambilla, cuyos espectaculares entornos barrocos en vídeo, plagados de referencias religiosas y/o cinematográficas, se deslizan inquietantamente por la pantalla (no interactiva) en la que se exponen.

Hubo una época en la que me obsesionaba la dimensión espacial en los textos de investigación que escribía porque la aprehensión del espacio para manejarse correctamente en él y el sentido de la orientación no son precisamente dos de mis cualidades más destacables. Lo que pasa que, unos cuantos libros más tarde, la verdad es que he tenido la ocasión de rastrear múltiples ejemplos de obras "espacializadas" en la historia de la literatura y el arte y me doy cuenta de que no hacía falta singularizarlo tanto, que no hemos avanzado tantísimo desde el reconocimiento de las dos categorías epistemológicas básicas kantianas de tiempo y espacio ni en la versión del cronotopo acuñada por Mijail Bajtin, y que debería rescatar, ya va siendo hora, la hipótesis de que muchos entornos visuales en los que no está pasando nada sugieren narrativas a punto de desenvolverse o activarse, para ver si realmente funciona en entornos digitales.

Porque lo que hace Hypergeography, a fin de cuentas, es aprovechar las posibilidades expresivas de Tumblr para crear efectos que hasta hace muy poco se obtenían con papel, pegamento y paciencia.

(Fuente imagen)

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: TIMELAPSES, SINFONÍAS URBANAS

2011-09-22T17:26:00.001+02:00

Debido al verano han aparecido en un lapso de tiempo (valga la redundancia con el título) muy breve mis columnas de The Trendnet correspondientes a los meses de agosto y septiembre. Para la vuelta al colegio, por llamarla de alguna manera, propongo un par de enlaces sobre "lapsos de tiempo", o grabaciones, especialmente de ciudades, que retratan las urbes durante horas en escasos minutos. También es habitual, en algunos filmes documentales, retratar procesos que duran días o semanas mediante este efecto, que puede lograrse tanto acelerando secuencias de vídeo como generando varias fotografías seguidas y empalmándolas luego.

Mi granito de arena en esta publicación, que baso en gran medida en las entusiastas aportaciones al fenómeno proporcionadas por chechar, consiste en contextualizar estos lapos de tiempo dentro de las denominadas "sinfonías urbanas" que poblaron el cine vanguardista de las décadas de 1920 y 1930. Un ejemplo de lo que estoy haciendo con mi tesis: peinar explicaciones sobre formas de narrativa no convencional, en este caso dentro del denominado Modo de Representación Alternativo (por oposición al convencional, clásico o institucional) y ver cómo enlazan con creaciones digitales presentes y futuras.

Otros recursos que nacieron con el cine (o incluso, por supuesto, con las formas protocinematográficas de registro o simulación de imágenes en movimiento) son los bucles. Manovich habla mucho de ellos en sus artículos sobre cine digital de finales de 1990 y por supuesto en El languaje de los nuevos medios de comunicación.

La hipótesis que nunca abandona la mesa es que el denominado Modo de Representación Primitivo, correspondiente a los primeros pasos del cine, no derivó en el cine clásico hollywoodense al perfeccionarse o pulirse, ni tampoco se extinguió, sino que siguió un cauce propio a través de los experimentos de vanguardia, el vídeo que heredó tales formas, y que cobra mucha mayor vida en la fragmentación, potenciación de la espacialidad y de la multiplicidad de pantallas frecuentes en la creación digital actual. En cualquier caso, cuento con dos años escasos para situar, analizar y justificar éste y otros planteamientos. Así que manos a la obra.

(Fuente imagen)

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: URBANOLOGY, HAGAN JUEGO URBANITAS

2011-09-05T21:04:00.004+02:00

Aunque las principales capitales del mundo se esfuercen por constituirse en ciudades marca y seguir el espíritu de Richard Florida, según el cual cuando se junta gente creativa pasan cosas interesantes y lucrativas (y la gente pobre, misteriosamente, desaparece del mapa), perdura la impresión de que Nueva York sigue llevando la batuta en equipamientos culturales.

La última novedad de este verano es BMW Guggenheim Lab, un centro de investigación sobre diseño y políticas urbanas que tiene previsto rotar por otras ciudades importantes, pero que de momento se concentra en un espacio abierto de la ciudad americana y se presenta con el juego Urbanology, donde los neoyorquinos interactúan con diversas pantallas para tratar de influir en las políticas de desarrollo de su entorno.

¿Conseguirá este proyecto trascender los recelos que pueden despertar las iniciales automovilísticas que lo encabezan?

¿Resultarán útiles para lograr transformaciones sociales y/o urbanísticas las posibilidades de interacción que Urbanology presenta?

¿Llegará este proyecto a una España de futuro artístico y de diseño más que incierto?

Éstas y otras preguntas se responderán con el paso del tiempo. Mientras tanto, afortunadamente, siempre nos quedará Derivart.

(Fuente imagen)

PRESENTACIÓN DE LA SESIÓN SOBRE INNOVACIÓN Y PERIODISMO (IDEC)

2011-07-18T16:59:00.005+02:00

Comenté un par de entradas atrás que iba a impartir la sesión "Periodismo ciudadano y periodismo en red" en el curso Web 2.0. para periodistas y comunicadores organizado por IDEC-UPF. Pues bien, después de dar la clase y corregir contenidos, adjunto la presentación relacionada. He aprendido algunas cosas en mi primera experiencia intensiva (5 horas), como que debes conseguirte una silla y una tarima (lo siento por los fans del edupunk, pero sin tarima no ves a los estudiantes), que el grupo va a ser muy variado, y que va mejor preguntar nada más empezar quién es y a qué se dedica cada participante para adecuar mejor la sesión (rutina habitual en la docencia virtual que quizás en ocasiones se pasa por alto en la presencial).

Como no soy periodista, pienso que mi enfoque se aproxima más a la teoría del periodismo, de la comunicación y teoría de cultura digital en general. Espero que este enfoque satisfaga las expectativas de los estudiantes. Me documento todo lo que puedo sobre las ideas que circulan por las redes y los proyectos que de ellas se derivan. Hablo de cosas que están pasando ahora e intento mantener una perspectiva crítica sobre su utilidad e idoneidad, siempre procurando respetar lo que opinan los profesionales del periodismo sobre tales herramientas y lo que valoran los críticos culturales sobre su contribución a la autonomía y emancipación tanto de profesionales como de usuarios y consumidores en general (en otras palabras, cómo evitar que te vendan la moto con todas las novedades que aparecen).

En fin, no sé qué derroteros tomará este enfoque, pero me alegro de haberlo iniciado y de haber contado con la oportunidad de dar una clase en persona, que la verdad es que me encanta. He aquí el resultado resumido:

COLABORACIÓN CON THE TRENDENT: I/O/I LOS SENTIDOS DE LAS MÁQUINAS

2011-07-11T12:15:00.004+02:00

Mientras las excavadoras perforan y construyen en el enorme solar adjunto a la plaza de las Glorias de Barcelona en lo que será el futuro museo del diseño, la sede temporal del Dhub se sitúa en un precioso edificio gótico de la calle Montcada, donde también está el Museo Picasso.

Aprovechando el Barcelona Design Festival, Dhub ofrece durante unos meses la exposición I/o/I Los sentidos de las máquinas, donde se combinan diversos prototipos de diseño industrial con algunas propuestas de carácter más artístico, todos ellos centrados en el desarrollo de la interactividad, y no en las cualidades reactivas o de "mera" reacción ante los estímulos ofrecidos por las máquinas. Recojo un breve resumen en mi columna de The Trendnet de este mes de julio.

No soy muy fanática de este tipo de muestras en la medida en que ofrecen un despliegue tecnológico epatante que oscurece e incluso en ocasiones sustrae algunos valores creativos. Pero por otra parte, la gente disfruta mucho con los cachivaches si les permiten hacer cosas divertidas, chocantes o inusuales. En este sentido, creo que puede ser muy interesante el programa de talleres y actividades, sobre todo para niños. Tengo una opinión parecida de la retrospectiva del trabajo de Christa Sommerer y Laurent Mignonneau en Arts Santa Mònica, centrada en el ámbito del bioarte.

En cualquier caso, Montcada es un lugar precioso para toparse con las ocurrencias del s. xxi, y el diseño aún tiene muchas historias que contar y hacer sentir.

(Fuente imagen).

DOCENCIA EN EL CURSO WEB 2.0. PARA PERIODISTAS Y COMUNICADORES

2011-06-28T16:36:00.004+02:00

Por gentileza de mi tutor doctoral Lluís Codina tengo la ocasión de impartir la sesión del viernes 8 de julio del curso Web 2.0. para periodistas y comunicadores (IDEC-UPF), un curso teórico-práctico donde se enseñan las principales herramientas y técnicas del periodismo digital.

Mi sesión lleva por título "Periodismo ciudadano y nuevos modelos de periodismo en red" y se vertebra en relación a los siguientes ejes:

- La creatividad y la innovación como fuerzas impulsoras de la comunicación empresarial y periodística actual.

- Ejemplos de casos de estudio y recursos innovadores para el periodismo 2.0.

- Reflexiones en torno a la ¿nueva? figura del periodista en el contexto digital.

Estoy preparando unos apuntes nuevos (es decir, inéditos), ya que aunque trato temas de periodismo digital mediante la docencia en Comunicación en la UOC, la teoría de la innovación no la he estudiado hasta la fecha. En este sentido, recomiendo mucho el ensayo Innovación en Cultura: Una Aproximación Crítica a la Genealogía y Usos del Concepto elaborado por YProductions, pues tiende un utilísimo puente entre los planteamientos de la innovación industrial y la moda de la innovación en nuestra sociedad actual.

Los que me conocen saben que desconfío de las palabras de moda, que aparecen y desaparecen a la velocidad del rayo. Pero en este caso he intentado adoptar una actitud distinta, establecer qué palabras se están empleando hoy en día y adoptar una actitud reflexiva y crítica respecto a su uso. Innovación y creatividad no sé si las hay más que ayer pero menos que mañana. Lo que sí puedo afirmar (bueno, lo que afirman los profesionales), es que el trabajo del periodista está cambiando muchísimo y hacen falta herramientas, capacidades, actitudes, que permitan sobrellevar o incluso manejar bien los cambios, no solamente sufrirlos.

El periodismo ciudadano es una de las vertientes interesantes, pero por supuesto plantea tantas luces como sombras. Espero extrapolar este enfoque a toda la sesión y lograr atraer e interesar a los estudiantes en la que es mi primera sesión presencial en un curso de verano. Si queréis saber más, toda la información está disponible en la página del IDEC o contactando conmigo. Gracias.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: MOBILE ART, EXPERIENCIAS MÓVILES

2011-06-22T14:49:00.004+02:00

Acaba de publicarse en The Trendnet mi última columna a propósito de la exposición Mobile Art: experiencias móviles (Fundación Godia) que aunó arte y telefonía móvil todavía en el marco del festival de videoarte Loop.

Ya he hablado anteriormente de la estética avejentada que fomenta el Iphone y también creo que he hablado de la increíble calidad de algunas fotografías y vídeos que genera. Cada vez es más habitual grabar algo importante con un dispositivo móvil, y quedarse tan ancho (sin preocuparse demasiado por la postproducción posterior, se entiende).

En este caso particular me gustaría destacar la obra CrossWorlds, de Olga Kisseleva, que ofrecía un "cuadro", una imagen fragmentada de mujeres con chador, cubierta parcialmente por un código QR. Una obra que sólo se activa mediante la conexión con un teléfono móvil que lea el código en cuestión y descifre lo que que el cuadro escatima.

El vínculo inmediato que detecto es con una de mis obras preferidas de net art narrativo, Nosotras las putas, de Ricardo Iglesias, en que el acceso a las imágenes de las prostitutas (y a las imágenes de los que no lo son) también estaba fragmentado y había que hacer clic incesamente para hacerse una idea global del caleidoscopio humano que se representaba.

Cómo han cambiado las cosas en una década. Antes la gracia estaba en que tenías que familiarizarte con el ratón, que ya resultaba raro, para ver una obra. Tenías que navegarla, explorarla, con un periférico al que sólo estabas acostumbrado a usar para abrir carpetas y otras tareas ofimáticas. Ahora se genera una nueva mediación mediante los códigos QR. Y una nueva brecha: no sólo has de tener un teléfono móvil sino que además tiene que ser un teléfono con conexión de banda ancha a Internet. Lo cual tampoco tiene nada de raro en mi parte del planeta. En otras, se usan móviles dignos de Gordon Gekko. Y aún gracias.

¿Resultará interesante el contenido político de la obra de Kisseleva cuando la moda de los QR haya pasado? ¿Se desactivará técnica e ideológicamente? Me parece interesante que unos códigos de barras modernizados, es decir, un conjunto de símbolos, sustituyan o cubran aquello que representan. Pero la tensión se mantiene en cuanto estos códigos difícilmente se separan del contexto comercial del que provienen. Me he cansado de leer frases del tipo "Los códigos QR son fantásticos para el periodismo" cuando los lectores de tales frases sólo quieren que les enseñen cómo redactar mejor para la web, cómo seducir a los lectores mediante sus ideas, no cómo venderles cachivaches y aplicaciones de pago. Espero que el paso del tiempo haga justicia a este tipo de experimentos.

(Fuente imagen).

PRESENTACIÓ DE NEWMEDIAFIX A TWITTER AL SEMINARI DIGIDOC

2011-06-11T13:02:00.005+02:00

L'any passat, l' Eduardo Navas, amic des de fa anys especialitzat en l'ànalisi de la remescla a la cultura, em va proposar que m'incorporés com a coeditora de la revista NewMediaFix, que dirigeix com a plataforma de difusió d'esdeveniments i articles sobre art i cultura digital. NewMediaFix és la derivación d'un projecte anterior, NetArtReview, que complia una funció similar en relació al net art.

Resulta difícil portar una revista com NewMediaFix a l'actualitat per dos motius molt clars: un d'ells és que totes les persones involucrades (no només l'Eduardo i jo, sinó també tot un seguit de col.laboradors) tendeixen a estar molt ocupades amb les seves tasques professionals. En els temps que corren, i a determinades edats, fer coses gratis de vegades és més complicat que mai. L'altre és que sembla que els vents 2.0. que bufen obliguen a modificar les pretensions i esquemes de projectes com aquest. Com tampoc ens hem atrevit a modificar totalment el projecte -digueu-me qui hi ha un terme mig entre la web 1.0, i les xarxes socials- hem començat creant un compte de Twitter, que fins ara administro en solitari.

Aquest compte m'ha fet pensar molt en la difusió cultural actual, en com estan participant els museus i en com podem aportar nosaltres, que portem un projecte volgudament minoritari, però que no vol desaparèixer per deixar el camp exclusiu a projectes mainstream. Tinc la sensació, no comprovada, que les xarxes socials tendeixen tant o més que els mitjans "tradicionals" a la "tematització" i a la "espiral de silenci" (perquè tot i la suma de "subjectivitats", el seu principi "democratitzador" tendeix a potenciar mínims comuns denominadors) . Però què passa quan el teu projecte és petit, però també vol incidir? Aquesta pregunta està esbossada, esperant ser objecte de debat, a la presentació que us adjunto.

MI PRIMER ARTÍCULO ACADÉMICO: PROPUESTA DE ESTRATEGIAS PARA DESARROLLAR UNA TAXONOMÍA EN NARRATIVA DIGITAL

2011-05-23T12:27:00.001+02:00

Sí, sé que se trata de un título rimbombante. Pero diría que me lo pidieron así. La revista Hipertext publicada por la Universidad Pompeu Fabra (donde estudio el doctorado) ha ampliado el enfoque de documentación digital de sus inicios para sumar artículos relacionados con la "comunicación interactiva" entendida de un modo más amplio. Los otros colaboradores de este número hablan entre otras cosas de documental multimedia, accesibilidad web y tesis de comunicación andaluzas.

El verano pasado hice todo lo que pude para avanzar en la tesis leyendo diversos libros y páginas web sobre la situación de la narrativa digital dentro del arte digital o electrónico. Se me ocurrió entonces que podía intentar llevar a cabo algún tipo de "vaciado" de estos recursos para situar las obras narrativas digitales en un contexto artístico general, y para intentar explicar, mediante los recursos consultados, qué entienden los profesionales o expertos por creación narrativa digital en el ámbito artístico.

Tras tomar nota de los sistemas de clasificación y etiquetas principales de las páginas y libros analizados, la empresa inicial se reveló descomunal y me planteé la posiblidad de recuperar el desarrollo de una taxonomía personal en el que llevo trabajando desde 2006.

Cuando escribí el libro Tempus fugit no tenía nada presente esta taxonomía. Corría el año 2001 y lo más visible era el net art, narrativo o no, y la instalación espectacular aupada por la tecnología digital. A lo largo de los años siguientes intenté clasificar los distintos tipos de obras para intentar detectar aquellas que ofrecían una visión particular de la narrativa, más allá de las convenciones cinematográfica y videográfica, a caballo entre los géneros documentales y de ficción y no necesariamente de carácter interactivo.

Las cosas han cambiado mucho en los últimos cinco años y he intentado hacerme eco de las transformaciones operadas en la noción de narrativa digital mediante una definición amplia que aporto en la tesina Narrativa multimedia, narrativa interactiva y que también se menciona en la sección de arte digital del manual Disseny gràfic i disseny web editado por Eum Editorial de la Universidad de Vic el pasado año. Os la recuerdo:

"el conjunto de obras [no -solamente- objetos comunicativos], narrativas, [que poseen estructura narrativa y narración o relato], multimedia, [es decir, que combinan imagen estática y/o en movimiento, texto y/o sonido], en línea, y que como tales participan mayoritariamente de los rasgos constitutivos del medio informático (es decir simulación, aleatoriedad, no linealidad, fragmentación y/o interactividad)".

El artículo publicado por Hipertext resume particularmente el desarrollo de esta definición entre 2006 y 2010 para establecer categorías útiles de comprensión de los fenómenos narrativos digitales. Queda pendiente la taxonomía social o decidida por otros profesionales o instituciones externas en la que empecé a trabajar el verano pasado, y para la cual, en un principio, tengo previsto elaborar una ontología respecto a qué incluye y qué no incluye la noción de narrativa digital.

Para los que se pregunten qué tiene que ver todo esto con una tesis doctoral, me planteo la posibilidad de incluir en mayor o menor medida estos aspectos en el grueso del trabajo que es el Estado de la Cuestión. En la tesina, este Estado resumía las principales obras y tendencias de narrativa no convencional en los campos literario y audiovisual. Aún queda mucho por decir en esos aspectos, pero también es cierto que los intentos de clasificación por mi parte sirven para encuadrar mucho mejor el objeto de mi análisis, que al igual que los términos de "narrativa" y "ficción" en sí, continúa siendo bastante impopular en los análisis del ámbito digital (por lo que sigue manteniendo mi curiosidad e interés en el espíritu constante de ofrecer un "informe en minoría").

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: MURAL EXPLORER, ARTE DE CARA A LA PARED

2011-05-11T20:49:00.000+02:00

Estoy muy interesada en lo que están haciendo los museos con la web 2.0. No sólo en cómo se están comunicando, sino también en cómo difunden contenido vistoso y a veces muy relevante. Por eso, me llamo mucho la atención el proyecto Mural Explorer que el ayuntamiento de Philadelphia puso en marcha para retratar los principales murales de la ciudad, y lo he comentado en The Trendnet.

No es es tipo de arte mural mi favorito, pero me encanta la propuesta y la estructura de archivo que permite no sólo consultar las imágenes de un modo intensivo como en Google Art Project, sino también ver vídeos, series de diapositivas, en definitiva, educarse un poco sobre el mural escogido.

Me interesa mucho la narrativa de ficción, pero he de reconocer que en términos documentales me atraen bastante determinados aspectos del registro y el archivo visual museístico. Quizás podría incorporar estas reflexiones documentales en la tesis de la que nunca hablo pero que sí, estoy intentando llevar a cabo. Más noticias, muy pronto.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: ARTE DE IDA Y VUELTA O DISEÑOS DE PROCESSING IMPRESOS

2011-04-12T11:26:00.002+02:00

Este mes en The Trendnet comentó el caso de Random Multiple Numbers, un proyecto de impresión limitada de obras basadas en Processing, del que supe gentileza del entusiasmo digital de Enrique Aguerre.

Siempre me ha fascinado esta suerte de arte abstracto basado en maestros conceptuales como Sol Levitt y Pablo Palazuelo. Junto los dos términos porque se trata de artistas que, incluso cuando emplean números o figuras en última instancia identificables, lo hacen de tal modo que el objetivo parece ser el efecto abstracto.

Lo mismo puede ocurrir con el diseño digital, en el que Processing lleva metiendo caña unos cuantos años. En este aspecto, reconozco que mis escasos conocimientos técnicos se suplen con un entusiasmo esteta por el que, me temo, se deben de haber llevado las manos a la cabeza los que sí controlan la diferencia entre x, y z.

Pero bueno, llega la primavera, y como no tenía nada en mente que comportara flores en código binario, me pareció igual de pastoril y bienintencionado rendir homenaje a unas bonitas rayas.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: SERIOUS GAMES DE HARUN FAROCKI

2011-03-08T12:26:00.000+01:00

Para este mes de marzo he escrito un breve comentario sobre la exposición Serious games de Harun Farocki. No estoy muy familiarizada con el trabajo previo del artista, aunque me consta que ha recibido muchos reconocimientos, pero sí con la noción de serious games aplicada a los videojuegos relativos a temas "sociales" y pensados con voluntad crítica, que tuvieron su apogeo sobre todo durante la década pasada, tanto en creaciones originales como en manipulaciones o mods de juegos comerciales.

Durante la época de auge de los "videojuegos como arte" que según mi experiencia personal se produjo entre 2005 y 2008, me fijé bastante en el tema en busca de elementos (disidentes) de carácter narrativo, y por el interés en la adaptación del videojuego a lo pictórico, pero también me encontré con el uso social más popular que ahora nos ocupa.

La exposición de Farocki no es exactamente lo mismo: no son videojuegos, sino vídeos que tratan sobre videojuegos, sobre la imagen , la representación, la vida como un videojuego. En este sentido, mi primera opinión fue "nada nuevo bajo el sol". Me parece interesante que recree escenarios bélicos, pero hace años que se grabaron documentales sobre el entrenamiento de soldados con videojuegos (y diría que tuve ocasión de verlos precisamente en esas exposiciones de videojuegos que he mencionado).

No obstante, cuando fui a la inauguración, me llamó la atención que unos amigos vinculados más a lo que podríamos llamar "arte contemporáneo" o "artes visuales" alababan la originalidad de los enfoques de Farocki. De repente quizás que mi actitud desdeñosa era precipitada, que quizás (o muy probablemente), más allá del ghetto creado al menos en sus inicios por espacios como Laboral o por publicaciones especializadas, las obras sobre serious games son absolutamente desconocidas y Farocki ha ejecutado una notable transición videográfica hacia el espacio galerístico y de arte contemporáneo.

Es delicado que diga esto porque parece afirmar dos cosas: una, que creo que el arte digital nunca supo comunicarse más allá de las fronteras y murallas que él mismo erigió, y que la validación de cualquier forma de ¿innovación? artística pasa necesariamente pasa necesariamente por la institucionalización más conservadora. No pretendo afirmar ninguna de las dos cosas.

Pero sí quiero fijarme en las "buenas voluntades", tanto de quienes en su momento transgredieron el maniqueísimo de los videojuegos para articular -literalmente- dispositivos críticos como de los artistas contemporáneos que no tienen miedo de trabajar con imágenes híbridas a caballo entre la representación y la simulación (esto es, según la sutil distinción establecida más bien por los ludólogos).

Asimismo, quiero ser más cauta al reconocer las perspectivas de diversos colectivos o grupos profesionales: tampoco pienso que todos los artistas digitales hayan trabajado de espaldas a las demás comunidades artísticas, del mismo modo que no quiero creer que todo aquel que no conozca el "arte digital" se ha puesto una venda en los ojos durante la última década.

Este trabajo de observación de "tipos humanos" y de "formas de representación" es lo que siempre me sigue motivando para pensar y escribir sobre la creación y la comunicación ahora.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: GOOGLE ART PROJECT, UN PASEO POR LAS NUBES

2011-02-14T12:13:00.001+01:00

La semana pasada ya comenté que mi última columna de The Trendnet consistiría en una presentación de Google Art Project, pensada sobre todo para los que no siguieron las ruedas de prensa de los diversos museos implicados recurriendo a Twitter o a la prensa "tradicional". El proyecto supone un repaso por algunas de las salas de algunas de las colecciones de arte más importantes del mundo mediante el uso de la tecnología Street View, con las limitaciones correspondientes a las salas no fotografiadas y al copyright, que obligan a emborronar algunos de los cuadros.

Podríamos afirmar que las instalaciones, como los helados, entusiasman por igual a pequeños y mayores, pero lo cierto es que la pintura no ha salido perdiendo con la digitalización, al menos no en lo que a notoriedad se refiere: con el paso dado por Google, y por otros tantos museos a título particular, parece que empezamos a dejar atrás las limitaciones de las minimágenes aportadas por muchas galerías de arte "sin ánimo de archivo": es decir, que cuando la exposición terminaba costaba un montón rastrear y hallar algunas de sus imágenes principales.

No se ha solventado la cuestión del yugo de Flash, que impulsa a captar imágenes a través de un incómodo pantallazo, con lo facilito que es hacer clic en "guardar imagen como" y clasificar después cuando hablamos de HTML, pero queda muchísimo campo por sembrar. A continuación añado algunos apuntes para seguir hablando:

- Que las limitaciones legales generan en Google Art Project curiosos efectos estéticos. La mirada puede escudriñar las arrugas de cualquier persona o dios griego pintado mucho antes de la invención de fotografía pero el "no se toca" se ve sustituido por el "no se ve bien". Me sorprende no haber leído bromas sobre la "miopía" del proyecto, aunque hay que reconocer que se pueden detectar posturas problemáticas a ambos lados del espectro (digamos ideológico): es decir, que desde el copyleft se critiquen las restricciones y se pase por alto la utilidad pedagógica, y que desde el copyright se hable de "museo interactivo" porque quien habla se confunde entre apretar botones y cambiar realmente cosas.

- Que por qué parece que hoy en día si no lo hace (lo que sea) una corporación multimillonaria no lo hace nadie. Gobiernos, ¿a qué estáis esperando? Cada vez que aparece un proyecto como éste me alegro de que a alguien se le haya ocurrido (recordemos que Google también son un montón de seres humanos), pero al tiempo me entra el escalofrío pop y me viene a la mente la (descacharrante y) monopolizadora Mamá de Futurama, que se erigía en Cultura, Producción y Abuelita Simpática a golpe de talonario y efectos especiales que ocultaban aviesas intenciones.

- Que resultan fantásticos los esfuerzos por aunar arte y digital más allá de la para bien o para mal olvidada vanguardia del net art, pero que no bajen la guardia con la estética. La tecnología Quicktime usada para ver salas de museos hace una década o más no era perfecta, pero creo que la volvería a navegar con cariño. Es lo que tiene el paso del tiempo. Pero ese mismo paso del tiempo no parece haber ayudado en un cambio, a mi entender esnob, bastante desastroso: en la medida en que los profesionales informáticos han acaparado tareas de diseño audiovisual, la estética popular ha tendido a resentirse.

Tengo la todavía más esnob teoría de que en los orígenes de la animación los que se dedicaban a ese campo poseían un gusto o variedad de gustos con fundamento estético. Pero si pensamos en Jar Jar Binks, en los snorkels de Avatar o en la página de inicio de Adobe Museum of Digital Media (pendiente, reconozco, de explorar su primera exposición) de verdad que yo no bajaría la guardia, sino que la incrementaría y contrataría asesores.

(Fuente imagen).

TRADUCCIÓN DEL NODO "MEDIATECAS Y ARCHIVOS PARA EL SIGLO XXI"

2011-02-07T19:20:00.000+01:00

No sé muy bien cómo llevan los museos españoles lo del recuento de visitas presenciales, si están contentos, si están preocupados, o si las preocupaciones presupuestarias se concentran en pagar a trabajadores internos, comisarios y obtener nuevas obras.

Lo que sí parece que está despuntando es todo lo digital. No sólo por Google Art Project, del que hablaré dentro de poco, ni por las redes sociales, que incrementan notablemente la difusión, ni por los atractivos sistemas de visualización que empiezan a proliferar, cómo éste del Guggenheim neoyorquino a propósito de su colección de arte moderno.

Un tema clave ahora, dentro de dos años, de veinte, o de doscientos, es el del archivo. ¿Qué conservar y por qué hacerlo? Por lo que no es de extrañar que hace unos meses, Laboral reuniera a unos cuantos expertos europeos para opinar del asunto, sobre al que al menos siempre hay un punto de acuerdo: el tema del archivo es vital para definir el papel de las instituciones y la posteridad de sus proyectos. Para documentarse, Pau Waelder blogueó extensamente sobre las intervenciones del simposio.

Aprovechando la formació continuada ofrecida entre UOC y Laboral, se ha publicado un nuevo monográfico de Artnodes en el que la cuestión se debate en diversos artículos que he tenido ocasión de traducir. Ocurre que suelo encargarme de los artículos en el mes de noviembre, y en ese momento están vív(id)os en mi imaginación y pensamientos, pero luego cuando me pongo con otra tarea y luego con otra el recuerdo queda algo difuminado, no desaparecido pero sí guardado en alguna carpeta mental recuperable.

Recuerdo que Adriaansens y Stubbs escriben más bien como los directores de instituciones que son, y que Attila Márton despliega sus esfuerzos doctorales en categorizar las imágenes digitales un poco al estilo post-manovichiano (¿os acordáis de las categorías del lenguaje de nuevos medios?). Lo que se me ha quedado más grabado es cómo Alessandro Ludovico expone los problemas de dejarlo todo en manos de Google.

Mira quién lo dice, la que lleva unos cuantos días babeando con Google Art Project... Pero Ludovico se refiere en este caso a ceder los derechos de las obras de las bibliotecas nacionales europeas por tiempo indefinido (?!) y al riesgo de que Google imponga un canon de "lecturas de interés común" tan homogéneo y predecible como Disney Channel (es a la programación infantil, se entiende).

En cualquier caso, mucha tela que cortar que empieza con el registro fotográfico y videográfico de obras y actividades varias, continúa con la manera de guardar y clasificar tales registros, y acaba... quién sabe dónde.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: TUMBLR. SERENDIPIA DIGITAL

2011-02-01T17:06:00.000+01:00

De todos los inventos de los últimos tiempos, el que más me cuesta explicar es problablemente Tumbr, un tipo de blog que como tantos otros mezcla textos y fotos, pero que por su estética y manera de ordenar la información incita a colgar pensamientos e imágenes aparentemente inconexas, fomentando así cierta sensación de "flujo de conciencia".

Este nuevo año empieza con una nueva publicación en The Trendnet en un formato un poco distinto, nítido y elegante. Se mantienen las secciones de música, new media art, diseño, iniciativa social, e-commerce, comunidad y juegos y se cuenta con el auspicio de Absolut Network, además de plataformas incrementadas para difundir estos y otros recursos a través de Facebook, Twitter, RSS, etc (así como el Twitter propio de The Trendnet).

El desafío sigue siendo proporcionar nuevos contenidos en un momento que considero muy crítico tanto de la apreciación de lo artístico como algo específico (subyugado a lo "cultural", y aún más a "lo que se hace con tecnología") como de la consideración de "new media art".

Aunque por un lado pienso que sigue habiendo unas creaciones con tecnología más o menos evidente que son muy novedosas, que se comprenden o presentan en otros términos y que por lo tanto se justifica la permanencia de la categoría "new media", por otro creo que hemos llegado a un punto en que todo está muy mezclado: en todo caso, una parte de mí apostaría por "arte de los medios" o media art en el sentido de que los medios están muy presentes, pero es que ahora ya no hay realmente medios antiguos y modernos, sino coexistencia más o menos agitada de todos ellos, cada vez más asumida por la mayoría de la gente.

Me doy cuenta de que en mis columnas tiendo a hablar de una página que me gusta o de unos proyectos que parecen interesantes porque están hechos a través de una determinada herramienta. Me alejo, por tanto, de los temas digamos "humanos" o que transcienden la especificidad tecnológica para ahondar en nociones más diversas. Resulta muy díficil adoptar esta postura temática tan estimulante ante obras tan nuevas, y mucho más accesible abordar los trabajos en función del eje tecnológico que los somete. Ahora bien, confío realmente que mi selección de obras en cada caso no se considere baladí.

Tanto en lo que respecta a conocer "lo que está de moda" (el signo de los tiempos) como a señalar en algunos casos "qué cosas interesantes se están haciendo últimamente", espero seguir aportando mi granito de arena.

(Fuente imagen).

NEWMEDIAFIX EXPERIMENTA CON TWITTER

2011-01-24T11:26:00.000+01:00

Pío pío pío. Después de estar un tiempo jugueteando con la herramienta, he creado una cuenta oficial de Twitter. Pero no, no es exclusivamente para mí.

Desde hace unos meses ejerzo de editora en la sombra de NewMediaFix, que desde 2005 editan Eduardo Navas y Molly Hankwitz de EEUU (anteriormente, Eduardo también administró net_art_review y dejó el archivo en Internet para su consulta).

Llevamos unos meses dialogando sobre cómo podemos orientar NMF con todos los cambios que se están produciendo ahora: la proliferación de redes sociales, el poquísimo tiempo del que disponemos para editar una publicación teniendo en cuenta nuestras respectivas ocupaciones profesionales, los hábitos de quienes nos leen o quizás querrían leerlos y no nos conocen.

NewMediaFix se ha caracterizado, o ha intentado caracterizarse siempre por ser un poco diferente. Sí, ofrece un registro de noticias y algunos artículos sobre arte de (nuevos) medios, pero siempre se ha intentado que no fueran los más convencionales, que no fueran aquellas noticias redundantes que para cuando llegan la hora de comer del lunes ya te han rebotado cuarenta veces a las distintas cuentas de correo, ni los temas que has visto tratados hasta la saciedad en las listas, ni las personas que te hartas de encontrate en el centro cultural de turno, en el libro que estás leyendo o en los perfiles de Facebook de tus contactos...

Ese mismo espíritu conduce a la creación de una cuenta de twitter también llamada NewMediaFix, no sólo para publicitar actualizaciones del site madre y retwetear lo que digan los demás, sino también, esperemos, para teclear algunos pensamientos (breves), algún que otro aforismo y exabrupto, que conecte ciertas comunidades anglo e hispanoparlantes. A ver qué tal funciona el invento.

(Fuente imagen).

MEDIACIONES Y OPERACIONES

2011-01-08T20:32:00.006+01:00

Últimamente se me han presentado un par de ocasiones de colaborar en proyectos de arte. Me resulta curioso porque se ha tratado de colaboraciones profesionales donde el trabajo no era imprescindible o insustituible, pero sí necesario.

Hace cosa de un mes colaboré realizando entrevistas para Mireia C. Saladrigues en su intervención Homesessions@invitedoneday. Se trataba de entrevistar a las personas convocadas (sin que supieran el motivo) en la casa particular de los organizadores sobre aspectos de participación artística y otros temas de arte como las diferencias con lo político o la vinculación del entrevistado con las redes sociales.

Éramos tres personas grabando entrevistas durante varias horas en un papel muy curioso que se alejaba bastante del periodista solícito que toda la vida me ha repateado, pero que tampoco entraba en la dimensión actoral pues en mi caso puedo decir que era, yo misma, o yo misma preguntona, la que estaba ahí planteando cuestiones a los convocados. Quizás cuando no te retuercen el brazo o te toquetean en ningún sentido estás mucho más dispuesto a dejarte llevar. Es posible que se genere una publicación de todo esto. Me resultó sorprendentemente entretenido, aunque simplificando mucho diría que es porque me encanta hablar.

Un poco distinta fue la colaboración con Daniel Jacoby, que me pidió que le tradujera al inglés una pista de sonido para una audioguía de la instalación La lógica del ornitorrico en la galería Toni Tàpies. En este caso la dificultad estribaba en mantener ciertos juegos de palabras o coqueteos con el lenguaje en la versión inglesa, aunque sustancialmente no creo que ese trabajo diste de lo que haría con un texto impreso. Lo curioso es cómo, en vez de encuadernarse, las palabras escritas por Jacoby y después por mí flotan en la galería Toni Tàpies. Que nadie me malinterprete, no es que mi sienta autora de la obra o el proyecto, pero sí partícipe.

Tuve una sensación parecida hace unos años cuando utilizaron fragmentos de la novela Jpod para ilustrar una exposición en el festival Kosmópolis del CCCB, es decir, utilizaron fragmentos de mi traducción y vi mis palabras colgadas en las paredes. Las palabras no son mi de propiedad. Se distribuyen por ejemplo en las paredes o se graban en pistas de sonido. Pero yo he generado las versiones. Y es una sensación de la que no me puedo desprender.

La idea del proyecto de Mireia es hacer de instrumento de una acción pensada por ella, ejercer una mediación entre lo que ha pensado y el público. La idea de mediación también funciona para cualquier traducción. Pero en cuanto se produce esa mediación, no puedo evitar sentir, cuando menos, que se difuminan los límites entre lo propio y ajeno, aunque no experimente una propiedad que es la de Mireia o Daniel, ni tampoco una apropiación como creo que es la que tiende a realizar el público.

Me pregunto si el término "operador" haría justicia a ambas experiencias, porque claro, "instrumento" si se usa en exceso puede resultar un tanto masoquista, y "facilitador", que también me rondaba la cabeza, suena a la persona que acompaña a los niños chiquitines cuando viajan solos en distintos medios de transporte. Son sensaciones extrañas que me cuesta precisar, pero son estimulantes.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: LA MÁQUINA DE LOS RECUERDOS NUEVOS

2010-12-16T11:52:00.004+01:00

En mi columna de este mes he optado por hablar de una cámara digital que fotografía y graba como una Súper 8 porque hará un mes y medio me topé, de casualidad, con su presentación relacionada con cineastas y otras celebrities en Ars Santa Mónica. Entonces no le di más importancia que la sorpresa que me supuso encontrarme a un público pijo (no pijo moderno, sino pijo a secas) en el sur de Barcelona a cinco minutos de gente que trapichea con sustancias o consigo misma... la sorpresa se conjugó con admiración, pues la asistencia fue notable (y todos sabemos lo que duele ver una inauguración vacía), y el producto se ha vendido increíblemente bien para tratarse de algo que ya existe en su versión analógica.

Luego caí también en la cuenta de que el IPhone tiene una aplicación que hace fotos desvaídas (mi foto de perfil de Facebook, que no tomé yo, tiene sin ir más lejos esa misma textura), y llevo un par de días viendo a diversos contactos de esa misma red social especialmente entregados a esa misma Instagram, que te permite hacer fotos y subirlas con facilidad previa aplicación de filtros, de entre los que por ahora parece triunfar el del envejecimiento.

¿Por qué queremos tener recuerdos antiguos instantáneos, aquí y ahora? Siempre pienso en Rachel de Blade Runner que guardaba esas falsas fotografías de su infancia... ¡pero las guardaba desde hacía muchos años! Ella creía que eran reales. El film de Ridley Scott se quedó cortísimo en las previsiones de manipulación de la imagen...

¿Y qué diría de Roland Barthes si levantara cabeza? En la facultad de Comunicación era lectura obligatoria de primero, y seguro que lo es también en muchas otras escuelas de diseño y bellas artes. ¿Dónde está ahora el punctum, mon ami?

Me resulta un poco difícil opinar en este sentido. Por un lado, no me gusta nada que me saquen fotos porque aparezco fatal en ellas (me pongo nerviosa cada vez, como esos indios de los que se decía que creían que las fotos les robaban el alma) y se me da igualmente mal hacerlas. Tampoco me gusta mucho tenerlas. Apenas tengo fotos de mis allegados en mi casa, en parte porque tengo muy buena memoria y recuerdo muchísimas cosas, imágenes incluidas, sin necesidad de verlas reproducidas.

Por el otro, me encanta la fotografía. Antes de que mostrara interés por el arte en general (es decir, por las artes visuales, por las bellas artes incluso), desde que era muy pequeña me fascina la fotografía artística y recuerdo cuánto me encantaban las exposiciones que le dedicaban en la sala de Caixa de Pensions junto a Rambla Catalunya antes de que fuera Caja Madrid, o en las galerías en general.

Como nunca he sido nada entusiasta del feísmo y de la gente que aparece haciéndose daño o con las consecuencias evidentes de haberse hecho daño hace mucho o poco tiempo, tampoco me sumaría a la liga de Diane Arbus (que no obstante fue una fotógrafa alucinante), y durante un tiempo combiné el interés artístico por la fascinación por la fotografía de moda antes de que se convirtiera en un canto a la anorexia y el horror. Digamos que hoy en día sigo basculando entre la abstracción tipo Moholy-Nagy y lo figurativo que puede ser documental pero no tiene por qué ser realista. Depende cómo y depende cuándo.

Por estos motivos, no me identifico mucho con la necesidad de generar recuerdos inmediatos, pero he de reconocer que es, cuando menos, una curiosa tendencia. Quizás me deje llevar por el tópico y afirme que, ante la aceleración del tiempo, herramientas como las citadas anteriormente sirven para estirar como un chicle un pasado que nos ha sido escamoteado por las dificultades para digerirlo. De todos modos, sigo echando de menos una fotografía más contemplativa, y cómo tengo ese deje "conservador" que me traiciona una y otra vez, espero a ver qué hace Joan Fontcuberta con todo esto.

(Fuente imagen).

PRESENTACIÓ DE LA RECERCA PERSONAL AL SEMINARI DIGIDOC

2010-12-13T11:24:00.001+01:00

Per cap motiu no tinc costum d'escriure les entrades d'aquest blog en català, però per tal que hi hagi diversitat, aquesta és una bona ocasió per fer-ho.

Porto unes setmanes assistint a les trobades del Seminari Digidoc, un grup de recerca del Departament de Comunicació de la Universitat Pompeu Fabra que aplega investigadors procedents del camp de la informació i la documentació amb els qui es centren en la comunicació interactiva. En aquestes trobades quinzenals, els investigadors presenten l'estat de la seva recerca actual als companys i comparteixen impressions. Les presentacions textuals es van penjant ordenadament a la pàgina del grup, i gravant-se en video per generar també un arxiu audiovisual que esperem aviat sigui d'accés universal.

Fa uns dies em van demanar que fes la meva contribució al seminari amb una presentació de la meva recerca personal. Disposava de vint minuts i vaig pensar que el més adient era fer un recorregut cronològic pel que ha estat la meva recerca des de 2001, és a dir, des que vaig escriure Tempus fugit el relat interactiu.

Vaig anar repassant els diversos projectes als quals he estat vinculada (des del congrés Metanarratives? passant pel blog Filiaciones narrativas o el taller Las afinidades electivas al CCCB) i vaig intentar sobre tot reservar uns minuts per plantejar als assistents els meus dubtes actuals de recerca ara que ja he matriculat la tesi doctoral.

Com les diapositives relacionades són esquemàtiques, em sembla adient compartir-ho també en aquest blog per si algú em pot donar un cop de mà en aquest sentit, o com a mínim perquè conegueu millor les meves inquietuds. Els trets anirien per aquí:

- Què passa amb les taxonomies personals i socials? Porto uns mesos repassant l'evolució de la definició de narrativa digital, de la qual fa temps vaig decidir obviar la menció directa del terme "interactiva" (com indica el signe d'interrogació al principi del .ppt qu acompanya aquesta entrada). Quantes categories o gèneres d'obra digital puc considerar narratius? (taxonomia personal) Quans termes o paraules clau emprats per bases de dades d'art o exposicions virtuals es poden relacionar amb la "narrativa"? (taxonomia social).

Per exemple, tinc la hipòtesi que l'aparició de termes de cerca com "cinema" i "video" sovint tendirà a vincular-se a "narrativa", encara que les obres penjades no expliquin històries (no siguin narracions), perquè en el context digital s'ha tendit a simplificar els homenatges al cinema i el video com a "imatge en moviment". Aquest plantejament contradiria la noció tradicional de cinema igual a cinema institucional que explica històries, i realçaria el caràcter "d'avantguarda" de la narrativa digital com a exploració del llenguatge pel llenguatge (en aquest cas, l'estructura seqüencial d'imatges, sons i textes), més enllà de la capacitat per articular relats.

- Què passa amb l'obsolescència de les obres? Trio una obra per analitzar a la tesi que és de fa uns anys i resulta que quan em poso a analitzar-la ha caigut del servidor, l'artista no la vol actualizar, etc. Què faig? Vaig guardant totes les obres que potser em puguin arribar a interessar algun dia per por que després no estiguin a Internet i justifico la seva anàlisi com si em passegés per un cementiri de cotxes?

Gràcies pel vostre interès.

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: TV/ARTS/TV. La Bastilla del siglo xx fue una caja de 625 líneas

2010-12-03T10:30:00.004+01:00

Entre pitos y flautas se me había olvidado enlazar a mi contribución de este mes en la columna New Media Art de The TrendNet: la exposición TV/ARTS/TV que se puede visitar hasta el domingo en Arts Santa Mònica.

Supongo que tiene bastante guasa que referencie, muy brevemente, una de las dos "grandes" (por dimensiones, ni que sea) exposiciones sobre la televisión que se pueden visitar esta temporada en Barcelona en una columna denominada "arte de nuevos medios", pero para escudarme siempre puedo recordar lo siguiente:

-Un medio es nuevo hasta que deja de serlo. El arte en la televisión o videoarte debió de ser, perdonadme la expresión tonta debido al cansancio, un flipazo máximo cuando asomó la cabeza (o el zoom) a finales de los años sesenta. No creo en la etiqueta "nuevos medios", pero si ha de usarse, pensemos en los padres de lo nuevo, putativos o no. Además, en este caso la instalación de Iván Marino + canecapovolto homenajea a "Production reception" (1976), Dan Graham (versión que no me enloquece, pero me resulta cuando menos chocante por el tremendo referente).

- Los medios igual no serán nuevos, pero se están instalando, o volviendo a instalar ahora. ¿Cómo mostramos los vídeos? ¿Lo haremos mejor?

No estoy capacitada para responder a la pregunta de diseño. Un colega mucho más sabio que yo en estos lares criticó el trazado expositivo, y conociéndolo seguro que llevaba razón. Pero ese coche con televisores de Wolf Vostell, que preside cual alunizaje congelado en el tiempo el claustro del centro de arte me tiene totalmente sorbido el seso, y justifica que dedicara 300 palabras a esta exposición.

(Fuente imagen)

ENTREVISTA A TAXONOMEDIA 'ARCHIVAR Y CONSERVAR MEDIOS. ¿QUÉ ES LO QUE ESTÁ EN JUEGO?'

2010-11-17T17:42:00.000+01:00

De entre diversas tareas, en los últimos tiempos he emprendido la de coeditora de NewMediaFix, pulicación digital de largo rodaje (¡cinco años!) que combina RSS de noticias y enlaces de otras publicaciones pasadas (A Mínima) y presentes (Rhizome) con material propio.

Para estrenarme como editora se me ocurrió que ya era hora de entrevistar a las integrantes de Taxonomedia, proyecto centrado en la conservación y archivo de arte de los (nuevos) medios. Consuelo Rozo y Vanina Hofman están al frente del proyecto, y también me interesaba mucho preguntarles sobre otras cosas, como la combinación entre ser de Latinoamérica y trabajar en Barcelona, o sobre la experiencia de colaborar con museos como el Macba.

El resultado de mis preguntas puede leerse en inglés/in English en la página de NewMediaFix, y aquí, íntegramente, en versión española. Espero que resulte de vuestro interés.

Para empezar me gustaría preguntaros sobre la fundación de Taxonomedia. Si la memoria no falla, diría que os conocisteis estudiando en Mecad (una reconocida escuela de estudios de los (nuevos) medios de Barcelona). ¿Cuáles fueron vuestras primeras intenciones y prioridades cuando os planteásteis este proyecto?
El punto de partida para este proyecto fue durante el año 2006 cuando asistimos a un curso sobre conservación organizado desde el Mecad, donde cursábamos el Máster de Comisariado y Prácticas Culturales en arte y nuevos medios. El curso se llamaba Curso de especialización en la conservación del patrimonio artístico y el uso de las nuevas tecnologías. El nombre era tan largo como el interés que desató en nosotras la pregunta sobre si en realidad sería posible en tiempos futuros explorar los trabajos artísticos de la ya bien formada historia del arte de los “nuevos medios”.

Luego de escuchar las distintas problemáticas y casos de estudio expuestos por invitados como Gaby Wijers del Netherlands Media Art Institute, Tina Weidner de la Tate Modern, Johannes Gfeller de Active Archives y Rudolf Frieling en aquel momento del ZKM, entre otros, nos dimos cuenta de la real complejidad de la pregunta. La cual abarcaba otras cuestiones como ¿qué conservar? y ¿cómo hacerlo? y muchas otras cuyas respuestas son más escurridizas. La mayoría de las reflexiones de aquel entonces continúan siendo las temáticas que intentamos desarrollar hoy: ¿conservar lo efímero?, ¿qué significa conservar el media art?, ¿cómo conservar dentro del mercado del software y el mercado del arte?, ¿quién se está haciendo cargo de esta tarea y mediante que estrategias lo hace?

¿Qué aspectos tuvisteis en consideración al intentar que vuestro proyecto lograra un alcance internacional, tanto en relación a vuestros países de origen como a la esfera internacional en general?
Siendo de Colombia y de Argentina y viviendo en Barcelona, el carácter de Taxonomedia ha sido de por sí internacional. Esto nos permite tener acceso a fuentes muy heterogéneas tanto para investigar cómo se afronta esta problemática en museos e instituciones de estos países y en centros especializados de Europa como para generar espacios de intercambio y debates al respecto. Con este objetivo, nuestras actividades han involucrando tanto a conservadores de museos, profesores e investigadores como a archiveros, artistas y personal de mediatecas, estudiantes de artes visuales, museología y público en general.

Como sucede en muchos otros campos, es necesario contar con una infraestructura mínima, tanto física como económica para buscar estrategias sobre cómo conservar el media art y esto difiere en cada país. El dinero destinado a la cultura en algunos países de Europa no tiene nada que ver con el que se destina en países de América Latina, e incluso tampoco se puede hablar de “Europa” como una totalidad homogénea, ni siquiera de la red de museos de un mismo país. En el caso particular de América Latina, nos encontramos con una vasta producción artística, pese a lo cual las posibilidades de exhibición (difusión), apoyo a la producción y más aún de adquisición de obras por parte de museos, archivos o mediatecas es aún un objetivo lejano.

Cuando Taxonomedia comenzó hace cuatro años eran pocos los centros especializados y museos que abordaran este tema de manera específica, aunque la problemática era general (Fondation Langlois en Canadá, Ars Electronica en Austria, Netherlands Media Art Institute en Holanda, entre otros). Incluso hoy no hay sobreabundancia de instituciones que destinen presupuestos a investigar sobre este tema, aunque evidentemente el interés ha crecido en forma exponencial.

Nosotras consideramos de especial importancia que haya discusión dentro de todas las esferas y profesionales involucrados en el arte contemporáneo, así como difundir los contenidos de los proyectos desarrollados y que esa información circule para que pueda ser usada según las posibilidades de cada uno.

¿Cómo empezasteis a abordar a las instituciones, u os abordaron ellas primero? ¿Qué habéis aprendido a raíz de trabajar con ellas? Asumo que trabajáis de manera independiente en tales contextos, ¿qué opináis de los comisarios jefe internos a las instituciones o comisarios de medios, pensáis que vuestro(s) trabajo(s) se asemejan, o no es así?
Hemos sido nosotras quienes nos hemos puesto en contacto con las instituciones que consideramos podrían estar interesadas en explorar esta temática y, de manera paralela, buscamos otros apoyos para poder realizar cada una de las actividades. Esto varía dependiendo del lugar.

En Argentina por ejemplo, hemos trabajado con instituciones artísticas y culturales, en Colombia con la universidad, en Barcelona con un museo y un centro de pensamiento. Como en todos los lugares, las instituciones ponen a disposición la red de recursos de la que disponen, lo cual trae grandes beneficios. En general, los recursos son acotados pero hemos logrado resultados muy satisfactorios y la relación con las instituciones ha sido positiva. También hay que decir que no contamos con ningún tipo de apoyo para el mantenimiento de Taxonomedia.

Nuestro trabajo se relaciona con la difusión, producción de actividades e investigación más que con el trabajo de un curador de exposiciones, aunque evidentemente hay puntos en común. Al inicio de Taxonomedia pensábamos que podría derivar en un trabajo curatorial, pero con el tiempo nos hemos decantado por tener un perfil más de difusión, lo cual está estrechamente ligado a la urgencia de poner el tema en debate. Esto no significa que descartemos proyectos curatoriales futuros.

En la presentación de vuestro trabajo se explicita que os dedicáis a "documentar, archivar y preservar" el arte de los medios. ¿Cuáles fueron y son para vosotras las distinciones principales entre estos conceptos, y cuál de ellos, si lo hay, os preocupa más en este momento?
Pensar la conservación de una producción conlleva necesariamente la necesidad de reflexionar sobre su documentación y archivo. Asimismo, la documentación y archivo nos obligan a pensar en términos de conservación. Podríamos decir que son tres perspectivas sobre la misma problemática, aunque cada una de ellas tiene sus especificidades y en un determinado momento -por diversos motivos y circunstancias- una se podría privilegiar sobre las otras.

Desde Taxonomedia vemos en la documentación una herramienta privilegiada para dar cuenta de una importante producción artística que difícilmente pueda conservarse mediante otro tipo de estrategias. Por un lado, por cuestiones básicamente económicas de las que ya hemos hablando antes. Los proyectos de conservación que proponen soluciones como la emulación y la migración escapan a las posibilidades de la mayoría de los museos y mediatecas, y un esfuerzo de estas instituciones en esa dirección posiblemente no sea sostenible a mediano-largo plazo. Por otro lado, porque hay expresiones dentro del arte basado en tecnologías que “no se dejan conservar” y llegado el caso hay que respetar la intención del artista.

Finalmente, porque la documentación y su consecuente puesta a disposición puede ser una forma de que la obra en tanto concepto perdure y se recree en otras tantas. Proyectos como Variable Media indagan en estos aspectos de conservar la integridad de la obra independientemente de su medio, con una mirada del media art claramente dentro del campo del arte conceptual, en una apuesta que para muchos sería inadmisible. Para nosotras es una perspectiva interesante.

Yo misma soy investigadora y recientemente se me ha presentado el dilema de que es posible que no pueda dedicar parte de mi futura tesis doctoral a analizar la obra The intruder, una web que no está actualizada y no se puede consultar correctamente; esta situación no cambiará a no ser que la artista [Natalie Boockhin] tome cartas en el asunto. ¿Créeis que deberíamos "dejar morir" las cosas que están planteadas para ser efímeras?
Encontrarse con un trabajo creado durante los años noventa y poder explorarlo sin dificultad es fascinante, pero en muchos casos imposible. Uno de nuestros primeros encuentros con esa “realidad” fue a través del proyecto Arqueología Digital, en el cual teníamos piezas desarrolladas en los años noventa, en su mayoría CD-Roms y también disquetes, y cuya intención inicial era encontrar la manera de visualizarla y almacenarla (no todas las piezas eran trabajos artísticos, también revistas online o interactivos sobre exposiciones, por ejemplo). Muchas fueron las causas por las que no logramos nuestra propuesta inicial, y fue entonces cuando nos dedicamos a documentar parte del material y el proyecto se transformó, dejando un poco de desencanto, pero al mismo tiempo una fuerte experiencia en este campo.

Poder acceder a este material como lo fue en su día, representa una inversión de tiempo enorme, un presupuesto determinado -esto en caso de que él o la artista quiera trabajar en ello de nuevo-. En algunos casos puede significar contar con programadores y desarrolladores para generar plataformas que permitan a la pieza funcionar adecuadamente en entornos actuales. Nosotras hemos traducido un caso paradigmático llevado adelante para la exposición Seeing Double (Guggenheim Museum) sobre la obra de Erl King de Roberta Friedman y Grahame Weinbren.

Casos como estos son factibles si hay una institución como un museo, un archivo especializado o un proyecto que pueda solventarlo. También es posible si la artista, en este caso, quisiera retomarlo por su cuenta. Quizás agregaría alguna idea nueva a la pieza que en su momento no incluyó y quizás también la tecnología que tendría que usar altere las particularidades del trabajo. De esta manera podríamos intuir que The intruder sería diferente si fuera manipulada, aunque esto lo dejamos en manos de la artista.

La reinterpretación y la documentación son vías de contacto con muchos de los trabajos realizados anteriormente pero desafortunadamente, la experiencia difícilmente podrá repetirse.

Habladnos de los seminarios que habéis organizado. Recientemente celebrasteis vuestra segundo euncuentro en Buenso Aires. ¿Qué aspectos han destacado en esta ocasión? ¿Qué aspectos creéis que destacarán en el futuro?
Nuestra evaluación de los encuentros de conservación de arte electrónico y digital CONSERVAR, DOCUMENTAR, ARCHIVAR son realmente satisfactorios y creemos que este tipo de eventos siempre funcionan como un termómetro en determinado tiempo/lugar.

Tanto como en el 2008, en esta ocasión encontramos una escisión entre nuestros planteos (y por consiguiente los de los ponentes) y las dificultades que se encuentran día a día los asistentes en sus rutinas laborales en museos, archivos, mediatecas, etc. Sin embargo, en esa diferencia queda claro el trabajo por hacer y la necesidad de seguir generando este tipo de espacios.

Frente a los modelos o estrategias planteadas, surge con fuerza la imperiosa necesidad de más personal, de mayores recursos, y una mínima estabilidad en las políticas institucionales que derive en la posibilidad concreta de enfrentar un proyecto de conservación y archivo. Existen casos, como el de la mediateca de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad de Buenos Aires, cuyos responsables, conscientes de la precariedad de la situación, apuestan por “estar preparados” para cuando -algún día- los recursos lleguen. Desde este lugar han hecho crecer el espacio audiovisual que lideran y han cimentado las bases y los criterios de conservación y archivo para el futuro. Han reflexionado junto con su equipo sobre qué debe guardar una institución de carácter público, y eso, tal vez, sea uno de los problemas más complejos de enfrentar (incluso más que el presupuestario).

En esa línea, cabe destacar que este año el encuentro incluyó adrede conferencias sobre poéticas y políticas tecnológicas y sobre patrimonio digital. Dos miradas -no las únicas- para acercarse y contextualizar el problema de la conservación del media art, sin dejarlo tan solo ni tan lejos de la problemática general del arte contemporáneo y de la de los bienes digitales.

Y por último pero no menos importante, debido a la variedad de contextos que habéis tenido ocasión de tratar ( el contexto local barcelonés, los contextos latinoamericanos y los enfoques internacionales), ¿os importaría compartir vuestras ideas acerca de cómo creéis que van a desarrollarse las artes de los (nuevos) medios?
Proyectar un futuro para el media art es una cuestión difícil por la vertiginosa velocidad con la que pareciera moverse el mundo. El cruce entre el arte y otros campos del conocimiento -como ahora son las ciencias o la educación- da cuenta de la necesidad de volver a un estadio del conocimiento multidimensional, en un mundo especializado que por más de un siglo separó las ciencias de las humanidades como si se tratara de dos universos antagónicos. Posiblemente este acercamiento se acentúe y cobre la profundidad que merece, en una ida y vuelta con los avances tecnológicos.

Lo que si esperamos sin dudas, es un desarrollo de mejores escenarios de difusión y de exposición en nuestros respectivos países y una multiplicidad real de voces en el campo del media art.

(Fuente imagen).

ARTNODES EN LA BASE DE DATOS SCOPUS

2010-11-08T11:13:00.000+01:00

Me llegó a mediados de la semana pasada la excelente noticia de que Artnodes y RUSC, revistas de la Universitat Oberta de Catalunya, han pasado a integrarse en Scopus, la segunda base de datos de revistas científicas por detrás de ISI (Web of Knowledge).

¿Qué significa esto? Que estas publicaciones pasan a ser reconocidas por la comunidad investigadora como "científicas", que publicar en ellas contribuye a la "acreditación académica" de los doctores (imprescindible para acceder a puestos estables de docencia, y basada en gran medida en los puntos que se obtienen de publicar en revistas "científicas"), y que son reconocidas y legitimadas por la comunidad científico-académica general como publicaciones de peso y calidad.

El correo me llega a través del Servei Lingüístic de la universidad, pues colaboro con ellos traduciendo Artnodes desde 2008. Aprovecho la ocasión para comentar públicamente el rigor, la sensibilidad, el cuidado y el buen hacer general del Servei Lingüístic desde que lo conozco (una de mis mejores experiencias de traducción, sin exagerar), y para mencionar un recurso vinculado que probablemente merece más publicidad de la que obtiene y que explica de otra manera la vinculación de colaboradores lingüísticos como yo en un proyecto de publicación de arte, ciencia y tecnología.

Desde 2009 el Centre de Terminologia TERMCAT y la universidad albergan Talaia, un observatorio de terminología de la sociedad del conocimiento basado en el vaciado y filtrado lingüístico y estadístico de la terminología aparecida en los artículos de las revistas de la universidad.

Cada ficha incluye un "indicador de ponderación" que especifica el "estado terminológico" de la denominación catalana utilizada, es decir, la relación entre frecuencia y aceptación de uso (términos usuales e inusuales, términos que están más próximos a ser aceptados por TERMCAT y términos que no).

Actualmente Talaia acoge 168 denominaciones en catalán y sus correspondientes equivalencias en castellano e inglés procedentes de Artnodes, con la previsión de ir en aumento.

El motivo de mi entusiasmo e interés es que al haber traducido Artnodes de manera total o parcial del inglés al castellano durante los últimos dos años me he encontrado en diversas ocasiones en la situación de tener que ofrecer traducciones personales e inéditas de términos empleados en los artículos (por ejemplo, etiquetas para clasificar obras de arte digital, pero también terminología de carácter más filosófico o sociológico que nunca se había verbalizado antes en nuestros idiomas, es decir, en castellano y catalán).

En este sentido, se produce una contribución directa de los colaboradores lingüísticos como yo en Talaia y tenemos ocasión de difundir nuestra tarea en general y nuestras propuestas terminológicas en particular en la medida en que Artnodes se integra en Scopus.

No digo que no sea polémico ni pretendo afirmar que sea justo este sistema jerárquico-oligárquico de legimitación científica centrado en bases de datos, ni la circunstancia de que las revistas científicas (y no otros méritos) se lleven la palma en la acreditación académica, pero, si de momento ha de ser así, me fascina la posibilidad de poder contribuir lingüisticamente a la difusión de proyectos novedosos como Artnodes siempre ha sido.

(Fuente imagen).

ESCENAS URBANAS: EL EXTRAÑO CASO DE LA CONFERENCIA 'META' Y OTRAS HISTORIAS PARA NO DORMIR

2010-10-26T11:33:00.001+02:00

Queridos organizadores de eventos culturales,

Me pongo en contacto con vosotros a través de este mi blog, después de darle muchas vueltas, para comentar algunas inquietudes que me reconcomen últimamente, y que, de una forma u otra, me gustaría ordenar y sacar a la luz para calmar un poco mi desasosiego.

El motivo de mi tensión es que llevo un tiempo notando un incremento notable de rasgos, tanto estructurales como temáticos, en las diversas actividades culturales organizadas en mi ciudad (que no digo en todas ni todo el tiempo, sino en un número significativo de ocasiones) que me producen una mezcla profunda de perplejidad y, por qué no decirlo, angustia.

Algunas no son para nada nuevas. Otras se han incorporado en los últimos tiempos.

Apelo a vuestro deseo de leer los comentarios más o menos salidos de tono de personas como yo, que según parece, no tienen nada mejor que escribir un blog en sus ratos de ocio. Espero que mis palabras, por necias o minoritarias que puedan parecer, pues este tema no lo he comentado con mucha gente como para saber si existe una "minoría destacable" que pueda secundar mis opiniones, puedan hacer cierta mella en vuestros cerebros siempre activos, y. quién sabe, quizás lleguemos a ciertos puntos de entendimiento.

Entre las cosas que no son nuevas, me gustaría comentar que me canso sin cesar de ver a invitados que no son conferenciantes, tanto como me canso de ver a magos del PowerPoint, el Keynote, o lo que quieras traerme. En el primer caso, me refiero a personas muy eruditas que tienen poca o nula consideración hacia la gente que ha ido a escucharlos, y, o bien leen directamente la conferencia del papel, o bien hablan sin llegar a ninguna parte, y sin mostrar imágenes (y en este último caso me refiero obviamente a reuniones sobre artes visuales).

Siempre he propuesto, y reconozco que mi experiencia en organización de conferencias es escasa pero me gustaría pensar que no improductiva, que se hagan dos cosas antes de invitar a alguien: que se compruebe que sabe hablar en público (es decir, que le gusta, con lo que probablemente se le dará medianamente bien) y que se pacten de manera específica los temas de los que hablará el conferenciante.

De este modo se evitan dos cosas: que el público desconecte y que se hable de cualquier cosa (que no es para la que la gente ha asistido). Es verdad que hay gente a la que su reputación la precede (herederos de esos maître à penser que durante mucho tiempo han encandilado a los franceses), pero si no consta de tales garantías, mejor informarse antes. De lo contrario, propongo que se contrate a actores para hacer su trabajo: al menos la comunicación será eficaz.

También digo que me canso de ver a magos de los programas de presentación de diapositivas. Ojo, que yo no estoy en contra de esos programas y los uso cuanto puedo. Creo que pueden ser francamente útiles, pero las personas deben explicarse. Y cuando digo explicarse, de verdad, no tiene que ser en diez diapositivas, ni en diez minutos (¡tampoco en diez horas!). Dedicar al discurso el tiempo que necesita, y sobre todo, articularlo con palabras. ¿A quién no le gusta ver imágenes bonitas? Pero por favor, que no parezca que cambiando algunos significantes y pies de foto también podrías estar vendiéndome una lavadora. Ya me venden suficientes productos cuando salgo de la conferencia de turno.

Respecto a las cuestiones nuevas, tienen mucho que ver con los temas tratados. Sé que vivo en un país y en una ciudad donde los "temas candentes" llegan como diez años más tarde que en Estados Unidos (y por ende, sus excelsas universidades), pero una vez dicho esto, la redundancia de lo que llamo los enfoques "meta" me tiene totalmente exhausta.

Para mí esta circunstancia empezó hará unos cinco años, cuando muchas conferencias empezaron a versar sobre los Creative Commons. Eso, en principio, no tiene absolutamente nada de malo: la legislación está cambiando, hay que informarse, hay que prepararse... por supuesto que sí. Pero durante bastante tiempo, el grueso de las conferencias versó sobre la legislación digital. Hay que estar informado, que sí, pero yo prefiero que me asesore un abogado. Si quisiera estudiar derecho, de verdad que habría optado por esa carrera, nadie me habría frenado. Pero no es el caso.

Luego llegaron los videojuegos, que bueno, eran una realidad cultural y por supuesto económica (no es casual que se pusieran de moda al mismo tiempo que se desarrollaron como sector mucho más boyante que el del cine, lo cual, entiendo, no es decir tanto a fecha 2010). Había que hacerse eco del fenómeno y de su activación cultural: lo entiendo también. Había que hablar de que la violencia no era tal, de que había diseñadoras estupendas y artistas cojonudos. Por supuesto que sí. En este sentido, al menos, era un debate sobre los contenidos creados, y ahí, aunque no me interesaba mucho participar, he de reconocerle el mérito.

Pero últimamente hemos vuelto al "meta" en todo su esplendor. En esta ocasión se trata de la gestión cultural, de las charlas sobre cómo gestionamos la cultura (digital, probablemente).. Y no por que me haya dado por colarme en reuniones sectoriales de gestores culturales acreditados, que entonces, claro, sería lo más comprensible, sino porque muchas, muchísimas presentaciones y conferencias y eventos se han centrado sobre cómo gestionar las cosas, ¡sin hablar de las cosas en sí!

Aclaración: sí se ha hablado de cosas. Se ha hablado de múltiples objetos, sobre todo de cacharros: se ha hablado de iphones, de ipads y de toda suerte de lectores digitales de libros. Que también están la mar de bien, claro que sí, y hay un montón de gente quemando neuronas para que funcionen estupendamente y que nos hagan la vida más sencilla, igual que hay un montón de gente preocupada porque esa transición a la totalidad analógica no deje a nadie desvalido: por que los creadores ingresen su dinerito, por que las empresas se puedan seguir forrando todo lo que puedan, etc, etc (según si adopta un enfoque más PAP "persona a persona" o MACTT "multinacional a consumidor tomado por tonto").

Pero mi pregunta es: ¿qué vas a poner dentro de esos cacharros? Sí, ya lo sé, se mencionan listas de nombres: de autores literarios, de músicos, etc... pero, ¿qué clase de contenidos son?, ¿qué características tienen? Es decir, que parece que no hay manera de que llegue al grano: ¿de qué tratan?, ¿qué ideas proponen? (esos contenidos, no los cacharros que los albergan).

Y por último, pero no menos importante, esta renovada tendencia "meta" viene acompañada de una renovación del formato de presentación que apuesta por dejar la "clase magistral" para organizar talleres, grupos, etc. En principio, pienso que no podría estar me acuerdo. Como cualquiera de mi generación (aunque mucho menos que las anteriores), fui "víctima" de un sistema educativo en el que no se fomentaba participar en clase. Me parece bien que la gente no tenga miedo a participar, que no haya un tipo o una tipa sabelotodo aleccionando al personal, que lo mira asustado y toma notas como un escriba.

Pero, ¿es necesario que esta estructura "informal" venga aparejada de pizarras, rotuladores, pegatinas y semáforos para marcar el tiempo? ¿Qué pasa si jamás de los jamases te gustó "pintar y colorear"? ¿Qué pasa si ya sabes hacer "lluvias de ideas"? (cualquier lista de la compra para invitar a cenar a unos amigos es una lluvia de ideas). Lo de los semáforos para marcar el tiempo, y cambiar de grupo, es una de las cosas más extrañas que he visto en la vida: primero me invitas a relajarme, a olvidar los convencionalismos de las charlas, ¿y luego me pides que salga corriendo a otra charla?

Es verdad que no vivimos en una sociedad acostumbrada a decir lo que piensa en situaciones como ésta. He visto a la gente cohibida muchísimas veces. Yo he estado (y estoy) cohibida otras tantas, pero no sé si la solución pasa por recrear un entorno preescolar. Cuando veo las presentaciones de estos eventos en la web, las introducciones siguen teniendo, a mi entender, un nivel discursivo extremadamente sencillo, y no, una y otra vez, ¡no se habla de los contenidos en sí!

Pido disculpas si en esta declaración de ¿intereses? he caído demasiado en la broma fácil y el exabrupto. Sólo he intentando, a mi manera, comunicar unas ideas que me aguijonean desde hace tiempo. Espero que alguien más esté de acuerdo conmigo, y aquellos que tienen el poder, la capacidad y las ganas de organizar cosas se planteen que quizás hay elementos "tradicionales" que funcionan la mar de bien (siempre que alguien quiera explicarlas y no leerlas), y que, en ocasiones, para bien o para mal, las personas no tienen absolutamente nada que opinar. Quizás, si se hablara de las ideas que hay detrás de las cosas, es decir, de las creaciones, y no tanto de los medios tecnológicos para llegar a ellas, personas tozudas como yo no escribiríamos cartas raras como ésta.

Buenos días,

Raquel

(Fuente imagen)

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: PALABRA DE YOUNG-HAE CHAN HEAVY INDUSTRIES

2010-10-11T12:31:00.001+02:00

Llevo casi una década (qué vértigo da decirlo o incluso escribirlo) interesándome por la creación que pasa directamente por Internet. Algunas (o mejor dicho, muchas) cosas han cambiado: la especificidad del arte digital no es desde luego tema de conversación, el net art se estudia en las tesis doctorales de las universidades como ejemplo de vanguardia artística y la última actualización de estatus o twit de cualquier locuelo (entre los que por supuesto me incluyo) intenta tener (y seguramente tendrá) más relevancia que la última entrada publicada en la institucionalizada plataforma que es Rhizome.

No obstante, si algo no ha cambiado es mi amor incondicional por Young-Hae Chan Industries. Si algo nos enseñaron los teóricos del siglo xx no fue tanto nuevas teorías sino formas de organizar el conocimiento, perspectivas para entenderlo. Una de ellas fue el reconocimiento de la notoriedad de lo afectivo en nuestras decisiones. Por eso no tengo reparos en hablar cariñosamente cuando me refiero al trabajo de la pareja coreano-estadounidense.

Texto en tipografía Monaco, fondo monocolor, sincronización musical a ritmo de jazz o latin jazz, historias estrambóticas o en realidad de las rarezas de lo cotidiano... Young-Hae Chan forman una pareja productiva de constantes que nos han dejado perlas como su reivindicación del cunnilingus.

Me topé el otro día con una promoción de su última obra expuesta en Corea y no pude resistirme a hablar de ellos para la columna de Trendnet. No obstante, alguien más sabio y con más memoria histórica que yo ha señalado que mi antecesora en la columna ya habló de los artistas hace un par de años.

Para mí, bienvenido sea. Últimamente he asistido a un curso de poesía visual y me he dedicado a tomar notas con el propósito de hacer justicia a sus trabajos en mi tesis doctoral. Difícil encajar una obra textual programada en Flash para una tesis que por mi formación y objetivos debería encauzarse básicamente hacia el audiovisual entendido como imagen en movimiento de personas y objetos. Pero tengo la esperanza de que las enseñanzas del arte conceptual que tanto he adorado desde que era chica puedan desparramarse de alguna manera en un trabajo académico. Deseadme suerte.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: THE WILDERNESS DOWNTOWN

2010-09-18T11:03:00.005+02:00

Me ha llamado últimamente la atención el lanzamiento de un proyecto artístico-comercial en el sentido de que, en fin, los proyectos artísticos en general confían ser lucrativos, pero unos lo camuflan más que otros, esconden o muestra su tecnología o priman la comunicación de ideas a los espónsors, etc.

Aquí se han juntado un grupo de éxito (Arcade Fire), un navegador que no es nuevo pero que aún necesita abrirse paso, con el soporte de un también exitoso papá oso (Google Chrome), una tecnología renovada y aupada por años de "picar código" (HTML5) y otra tecnología más que no es para nada nueva pero que hace relativamente poco que "percibimos" que está por doquier, aunque nos comportemos como si lleváramos toda la vida diciendo "geolocalización" como quien dice "cesta de la compra" (Google Maps).

El resultado es una "película interactiva", en la medida en que el realizador Chris Milk ha grabado unas imágenes de un muchacho corriendo que se conectan a imágenes de la ciudad en la que nos encontremos... como si el chico estuviera allí. El efecto es simpático, sobre todo porque se abren ventanas emergentes que lo enfantizan, aunque a menudo poco creíble.

Por ejemplo, en mi caso de Barcelona, mientras el chico parece que corra por un bosque y una carretera de Virginia, la selección de la esquina de Ronda Universidad con Paseo de Gracia (donde está esa parada de autobús nocturno en la que nos hemos bajado decenas de veces, esquivando al mismo tiempo a algún que otro friki o potencial ladrón que venía de la "wilderness" de Plaza Catalunya) resulta chocante... desde luego no es el mismo sitio, la iluminación es distinta, el chico parece encontrarse en un corredor estrecho y no en una esquina de un gris desvaído, etc...

En cualquier caso, el esfuerzo es importante y meritorio. Para leer un poquito más en serio sobre esta propuesta (enlaces informativos incluídos), he escrito la columna correspondiente para TheTrendNet.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: FESTIVALES DE VERANO

2010-08-23T21:08:00.002+02:00

Mientras termino una traducción, pienso un abstract y me preparo para hacer tres días de vacaciones (sí, así son las cosas y así se las contamos), enlazo rápidamente a mi última columna sobre festivales de verano. Uno de ellos se está desarrollando justamente ahora. Para los que tengan vocación académica, recomiendo no preocuparse solamente sobre si se puede asistir o no, sino también si se pueden conseguir las siempre estimulantes actas. El veterano ISEA puede ser un ejemplo en este sentido.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: NOSOTROS ROBOTS

2010-07-22T21:31:00.005+02:00

Tempus fugit más que nunca, aunque aquí en el blog no se note. Aunque por una parte siempre he tenido la sensación de que rebosaba tiempo por todos los costados, de repente, desde unos meses, me da la sensación paradójica y simultánea de que el tiempo se me escapa... pero, ¿ya estamos casi a finales de julio?

Me avergüenza comprobar cuánto tiempo pasa entre entrada y entrada, y que más bien me dedico a publicitar mis colaboraciones en The TrendNet (como, en este caso, un resumen del arte con robots). Pero me voy a perdonar la vida. A fin de cuentas, ahora que he matriculado la tesis, es muy posible que tenga ganas de echar leña a un nuevo fuego o sección titulado precisamente "Leyendo para la tesis", aunque no sé si van a abundar las reflexiones cáusticas habituales ahora que también pierdo un tiempo precioso en las redes sociales a la espera de que se produzca una epifanía: tengo la estúpida convicción de que la interacción computerizada compulsiva acabará revelándome mucho sobre mi personalidad y la de mis congeńeres. Eso, o debería salir más a la calle y buscarme un hobby en ella.

Que de hecho ya lo hago. De un tiempo a esta parte doy asimismo vueltas a la idea de aunar mi conocimiento de Internet como herramienta de trabajo con mi gusto por los placeres de la carne... esto es, todo lo que tiene que ver con gastronomía, sumado quizás a temas de arte... estoy en plena lluvia de ideas, pensando cómo orientarlo de manera práctica y cómo evitar que los placeres hedonistas se conviertan, en jerga actual, en imposiciones postfordistas. Por lo pronto, cerveza fresquita y relajo hasta mañana.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: LARS ARRHENIUS. HUMANOS ANALIZADOS CON LUPA DIGITAL

2010-06-24T17:18:00.001+02:00

Seguir la trayectoria de un artista, sea del género que sea, supone un placer cuando resulta que evoluciona en líneas o claves afines a tus intereses o preocupaciones personales. No estoy diciendo que tenga que seguir la corriente al espectador, pero sí presionar unos resortes que tú estás deseando que presione, incluso cuando afirmas lo contrario (matizo para que nadie me acuse de promover la creación (auto)complaciente).

Uno de estos casos interesantes es el de Lars Arrhenius, tema de mi columna mensual en The Trendnet. Arrhenius utiliza mayoritariamente animación, figuras muy sencillas, a través de las cuales observa y critica los comportamientos humanos. Parece que este artista tiene muy buena acogida en Barcelona, porque ya empecé a ver su trabajo hará unos seis años y sigue apareciendo en contextos de arte contemporáneo (aunque no creo que desentonara en absoluto en un festival). Lo único que lamento es que no cuelgue vídeos de su trabajo en su página oficial (aunque en YouTube se pueden encontrar ejemplos subidos por aficionados). Espero que lo reconsidere.

(Fuente imagen).

LEYENDO PARA LA TESIS: NAUFRAGIO DIGITAL

2010-06-09T10:18:00.004+02:00

Especialmente desde que doy clase, me preocupan mucho los enfoques tecnocráticos. Esa circunstancia sumada al hecho de que estoy repasando todas las lecturas fragmentadas que tengo por casa antes de empezar a ahondar en obras contextuales para preparar la tesis (entiéndase por lecturas fragmentadas artículos, fragmentos, citas o apuntes que he recopilando con el paso del tiempo), me llevó el otro día a leer las páginas 91 a 148 de Internautas y náufragos. La búsqueda del sentido en la cultura digital, por José Antonio Pérez-Tapias.

Las fotocopias pertenecen al curso "Redes: modos de acción y producción en la sociedad global", impartido por Jesús Carrillo en el MACBA en 2003, si no recuerdo mal. Carrillo hizo algo fantástico que fue subir la mayor parte de la bibliografía a Internet (aún se encuentra en la página de Desacuerdos, sección Seminarios>Redes) y aportar en papel lo que no se encontrara en línea.

En este caso, se me había pasado por alto la lectura de Pérez-Tapias y no conozco su trayectoria profesional, aunque por lo que veo en la información de la editorial Trotta suele adoptar un enfoque filosófico. Al principio la lectura me ha parecido bastante alentadora, porque es cansado y cansino leer constantemente las bondades de las herramientas digitales con alguna mención velada a los chavales asiáticos que juegan en condiciones cuestionables para mantener partidas virtuales y a la empanada mental que puede acabar suponiendo convertirse en una criatura multitarea.

Sin embargo, al avanzar en la lectura la actitud crítica se ha convertido a mi entender en un pesimismo poco constructivo, poco posibilista en relación a la voluntad y el deseo de participacion contestatario de la mayoría, y como suele ocurrir en textos de estas características, algo tendencioso, por ejemplo hacia el final, al comienzo del apartado que lleva por título "Ideologias de la tecnocracia. La batalla contra las mitificaciones":

"(...) Si recordamos, una vez más, que donde aumentan las posibilidades, se incrementan los riesgos, hemos de tener en cuenta tal constatación de cuño dialéctico -son las mismas posibilidades de las que llevan consigo los riesgos, como el posible reverso de su realización perversa- también para lo que afecta a las ideologías" (pág. 140).

Quizás sospecho en exceso, pero me da la impresión que esta frase viene a decir algo así como que cuando aumentan las libertades ojito porque algunos se desmandan. De todos modos, no escribo esta entrada para cebarme en mis discrepancias con estas páginas sino precisamente para reseñar otro fragmento que me ha llamado poderosamente la atención en un aspecto positivo. Creo que la conclusión más ponderada de esta lectura es que, como suele pasar con los vaticinios (o prognosis, como gusta llamarlas el autor), se erra donde quizás más se insiste y se acierta donde quizás menos se apuesta. El fragmento dice así:

"(...) Salta a la vista que el enfoque del trabajo que hoy trata de imponerse, proclive a tan exageradas loas al autoempleo que se ciega para lo que éste conlleva en muchos casos de autoexplotación, es el que se concentra con especial énfasis sobre la figura del emprendedor, con la que se pretende incentivar el paso desde la condición de trabajador autónomo a la de empresario, capaz de asumir riesgos, innovar e insertarse con su proyecto en la economía-red. El inconveniente que se olvida cuando se pone el acento sobre todo ello, en interesado olvido que acaba nutriendo una desafortunada mitificación del emprendedor, es que todo ello ha de darse en un contexto de durísima competencia desde el cual es imposible encubrir con el canto a la "cultura emprendedora" -"cultura del dinero" más "cultura de la adicción al trabajo", según constata el mismo [Manuel] Castells- que "el mundo de los negocios está sembrado con los restos de naufragios de sueños imposibles".

Dando por sentado que se necesitan empresarios capaces de insertarse exitosamente en la nueva economía -y no hay que reducir el "emprender" a iniciar actividades empresariales-, lo que se evidencia ante cualquier análisis crítico es que la reorganización del trabajo no puede gravitar sobre una mitificada figura del emprendedor. Ésta resulta del reciclaje de la vieja concepción del self-made man, pasando por alto que por cada uno que sale adelante hay miles que quedan en la cuneta, y con esos mimbres es imposible tejer la soldadura con la que urge afrontar la "divisoria digital" que se ceba sobre el llamado mercado de trabajo, en un proceso en el que el trabajo productivo de los menos se consolida a costa de la devaluada labor meramente reproductiva o de mantenimiento de los más -malamente consolados con esa precaria "laboralización" de su trabajo que, con todo, les pone a salvo de la marginalidad" (págs. 97-98).

Como se puede apreciar el texto está teñido de un pesimismo más cercano a la ingesta próxima de alcohol (al menos por mi parte o por parte de gente con una sensibilidad parecida a la mía) que a la búsqueda de propuestas o soluciones, y no pretendo al citarlo menoscabar en absoluto los esfuerzos de los que se empeñan poniendo toda la carne en el asador en empresas independientes, que para mí tienen múltiples méritos, pero creo que motiva leer explicada en un par de párrafos una inquietud muy actual y persistente.

(Fuente imagen).

NARRATIVA MULTIMEDIA, NARRATIVA INTRANSITIVA: EL TRABAJO DE INVESTIGACIÓN

2010-05-26T18:07:00.003+02:00

Ha llegado la hora de difundir. En septiembre de 2009 presenté el trabajo de investigación "Narrativa multimedia, narrativa intransitiva: investigación interdisciplinar sobre la narrativa digital como narrativa audiovisual no convencional", cuya aprobación me capacita para llevar a cabo una tesis doctoral en sí. Poco después subí a este blog la presentación en .ppt, a la espera de que se obrara un milagro y el servicio de archivos de investigaciones Recercat no tardara demasiado en subir el texto a Internet.

Una de mis máximas preocupaciones es la difusión de mi trabajo del modo que crea más adecuado en cada momento. Recercat parece un proyecto interesante porque no hay que ser alumno de doctorado ni estar matriculado en una universidad para navegar su archivo, que abarca las principales universidades catalanas. Por desgracia, quien quiera que trabaje en Recercat o en la Universidad Pompeu Fabra subiendo archivos no ha subido mi trabajo (ni el de la mayoría de compañeros que lo presentaron al mismo tiempo que yo) y ya han pasado casi nueve meses.

Como en Internet nueve meses no son un embarazo sino una vida entera, me he decidio a subir la la tesina a mi blog a través de la plataforma Slideshare, para que la descargue quien quiera. El trabajo está registrado intelectualmente pero lo subo a este espacio enmarcado en una licencia Creative Commons basada en la consulta libre de recursos pero citando las fuentes. Espero que disfrutéis de este trabajo y ojalá reciba comentarios al respecto ahora que encaro la fase de realización de la tesis.

Tesina narrativa multimedia

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: VISIÓN REMOTA. LOOP BARCELONA (2003-2009)

2010-05-20T20:50:00.007+02:00

Este mes mi colaboración mensual se basa en una breve reseña de Visión remota, una exposición presentada a propósito de Loop, la feria y festival de videoarte que se celebra desde 2003 en Barcelona en un hotel y por diversos museos, galerías y establecimientos de la ciudad, respectivamente.

Esta muestra, comisariada por Paul Young, resume siete ediciones de Loop en 50 vídeos repartidos por diferentes líneas temáticas. Pero hay dos motivos principales por los que he optado por hacer esta reseña (la primera, y hablo de memoria, que dedico a videoarte desde que escribo la columna de New Media Art de esta publicación):

- Me ha gustado mucho la selección de obras. Como no soy comisaria ni periodista, me permito el lujo de explicitar que me han gustado muchas de las obras seleccionadas. Me ha sorprendido gratamente encontrarlas reunidas en una sola muestra, y también la selección de que se hayan recopilado unas cuantas obras interesantes en todos estos años de Loop. Perdón por el escepticismo, pero lo habitual de todas las ferias y festivales de Barcelona (y por extensión, España) es criticarlos y yo misma suelo ser inductora de tales críticas. A pesar de la estrechez de las habitaciones de hotel, a pesar de las condiciones de exhibición cuestionables, a pesar del distanciamiento que múltiples comisarios y coleccionistas han mostrado hacia cualquier cosa que huela a nuevo (léase digital) en mesas redondas de diversas ediciones, resulta que se han aglutinado unas cuantas propuestas interesantes. Pues cuánto me alegro, la verdad.

- Muchas obras poseen un marcado deje cinematográfico en sus diversas formas: uso (y manipulación) de escenas cinematográficas, metraje encontrado, puesta en escena de cine... podría pasarme horas leyendo y escribiendo sobra la separación o no separación de géneros y medios (es decir, cine, vídeo, ¿audiovisual? Por qué sí, por qué no... circuitos de comercialización, etc etc). Me gustaría poder incorporar algunas de estas ideas en mi tesis y en mi docencia de futuro. Ya iremos viendo.

Así que animo a todos los interesados a presentarse en Santa Mónica antes del lunes para presenciar la muestra. Por suerte, hoy en día muchos artistas ponen parte de su obra a disposición de cualquiera con una conexión a Internet en su página personal, YouTube, Vimeo o equivalentes. Recojo algunas de esas opciones en la columna. Pero claro, nunca es lo mismo que la experiencia de la instalación íntegra y óptima en directo.

Nota: ahora me doy cuenta de que no he señalado mis colaboraciones de los dos últimos meses. Como estas dos no caducan, no es tarde para revisar el artículo sobre arte digital y texto "Cuenta cuentos con cacharros" (marzo) y el dedicado a unas gafas que subvierten la publicidad urbana Artvertiser (abril). Gracias.

(Fuente imagen).

PRESENTACIÓN DEL GRUPO DOC COM EN RESEARCH GATE

2010-05-04T16:03:00.007+02:00

Ahora que me he cambiado de casa tengo dos objetivos nuevos: el primero es lograr que de una vez por todas me trasladen las líneas de teléfono e Internet para no tener que someterme una y otra vez a la pesadilla kafkiana consistente en llamar a un teleoperador que no tiene ni la más remota idea de por qué no se ha realizado la gestión; el segundo, pero no menos importante, es iniciar la tesis doctoral que acabo de matricular.

Llevo ocho años trabajando en traducción y docencia, de manera que la investigación ha permanecido como un interés intenso pero limitado en términos económicos y temporales. La situación no ha cambiado, pero ahora que un papel indica que dispongo de cuatro años para redactar la tesis doctoral, quiero esforzarme y sacar adelante el proyecto. Es posible que en este proceso me ayude la creación reciente del grupo Doc Com de doctorandos en comunicación de la Universidad Pompeu Fabra, alojado en la red social para investigadores Research Gate.

Hace unos meses recibí un correo colectivo de compañeros de otros doctorados de comunicación donde se nos instaba a a reunirnos para hablar de nuestras cosas, desde gestiones administrativas hasta proyectos personales. Mi propuesta espontánea en la primera reunión fue crear una red social, y dado que algunos se mostraron recelosos ante el uso de Facebook (lo cual respeto), creé un perfil de usuario en una red académico-científica, a partir del cual he generado un grupo con el que puedo compartir mensajes y contenidos.

Research Gate funciona como cualquier otra red social: la persona interesada genera un perfil a partir de una cuenta de correo y una contraseña y una vez en la red puede o bien buscar a otros investigadores con intereses de investigación comunes o invitarlos a sumarse a la red a través de listas de correo o redes sociales. La red científica permite introducir información muy detallada para identificar los intereses de investigación y crear grupos de modo igualmente fácil. Posee además la particularidad de ofrecer un blog gratuito a cada investigador (lo cual constituye una excelente excusa para redactar de manera asidua en inglés), y en los últimos días ha incorporado un servicio de microblogging propio de 400 caracteres para estar al caso de lo que hacen los demás investigadores (por microblogging entiéndase una especie de Twitter, pero con más caracteres y sólo para cuestiones académicas).

No pretendo decir que Research Gate sea la panacea porque ninguna red social lo es, pero me parece útil para restablecer el contacto con compañeros de doctorado o conocer a compañeros nuevos (a razón de 60 u 80 estudiantes por curso, desde hace al menos 10 años... ¿cuántos puede haber?), para manternos informados y para compartir conocimientos específicos que de otro modo se pierden o quedan guardados en las bandejas de entrada de becarios de los departamentos.

Por este motivo, me alegro de que la Taula de Nova Recerca de la Universidad Pompeu Fabra me haya invitado a presentar esta propuesta mañana miércoles 5 de mayo a las ~~15.00 h~~ 14.00 h en la sala 52.421 del edificio Roc Boronat. Todos los que deseen asistir serán más que bienvenidos (y podrán disfrutar de un surtido de bocadillos con panes curiosos, especialmente si llegan hacia las 13.45-14.00 h).

(Fuente imagen).

LA ERA DE LA INFORMACIÓN Y LA COMUNICACIÓN: INTELIGENCIA COLECTIVA

2010-03-28T19:21:00.002+02:00

Ya he mencionado anteriormente la docencia de esta asignatura y el modelo pedagógico general en el sistema de Campus Virtual de la Universitat Oberta de Catalunya. En esta ocasión me gustaría ahondar en una experiencia que hemos llevado a cabo durante varios semestres y que me ha resultado sumamente estimulante para plantear nuevos modelos de aprendizaje.

El impulso de la denominada web 2.0. es intenso y en 2008 se difundió en la universidad la idea de que las asignaturas desarrollaran herramientas, internas o externas, basadas en este modelo, léase principalmente blogs y wikis (por mi parte estoy deseando hincarle el diente al uso de las redes sociales para la docencia, pero todo se andará). Así que para la asignatura se creó un blog y se planteó qué hacer con él. Como me correspondió en este caso encargarme de los ejercicios de evaluación del curso, se me ocurrió que lo más interesante era pedir a los estudiantes que publicaran comentarios en el blog a noticias de actualidad. La asignatura escogida aporta material académico correspondiente sobre todo al periodo comprendido entre los años noventa y principios del s. xxi, por lo que una parte importante del curso se basa en rastrear la actualidad.

El encargo consistía en buscar noticias de actualidad en relación a un determinado aspecto del temario del curso y comentarlas en relación a ambos. La actividad se realizaba una vez al mes durante el curso y todas las entradas se clasificaban en función de categorías y etiquetas, por lo que toda la información quedaba guardada en relación a la cronología y los temas tratados.

La experiencia resultaba igualmente instructiva para aquellos que no hubieran probado a escribir en un blog y tuvieran que adaptarse a la concreción, extensión y adecuación temática que cada publicación requería.

Este ejercicio se ha llevado a cabo desde el curso 08/09 en una asignatura que tiene al menos 3 aulas (yo me encargo de una de ellas). Esto significa que por el momento ha durado tres semestres con tres aulas que sumaban al menos 140 estudiantes. Esto significa una grandísima cantidad de estudiantes, entradas, categorías y etiquetas, que a veces nos hemos dedicado a ordenar manualmente para poner orden en un más que posible caos.

Hasta aquí la primera parte. Cada semestre, este ejercicio ha variado para evitar entradas repetidas y buscar noticias recientes. Como resultado de esta variedad, la cantidad de etiquetas se ha incrementado (las categorías mínimas fueron decididas de antemano por los docentes para simplificar la clasificación) de manera exponencial.

La segunda parte llega cuando en el semestre pasado se activan dos novedades: por un lado unas guías de estudio para facilitar el aprendizaje y por otro la puesta en marcha de otra asignatura, Estructura de la comunicación, que renueva y replantea ideas de la Era para los nuevos estudiantes de Grado. En ambos casos me ha vuelto a tocar (ya comenté que estas tareas rotan y varían entre los compañeros) encargarme de las guías de aprendizaje y asumir una de las aulas del grado. Las guías de aprendizaje aportan bibliografía complementaria, por lo que se me ocurrió que resultaría muy interesante incorporar enlaces a entradas del blog para que los nuevos estudiantes se nutrieran de lo escrito por compañeros de cursos (y asignaturas) anteriores.

La operación me parece tan sencilla como útil. En ocasiones los materiales de estudio resultan un tanto opacos para los estudiantes y en cambio las entradas del blog están escritas por otros estudiantes. Asimismo, la separación en categorías y entradas permite hacer recomiendas concretas en relación a temas que se están tratando durante el curso (por ejemplo, todas aquellas con las etiquetas "móvil" o "dispositivo móvil" cuando precisamente se está hablando de estos aparatos). Los estudiantes del mismo curso ven qué hicieron anteriormente los compañeros y los de la nueva asignatura, que frecuentemente son también nuevos en el sistema del campus, ven ejemplos reales basados en compañeros que en muchos casos probaban por primera vez la escritura en el blog. Y por último pero no menos importante, los materiales son de un pasado reciente que permite enganchar con lo sucedido en los diferentes medios de comunicación desde 2008.

Hace tiempo que pensaba comentar esta reverberación, que para mí representa un perfecto ejemplo de inteligencia colectiva cuyas ramificaciones permiten trascender el hermetismo de las aulas de cada curso y explayarse ante cualquier lector de la red.

(Fuente imagen).

HISTORIA(S) DEL CINE: PRIMEROS APRENDIZAJES

2010-03-22T22:05:00.000+01:00

Este pasado semestre (septiembre 2009-febrero 2010) he tenido ocasión por primera vez de impartir docencia de Historia del cine en el marco de la licenciatura de Humanidades de la Universitat Oberta de Catalunya. Estudié historia del cine en la facultad, repartida en dos cursos trimestrales que abarcaban desde el nacimiento del cine hasta los films más representativos de la modernidad (años 60) y cierta posmodernidad (años 80 y alguna mención a los 90). También cursé estética en una asignatura aparte y tomé algunos cursos más de análisis de la imagen que me parece que me influyeron mucho más, pues siempre he tenido una actitud cuando menos reservada respecto a la adopción de un estudio histórico de las cosas.

Me explicaré mejor: la historia es ineludible. El estudio histórico es sencillamente el estudio de la causalidad (o el estudio de múltiples causalidades, o en todo caso de múltiples potencialidades de causalidad, para honrar un precioso poema de Wallace Stevens sobre la soledad que me ronda desde hace muchos años y es mi mentor de sinónimos ). Lo que ocurre precisamente es que el enfoque en la causalidad no deja entrever en muchos planes docentes lo sucedido durante la cronología estudiada: acumulación de fechas, de datos, memorización de rasgos estilísticos que se remontan como castigo (no podría pensarlo en otros términos, aunque en teoría no lo fuera) a mis primeros días de escuela.

Me gustaría pensar que en esta primera aproximación como docente he tenido ocasión de hacerlo mejor, complementando las lecturas históricas de peso aportadas previamente por el profesorado con reflexiones basadas en el contenido más específico: tensiones entre arte y espectáculo, dificultad de establecer las fronteras entre géneros, machismo en el cine de gángsters (?!), las vanguardias más allá del mainstream, dudas sobre las perspectivas de futuro... espero que todos estos apuntes temáticos hayan generado la adecuada, o al menos correcta, relación entre forma y fondo.

La reflexión más importante que he extraído del grupo de estudiantes es que el audiovisual no es puro, pero no por ello la cinefilia ha desaparecido. Puede parecer una tontería que esta frase tenga dos partes, pero me consta que en algunos contextos académicos (o más que académicos, institucionales o directamente apoltronados) cinefilia equivale a pureza, a desdén del vídeo, a horror ante Internet... pues no señores... he conocido a unas cuantas (y cada vez son más y más) personas que hacen de todo, y entre otras muchas cosas, van al cine y compran DVDs y conocen YouTube al dedillo.

Supongo que también es de esperar cuando se trata de un estudiante a distancia, pero además poseen interesantes gustos heterogéneos que van más allá de determinadas revistas de culto o determinados festivales que algunos (otros algunos) todavía tratan como sus templos personales. Como me parece que estos últimos son los menos, me alegro mucho de toda esta mezcla, y sobre todo, del vivo interés reflejado por los estudiantes.

La reflexión más importante que he extraído desde el punto de vista de la docencia es que la actualización hoy en día es una exigencia constante que exige un replanteamiento de las fuentes. Es decir, las fuentes históricas, si no son cuestionadas, están estupendamente. Es decir, si no se ha demostrado que algunos datos están equivocados, se pueden seguir utilizando. Existen abanicos de enfoques para múltiples temas de la historia del cine que pueden seguir nutriendo los trabajos académicos.

Pero la cuestión muchas veces es el acceso a esta información: enciclopedias en línea, surtidas páginas de fans y aficionados de todo tipo con bibliografía en grandes cantidades, y ya no hablemos de archivos audiovisuales variopintos que se consiguen de maneras que mejor no le explico a la actual ministra de Cultura española, no sea que se sulfure y tengamos un drama.

¿Qué hacemos con todo eso? Porque es una realidad, y porque más allá del acceso a bibliografía útil en bibliotecas tradicionales, está la digitalización consentida o no, y sobre todo sobre todo los archivos audiovisuales, sometidos al código binario a veces en clara relación de sodomía pero otras también con el entusiasmo del máximo enamorado (e incluso puede que experto) de la(s) pieza(s) o fragmento(s) seleccionado(s).

Asimismo, la exigencia constante se traslada a un debate, propio de final de curso (de este curso en concreto, pero también de próximos cursos en general) sobre cómo entender el resto de manifestaciones audiovisuales dentro de las teorías cinematográficas y la historia del cine, y, más difícil todavía, cómo situar el actual tránsito digital en el que el cine, técnicamente, ya no es cine. Buen material de reflexión personal y conjunto de razones elocuentes para explicar la necesidad y la vigencia de cursos de estas características.

(Fuente imagen).

TRADUCCIÓN DEL NODO "ARTE, CULTURA Y CIENCIAS DE LA COMPLEJIDAD" DE LA REVISTA ARTNODES

2010-03-09T19:33:00.004+01:00

Este año, mi colaboración anual con la revista Artnodes en el campo de la traducción se ha centrado en el texto Life Spacies y Life Spacies II: modelar sistemas complejos para arte interactivo, de Christa Sommerer y Laurent Mignonneau. Los artistas, consagrados desde los años noventa y pioneros en los experimentos sobre vida artificial, presentan dos de sus obras "clásicas" de creación de criaturas en el marco de la teoría de sistemas. El monográfico se completa con artículos de Pau Alsina y Josep Perelló, Manuel DeLanda (a quien tan poco vemos publicar en español, y a quien tanto se echa de menos por su contagiosa verborragia repleta de ideas estimulantes), Nelson Brissac, Raquel Paricio y Juan Manuel Moreno y Matthew Fuller.

Lo más interesante de este monográfico no es solamente ahondar en un conjunto de ideas que, no voy a negarlo, a priori no resultan precisamente sencillas y plantean cierta dificultad para quienes nos aproximamos al núcleo duro de las publicaciones científicas desde un (voluntarioso) enfoque humanístico, sino también que complementa la exposición recientemente clausurada en Ars Santa Monica Culturas del cambio: atómos sociales y vidas electrónicas donde, contra la costumbre (y sería una costumbre que valdría mucho la pena que se extendiera) la mayoría de las obras adoptaban una perspectiva pedagógica apta incluso para enseñar a escolares.

Asimismo, Zehar, la revista de Arteleku, recoge en su último número aportaciones Sobre la complejidad "desde la ciencia, la práctica artística y la reflexión". Participan de nuevo Pau Alsina, Jorge Wagensberg (a quien leo a trasmano en Yo, lo superfluo y el error mientras espero la paella de los sábados en el hogar familiar), Diego Rasskin-Gutman, David Jou y Abelardo Gil-Fournier (quien me pregunto si tiene parentesco con los famosos fabricantes de barajas).

Disculpas por no pararme a valorar y comentar los artículos. Espero disponer de tiempo más adelante, pero me ha parecido que valía la pena comentar ahora esta simultaneidad de publicaciones que creo que agradaría mucho a C.P. Snow.(y que no les valdría mal repasar a los guionistas de Perdidos, a ver si consiguen desfazer unos cuantos entuertos para no dejar a todos sus fanáticos en estado de shock). Hoy estoy en modo frívolo.

(Fuente imagen).

¿PERO QUÉ DICES?

2010-02-26T00:48:00.008+01:00

Repasando mi blog de los últimos tiempos, me percato de que me he excusado repetidas veces por no publicar más. Las cosas van como van, y aunque la inspiración me pudiera pillar trabajando, como decía un importante escritor y un profesor de secundaria de cuyos nombres no quiero acordarme, muchas veces se traduce en olvido y en seguir trabajando. No obstante, no puedo dejar pasar otro día sin mencionar un tema general que me inquieta y del que me gustaría comentar algo.

Esta semana he asistido a un diálogo público entre editores en el que he oído (y presenciado) alucinantes comentarios sobre la falta de fiabilidad de Internet, la bajeza de cualquiera que se descargue cualquier tipo de material y el desdén en general hacia los contenidos accesibles desde el ordenador, enmarcados dentro de un discurso paranoide que se anunciaba con la premisa "Los editores deben decidir lo que leen los lectores, ¿pero entonces con Internet...?".

Los ponentes no eran mucho mayores que yo (diez años, a lo sumo), aunque supongo que debería haber interpretado lo que ya evidenciaban sus pulcros cortes de pelo, chalecos de punto y camisas que también sirven para jugar al golf. "La cultura en el ordenador no es cultura", parecían afirmar. Por otra parte, llevo casi dos años ejerciendo la docencia virtual en una institución centrada en la tecnología que tiene a Manuel Castells como uno de sus investigadores bandera. "La cultura," parecen decir, "será digital o no será" ¿Cómo poder ser todos amigos, por el bien común?

Pues no sé cómo. Por un lado tenemos a personas relativamente jóvenes, o no tanto (véase las posturas contradictorias respecto a cualquier tema digital del diario El País), que se jactan públicamente de no entrar en la sociedad de la información y del conocimiento. Por otro lado, tenemos a instituciones punteras (nacionales, como aquella en la que yo colaboro, o internacionales, como aquellos nombres mágicos que normalmente proceden de Estados Unidos) que tienden a a adoptar una visión tecnófila en relación a las posibilidades de desarrrollo. ¿Con qué nos quedamos? Ni tanto ni tan calvo.

En primer lugar, me resulta vergonzante que cualquiera que viva en el siglo xxi y se erija en paladín de la cultura se vanaglorie de ignorar y menospreciar la relación entre cultura y tecnología. Supongo que no les pillará el toro porque su fortuna familiar hará que personas entrenadas para tal fin les ahorren (como siempre han hecho) el trasiego de vivir en el presente. Por otro lado, como docente e investigadora, me preocupa que adoptemos una visión tecnocéntrica que ignore o infravalore otras realidades. Por ejemplo: ¿acaso sociedades como la hongkonesa representan la ansiada democracia tecnológica a la que deberíamos aferrarnos?

En cualquier caso, no se trata de ignorar o rechazar, sino de mantener el espíritu crítico, la luz roja (o ámbar) encendida en todo momento. Quizás no a través de las publicaciones de crítica de arte, y, ni siquiera, a través del contexto institucional, pero sí a través de ejercicios cotidianos que todos (medianamente informados que estemos) podemos intentar abarcar, partiendo del pensamiento: "Esto que me dicen... no sé yo... ¿qué debo pensar al respecto?". No desde un debo externo (equivalente al must inglés), sino desde un debo personal y ético que abarque cierta coherencia entre nuestra inteligencia y el mundo que se nos presenta... Should I stay, or should I go?

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: EL DINERO (TAMBIÉN) ESTÁ PARA CRITICARLO

2010-02-07T17:19:00.004+01:00

Un nuevo mensaje a propósito de mi última colaboración con TheTrendNet: una reseña sobre los proyectos de arte, tecnología y finanzas de Derivart, no sólo por ensalzar para variar el "arte patrio" (léase: el arte producido por personas que tienen DNI, y que además reflejan en sus obras problemas y situaciones propias de nuestro país... aunque no sea el único), sino también para hablar un poco más de un colectivo que siempre me ha interesado por la sencillez de sus propuestas: de hecho, ya comenté el Burbujómetro en este mismo blog hace un par de años.

Y hablando de dinero... siento la necesidad de aclarar una frase dentro de mi artículo:

Un par de años y una crisis global más tarde, este pasado 2009 han vuelto a la carga ampliando su espectro de interés: Gamebroker, serie de minijuegos para Nintendo Gameboy sobre las principales crisis de las últimas tres décadas; Inspector o Manager, herramientas de software que cuestionan el papel de SGAE tanto poniéndose en su propia piel, como en la del pobre iluso que cree que puede poner cualquier canción sin que nuestro peculiar recaudador de los bosques de Sherwood se dé por enterado y reclame su parte.

Me resisto a opinar sobre derechos de autor y ganancias en este blog y no me gustaría que se malinterpretara mi comentario sobre el recaudador de los bosques de Sherwood equiparando a cualquier persona que se oponga al copyright con un Robin Hood ataviado con gafas de pasta. Tengo sentimientos muy divididos respecto a este tema, escaso conocimiento legal y poca predisposición a adquirirlo por muy cuenta (reconocer la dejadez puede que no quede muy noble, pero al menos es la verdad). Lo que sí puedo decir es que entiendo que no todas las entidades de gestión de derechos son iguales, que probablemente (o seguramente) ninguna de ellas es justa (¿en relación a qué?) y que diversas personas y organizaciones tienen su parte de razón en estos asuntos, pero una cosa me queda cada vez más clara: la explotación de recursos creativos a través de ese bosque jurídico que es Internet es un hecho ineludible y nos tenemos que poner las pilas.

Vivir de aquello que crees que es lo que mejor se te da es un sueño comprensible y es probable que en la mayoría de los casos siempre sea un sueño, que antecede al caudal de reproducción de información parcialmente incontrolable que se acumula en línea. Por otra parte, siempre hay que estar atentos a que la noción de libertad no sea sodomizada una vez más en pos de una liberalización del trabajo cada vez más insidiosa (un "sálvese quien pueda" a la manera de los pioneros americanos que implique la enésima estocada al precario estado de bienestar europeo que tanto sudor ha costado conseguir).

En cualquier caso, espero que Internet siga siendo un espacio de reflexión donde se hablen estas cosas y donde se busquen soluciones y no recetas mágicas que nieguen la pervivencia de un capitalismo que, nos guste o no, se resiste a morir.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: PEQUEÑAS PUERTAS QUE SE ABREN Y PEQUEÑAS PUERTAS QUE SE CIERRAN

2010-01-14T16:43:00.003+01:00

Como parece que ya estamos, o pronto estaremos, en una nueva década, debe de haber transcurrido el tiempo suficiente para sentir que los años noventa quedan lo bastante lejanos, y por ello, pueden ser motivo de reminiscencia. De ahí que emplee el título del que seguramente fue uno de los álbumes más conocidos del conjunto Manta Ray para referirme a una manera de describir las instalaciones como "lucecitas que se apagan y se encienden". En el mundo del arte contemporáneo, siempre es un poco Navidad y siempre es un poco el día de la matanza del cerdo al mismo tiempo.

No puedo decir mucho más sobre las instalaciones y acciones basadas en LEDs de lo que comento en el artículo mensual porque, específicamente, el tema no da más de sí. Otro tema sería hablar del uso de la luz como centro neurálgico de una instalación, y de sus múltiples interpretaciones. Ahí siempre me viene a la mente una instalación de Ann Veronica Janssens que vi en la galería Toni Tàpies, adonde no suelo ir prácticamente nunca, que me gustó tanto que memoricé el nombre de la artista sólo por ese motivo. Luz puede ser infinitud de cosas, y antes de desempolvar el Diccionario de símbolos de Juan Eduardo Cirlot para ese menester, prefiero dedicarme a otra infinitud de temas pendientes.

Uno de ellos claro está es por qué no publico más. Es obvio que me cuesta, y también que después de un comienzo de 2009 en el que no tenía ningunas ganas de entrar en las redes sociales he vuelto a tomarle el gusto cuando leo enlaces de cosas que me interesan y tengo opciones de participar. Me gusta muchísimo el blog, pero supongo que el diálogo resulta entretenido cuando pasas mucho tiempo trabajando en solitario. Pienso que sería interesar fomentar esos debates en redes sociales para luego trasladarlos, con permiso de los participantes, a espacios como éste donde cualquiera pueda leerlos sin ser miembro de ningún libro con ninguna cara. Pero eso, como todo lo demás, ya se verá.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: PUNTO, COMA, RAYA... Y LO QUE SE TERCIE

2009-12-17T19:28:00.006+01:00

En esta ocasión hablo de representaciones que tienden a la abstracción y que recuerdan al diseño gráfico anteriormente presente en camisetas y papeles y que ahora se desparrama dándole al ratón (o a otras herramientas, que oye, nunca se citan). Me permito también recordar la página de bienvenida en Flash que solía haber en Rhizome o del posible origen de muchas de estas obras, que probablemente se sitúe en JODI (y Vuk Cosic, que no lo he podido citar porque me pasaba de la extensión, pero que siempre estará allí para recordarnos que cuando eres ocurrente puedes tener éxito y convertir tu gracia en un montón de igualmente ocurrentes camisetas).

No hay mucha nostalgia por mi parte, entre otros motivos porque en aquella época yo ni siquiera estaba allí (es decir: yo ya existía a finales de los noventa, pero desconocía completamente la existencia de cualquier forma de arte digital, por lo que posee un valor sentimental para mí en el momento en que para muchos lo tuvo). Otra cuestión es que siempre me ha interesado el arte abstracto y me gusta encontrarme con diversos continuos y derivaciones. Tengo previsto, si todo va bien y consigo atar cortas mis ideas, estudiar algo de Art & Language para mi tesis doctoral. Y presiento que, una vez allí, acabaré llegando a artistas JODI. O me encerraré en un cuarto a leer Wittgenstein hasta que pueda describir "juegos de lenguaje" sin pestañear, pero eso ya lo veremos. De momento, luz y color para todos con el ánimo prenavideño.

(Fuentes imagenes).

LA DESAPARICIÓN

2009-12-09T20:09:00.004+01:00

No he dicho nada en las redes sociales, pero por supuesto me he dado perfecta cuenta de que otra vez, de un tiempo a esta parte, apenas actualizo el blog si no es para enlazar para textos de mi trabajo más bien académico que he preparado previamente y son extrapolables a otros contextos.

Por fin me he desperezado un poco y me gustaría apuntar los motivos de haber vertido tan pocas opiniones rápidas en los últimos tiempos: el primero, obviamente el volumen de trabajo en diversas aulas de la UOC, donde imparto docencia a distancia, lo que me obliga a apartar los ojos de la pantalla del ordenador a partir de cierta hora, o a concentarlos básicamente en leer correos y corregir ejercicios escritos con procesador de texto y adjuntados en esos mismos correos (sí, eso también es dar clases) y el segundo y más difícil de resumir en menos líneas, la sensación de que en los contextos de creación digital, el arte está desapareciendo.

Aclaremos este punto: arte hay. Supongo. Arte hay por aquí y por allá, incluso (o sobre todo) en las galerías, aunque unos cuantos se hayan pasado la última década arrugando la nariz ante esta circunstancia. Lo que sucede quizás., desde mi punto de vista, es que el arte vinculado a la tecnología no es un tema de conversación de interés. No está en la agenda, como diría algún anglófilo. Desde hace diría que unos cuatro años, el contexto cultural barcelonés aparca cada vez más los discursos o conversaciones sobre la creación en sí misma para concentarse en el contexto legal (Creative Commons), en las estrategias de difusión (redes sociales) o en los fenómenos productivos (la innovación, actualmente). Claro que estos temas son importantes: cómo no, sencillamente son ineludibles. Pero para que estos temas tengan sentido, alguien, ni que sean cuatro colgados, deberían hablar de las obras, proyectos o como quieras llamarlos.

Ya es bastante malo, supongo, hablar de "arte y tecnología" y entonces analizar un conjunto de obras o proyectos por la herramienta con la que están hechas, pero todos lo hacemos y como todas son nuevas y son cachivaches muy bonitos no pasa nada. Pero si además la conversación sobre las creaciones en sí se esfuma y se ve sustituida no por un atónito conejo blanco salido de una chistera brillante pero sí por un montón de conejos blancos estresados que se aferran a extraños sinónimos derivados del término emprendedor mientras temen (como todos tememos) no llegar a tiempo a estrechar la mano del abogado, economista o Estado que les va a salvar de su pauperidad, entonces tengo que decir que echo en falta algo.

Quizás no sea solamente ineludible, sino también inevitable. Hay etapas en las que sólo se habla de los contenidos y otras en las que sólo se habla de las formas. Entre medio, seguro que algunas mentes mucho más preparadas que la mía encontrarán, ni que sean, motivaciones económicas, que ya es mucho. Lo que pasa es que, desprovistos de la vanguardia que supusieron las primeras manifestaciones reconocidos de los noventa, cansados de la espectacularidad japonesa y austríaca que está muy bien pero que básicamente entienden sus compatriotas y bolsillos y carentes de proyección lingüística y financiera en nuestro nicho local, ¿qué podemos hacer, aparte de cultivar el coco y filosofar? Por todo lo anterior, que no sé si se entiende mucho pero que debe disculparse por el número de horas que tiendo a pasar tecleando, es posible que mis opiniones escritas a vuela pluma sigan desaparecidas durante una buena temporada.

(Fuente imagen).

IV CONGRESO DE LA CIBERSOCIEDAD: CRISIS ANALÓGICA, FUTURO DIGITAL

2009-11-11T19:01:00.006+01:00

Aporto mi granito de arena al grupo Media Art/Arte digital de este congreso bienal. Buena lectura.

EN TUS REDES: CRÍTICA DE ARTE EN LA WEB SOCIAL

2009-11-04T18:03:00.005+01:00

Tengo que decir que me da la impresión de que puedes aprender tanto de lo que escribes como de lo que no. Y no me refiero a aprender literalmente, a sumar conocimiento, si no a concluir qué oportunidades de desarrollo tienes para determinados proyectos y cuán capaz eres de aprovecharlas.

Hace algo más de un año la revista Estudios Visuales lanzó una convocatoria de artículos para su número "Puntos de suspensión". Pese a lo críptico de la presentación y a no encontrarme (al menos todavía) en el terreno de investigación de la revista, me decidí a presentar algo y lo que surgió fue una raqueliana mezcolanza de análisis de los problemas de la crítica de arte actual, comparación con tres películas relevantes y opciones de futuro a través de las herramientas web 2.0.

Pero erré el tiro. El enfoque de "puntos de suspensión" abogaba por abrir un paréntesis reflexivo, pero digamos que, si ellos querían yoga y taichi, yo a duras puedo mantener una pierna en alto sin que me tiemble, así que acato su decisión (aunque siga sin entender, tonta de mí, cuál era el prisma buscado del monográfico en cuestión).

Agotada esa opción, compartí el deseo de buscar nuevo hogar al artículo entre algunos colegas, hojeé algunas publicaciones, pero básicamente, como me ocurre otras tantas veces, vi que me encontraba a horcajadas de varios mundos: la gente más tecnológica se habría quedado estupefacta, y la estupefacción habría sido la misma para quienes manejan el discurso pero no saben como se llaman las herramientas. O eso creo.

En cualquier caso, yo tenía otras cosas que hacer, así que he trabajado y estudiado este último año sin pensar en este texto. No obstante, hace unos días recordé la lástima que me daba no haber hecho nada con él. Claro que me gustaría que todo mi trabajo fuera publicado, validado y legimitado (¡incluso pagado, en mis sueños más ingenuos!), Así que he decidido publicarlo en este mi blog. El artículo-que-nunca-fue-tal sobre los problemas de la crítica de arte actual mezclada con las recomendaciones de futuro sobre la web 2.0 está en línea. Me encantará leer los comentarios, ojalá los haya, al respecto.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: ARTE POR TIERRA, MAR Y AIRE... MIENTRAS SEA POSIBLE

2009-10-25T10:53:00.001+01:00

No quiero que termine el mes sin señalar mi última columna de TheTrendNet: en esta ocasión, a propósito de mi visita reciente a París y al festival @artoutsiders, menciono algunos proyectos europeos que aúnan tecnología digital, ecología, o cuando menos, análisis de fenómenos climáticos.

Sobre este particular no tengo mucho que decir. He seleccionado unos pocos proyectos consultables en línea que me han parecido interesantes, apartándome un poco de la dinámica procedente del arte contemporáneo y que podría resumirse a modo de eslogan afirmando "díselo con un póster".

Con esta afirmación me refiero a todos esos artistas/activistas que sustituyen la creación más o menos terminada o en proceso de desarrollo por un póster donde resumen una situación concreta: cuánto hambre se pasa en el sudeste asiático, donde están localizadas las principales fábricas de explotación de niños cosedores de zapatillas o qué países generan el mayor tráfico de órganos ilegales (baso estos ejemplos improvisados en lo que he ido viendo a lo largo de los años).

A mi entender, estos pósters no tienen absolutamente nada de malo en términos de divulgación, por lo que bienvenidos sean cuando se trate también de denunciar emisiones de carbono o exterminio de linces. Pero la pregunta, cual águila imperial, sigue en el aire:, ¿esta información constituye un proyecto artístico?

Una impresión semejante me llevé con la reciente inauguración de la exposición Modernologies en el MACBA. Me gusta que me cuentes esto, pero, ¿necesita de este contexto para que le preste atención?, ¿le prestaré la atención adecuada en este contexto? Y lo más importante: ¿y luego qué?, ¿qué ocurre después del póster?

Muchas preguntas que me quedan sin resolver tras observar diagramas, cuadros sinópticos y flechas.

(Fuente imagen).

NARRATIVA MULTIMEDIA, NARRATIVA INTRANSITIVA: LA PRESENTACIÓN

2009-10-13T17:03:00.006+02:00

A la espera de que me den las indicaciones para pagar el título de DEA (tesina), la matrícula de la tesis, y de que me confirmen que mi trabajo actual va a ir a parar a un archivo digital, de momento quiero compartir la presentación que me sirvió para defender la investigación Narrativa multimedia, narrativa intransitiva: investigación interdisciplinar sobre la narrativa audiovisual no convencional.

Unos pocos apuntes al respecto:

- Esta versión incorpora más texto para ayudar a entender las ideas principales de la presentación. Dado que no está pensada para ser presentada una diapositiva tras otra, sino descargada, me he permitido la licencia de incorporar más ideas explicadas para que se comprendan los principales planteamientos.

- Las imágenes que acompañan al texto se utilizan a modo de cita y por supuesto no me pertenecen.

- Esta misma presentación fue adaptada al inglés para la infausta escuela de doctorado a la que asistí hace un mes. Si alguien está interesado en esa versión, se la puedo hacer llegar, aunque creo que mientras no desarrolle una plataforma de investigación en ese otro idioma, no tiene demasiado sentido.

- El objetivo es convertir esta presentación en un planteamiento de tesis doctoral, que se concreta con el esquema de la última parte de de la presentación ÍNDICE DE INVESTIGACIÓN.

- Y por supuesto, este interés no menoscaba el que pueda tener por muchos otros, a saber, la crítica de arte en el contexto digital, el apogeo o decadencia de los distintos formatos de ficción televisiva o la relación entre ética y estética según los vaivenes interpretativos de la ideología. Algunos no todos los menciono en este blog porque no vienen (mucho) al caso, pero me gusta pensar que todos ellos conforman una constelación de intereses que contribuirán a que la futura tesis vea la luz. Las opiniones o ideas de cualquier tipo en relación a esta presentación serán muy bienvenidas.

COSAS QUE HACER EN BRETAÑA CUANDO NO TIENES INTERNET

2009-09-30T14:43:00.000+02:00

A continuación, quiero desgranar mi experiencia en la primera escuela de verano de doctorado a la que he asistido. Y para ello, me gustaría empezar con dos aclaraciones:

- Para alguien que trabaja por cuenta propia y que se encuentra delante del ordenador muchas, o incluso demasiadas horas al día, tener la oportunidad de pasar cinco días en Bretaña con el alojamiento y las comidas pagadas supone una ayuda fantástica. Nunca había comido tantos mejillones en mi vida, y nunca habría podido subir a Bretaña y luego a París de no ser por la gratuidad de ciertas actividades.

- Por otra parte, nunca más volveré a meterme con toda esa gente que se pasa las conferencias con el portátil abierto. Nunca volveré a pensar que son unos maleducados. Tras mi semana en Bretaña he comenzado a reconocer que... ¡igual lo necesitan! Ahora explico el por qué.

Llegué a la estación de tren de Lannion, Bretaña, Francia, con muchas ganas de conocer a mis compañeros, compartir experiencias y pasar cinco días envuelta en romántica bruma practicando un idioma que hace siete u ocho años que no practico. Pero también, llegué a la estación de tren de Lannion, Bretaña, Francia, sabiendo que por las fechas en las que me marchaba tenía que llevarme el portátil y contestar, supervisar y proveer de archivos adjuntos diversos correos ineludibles.

Soy la primera que gustosamente, cuando cierro el ordenador y la puerta de casa, estoy encantada de olvidarme de la posición sedentaria que adopto la mayor parte del día y del año. Me gusta la calle y me gustan más cosas aparte de mirar la pantalla. Pero cuando hay que hacerlo, hay que hacerlo. A veces, alguna gente no entiende que porque no te suene el teléfono y no tengas una reunión no significa que lo esté pasando en silencio delante de tus ojos no sea importante y no deba resolverse o aclararse.

Por eso, y porque iba a presentar mi trabajo en un lugar denominado Cité des Télécoms, sede de una gigantesca antena artífice de la primera conexión televisiva en directo entre Europa y EEUU, me llevé tan contenta mi portátil como quien lleva una cesta llena de grasas saturadas a casa de su abuelita. Pero cual no sería mi sorpresa (y aquí empieza mi particular relato de terror), cuando mis intentos de solicitar a los organizadores de la escuela de verano y a los responsables de Cité des Télécoms de obtener una conexión a Internet para trabajar mientras pasaba el día encerrada en sus instalaciones fueron recibidos con perplejidad, incomprensión, y, en resumen, como si estuviera loca.

Es más, cuando otros compañeros protestaron tímidamente el primer día, los organizadores los acallaron como si un niño pidiera un caramelo un rato antes de la cena. Me asusté. Y no fue una reacción exagerada. No sólo porque tuviera que encargarme de temas importantes, sino porque 1) les parecía anormal que pidiéramos Internet 2) nos trataban como niños pequeños que piden juguetes el 7 de enero (y ya me callo con los símiles tontorrones).

Lo que también me sorprendió fue ni los organizadores, sendos profesores titulares de universidad, ni mis compañeros, doctorandos vinculados a las universidades en las que tienen inscrita la tesis (circunstancia que profesionalmente no comparto), no tuvieran especial prisa por consultar su correo en pleno principio de curso de cualquier país del hemisferio occidental: ¿acaso no tenían que supervisar el ingreso de los alumnos?, ¿la distribución de los materiales?, ¿su propia docencia? Tras llegar a la conclusión de que no debían de trabajar mucho, me hablaron de un hotel alternativo donde poder conectarse a escondidas... de modo que mi necesidad de conexión profesional adquiría todos los visos de la adicción y el vicio. Inútil, como dirían en francés, intentar explicar a gente que no echa de menos el correo que imparto clase en línea.

Y aquí salto a otro tema. Yo pensaba que a estas alturas yo lo teníamos claro: el siglo xx ha quedado atrás. Hay mucho que decir sobre la historia de los medios de comunicación de masas, mucha tela que cortar sobre todo en relación a los vínculos entre las tecnologías primitivas y lo que hay ahora (siempre recuerdo gratamente una charla que dio Honor Harger en el festival NOW donde empezaba hablando del telégrafo y la radio para acabar describiendo las actuales conexiones inalámbricas), pero lo que no puedes hacer es volver a hablar de las imágenes electrónicas como si no tuvieras una señora Wikipedia y un señor Google Scholar para buscar toda la información memorística que quieras.

Pero eso fue lo que sucedió: los jactanciosos organizadores se pasaron un par de horas de la presentación inaugural hablando con eco (la cúpula de la Cité des Télécoms retumba que da gusto) sobre la Historia de la televisión europea, y entonces, ya entonces, cargadita como estaba con el tema de Internet, me percaté de que había cometido un craso error.

Me había dejado engañar por el título del congreso, Historia de las imágenes electrónicas, pensando que por imágenes electrónicas se entendería o bien el análisis del pasado más reciente o bien el análisis del pasado en relación al presente. No me esperaba gente hablando de los méritos primigenios de la televisión europea, ni de las pantallas de LCD exclusivamente de los años cincuenta a setenta, ni del Minitel (¡por el amor de Dios!).

Bueno, en realidad recibí el programa íntegro unos días antes, pero lo que no esperaba era verme obligada a asistir a todas y cada una de las sesiones de los compañeros, so pena de ser condenada al ostracisimo y reñida como una niña, pese a que con toda la buena voluntad del mundo sólo estaba en condiciones de aportar ideas a tres o cuatro comunicaciones. Tampoco me esperaba que el programa de actividades me tendría encadenada a mi grupo de ocho de la mañana a diez y media de la noche, sin posibilidad de escapatoria debido a la dependencia del autobús que nos traía y llevaba de la dichosa Cité des Télécoms al restaurante, o a la visita comentada de turno. Ni mi abuela viaja con horarios tan organizados. ¿Qué hice yo para merecer esto?

Al tercer día se hizo la luz, es decir, Cité des Télécoms configuró una segunda red inalámbrica para nosotros los cachorros. Me alegré, aunque no siempre resulta fácil contestar correos serios y sobre los hay que pensar mientras tienes al lado un montón de personas presentando durante veinte escasos minutos. La velocidad era la regla, y unos cuantos aún pretendían leer de cabo a rabo sus comunicaciones mientras pasaban un Power Point. Tarea de súperhéroes, o de súper...

Aletargada por el runrún incesante de "comunicantes" y noqueada por el hecho de que algunos de los chicos hubieran decidido presentar en traje (?!), pudo dar la sensación de que no me enteraba de nada, lo cual, por desgracia, no es cierto. Con una compañero percibimos un par de fenómenos: el primero es que cada sesión de más de tres horas con una pausa total de 10 minutos (ideal para cuando estás menstruando, por ejemplo), organizada a partir de un ponente y tres o cuatro comunicaciones, no implicaba ningún tipo de diálogo entre el ponente y los doctorandos, sino que el personaje en cuestión hacía poco más que quedarse sentado pensando en las musarañas mientras desfilaban las comunicaciones.

En mi sesión, habría resultado útil que el señor Patrice Flichy se hubiera ajustado al título de su charla Narrative structures and aesthetics of electronic communication en vez de hablar de ideología buena, mala, enmascarada o no sé qué más (con un título absolutamente distinto del que se anunciaba) en relación a cuatro "comunicantes"que hablábamos de narrativa digital, creación y difusión de información en el móvil y la brecha digital en Turquía. Con la eminencia creo que nadie intercambió ni siquiera un hola y un adiós, y desapareció el mismo jueves que "presidió" nuestra mesa.

El segundo fenómeno que observamos con mi compañera es que resultaba altamente sospechoso que la pausa de escasos diez minutos quedara siempre después del ponente y la primera comunicación. Ambos gozaban de un turno de preguntas e intervenciones ilimitado, de modo que, entre pitos y flautas, todos los que quedábamos después de la pausa teníamos que ajustarnos sí o sí a los veinte minutos y como mucho podíamos escuchar un par de réplicas de nuestros compañeros, porque el reloj corría incesantemente para subirse otra vez al autobús y comer a la hora estipulada.

Respecto al intercambio de ideas con los compañeros, como era de esperar las más interesantes se produjeron durante las comidas y a partir de las diez treinta cuando por fin nos librábamos de las actividades del congreso, porque lo que es durante las sesiones, nadie, ni los que presentaban ni los que escuchaban, se ajustó a la fórmula de plantear dudas o preguntas de investigación y ofrecer alternativas posibles. Los lobos con piel de cordero eran en esta ocasión muchachos y muchachas insultantemente jóvenes que básicamente se dedicaban a opinar de manera indiscriminada respecto a la idoneidad de las investigaciones de sus colegas y a aleccionarles sobre los futuros caminos a seguir. Un complemento perfecto a unos organizadores que hasta el último minuto vinieron a decir que nos dejáramos de estupideces con el ordenador y nos dedicaŕamos a investigar "en serio". Lo único que puedo asegurar es que, si hubiera tenido a mano alguno de los polvorientos tomos de su anhelada enciclopedia, no habría dudo un instante en arrojárselo a la cabeza.

Pero como en cualquier situación espeluznante, siempre hay gente maja y comprensiva. Conocí a un joven francés que nos explicó de buenos modos que el sistema educativo francés era fuertemente jerárquico, de modo que a los profesores se les trata siempre de usted, no se espera que el estudiante opine hasta muy avanzada su carrera académica, etc etc. Su aclaración me pareció útil para entender mejor el mundo en el que me encontraba, aunque tampoco me quedó muy clara su respuesta a mi pregunta de por qué si esa es la naturaleza del sistema académico francés algunos de sus intelectuales más reconocidos, como Roland Barthes, no se sacaron el doctorado. Sea como sea, no contemplo ahora mismo la posibilidad de proseguir con mis estudios en Francia. Preferiría que me clavaran chinchetas en los pies, para que nos entendamos.

La situación vivida en Bretaña, y la extensión experimentada en mis breves vacaciones en París a través de su obsesión por el patrimonio y la cultura del pasado, me han llevado a pensar, provisionalmente, que se ha producido una "desconexión francesa". Los franceses poseen un tremendo poso cultural, una capital europea potente y una juventud bella y arrogante que la habita como si fuera el centro del universo (lo que te hace sentir como una especie de Roseanne Barr ibérica, pobre y descastada). Pero estoy segura, de verdad, de que lo suyo no es normal, y que les acabará pasando factura. No se puede vivir en esa cultura señorial que ignora el poderío del imperio americano y la fuerza de la tecnología digital, por mucho que te puedan molestar.

Sé que he simplificado muchísimo en la afirmación anterior, pero es que debo ir terminando. Rescato de la revista de la biblioteca del Centro Georges Pompidou unos comentarios que, a mi entender, ilustran perfectamente mi argumento. Los firman Roger Rotmann, responsable de los Forums de Societé y Catherine Blagonnet, jefe del servicio audiovisual de la bibiloteca, a propósito de un nuevo ciclo de películas comentadas críticamente por expertos (en ningún momento menciona qué películas o expertos son, no vayan a ser que la gente se relaje). La traducción es mía, así que clemencia:

Su análisis [el de Rotmann] es que estamos en un periodo de retorno de la Historia: las tragedias de finales del s. xx han desmentido la tesis del "fin de la Historia" y la crisis económica actual vuelva a invalidarla. ¿No será que este mismo movimiento coincide, hoy en día, con cierto rechazo de la ideología de los años ochenta, que consideraba que en el arte ya no hay Historia, o que en todo caso habría una historia que se manipularía como un puzle sin sentido, con citas, montajes, un juego gratuito desprovisto de significado profundo?
(...)

[No queda claro si es Rotmann o Bonnet quien suscita las siguientes afirmaciones, pero no tienen desperdicio]. Todas las películas proyectadas son obras fuertes, por lo que no está previsto dedicar una parte a documentos televisivos. Pero éstos pueden abordarse puntualmente. Sylvie Lindeperg lo ha hecho a propósito de la utilización de los archivos históricos en televisión. Ha mostrado los límites del que sin embargo es uno de los mejores documentales televisivos sobre los campos de concentración: Auschwitz, les nazis, la solution finale de Laurence Reess (BBC, 2005). Pero aunque es de gran calidad, este documental resulta casi obsceno en su crudeza respecto a las obras cinematográficas presentadas en esa misma sesión, en relación a la empatía, a la delicadeza que poseen tales obras...

Así que nos apoyaremos en obras verdaderas para aclarar los documentales televisivos, sin por ello ser pedagógico o escolar. Si sólo mostráramos programas mediocres, las personas llegarían a las sesiones convencidos de antemano de tal mediocridad y el objetivo sería redundante respecto a lo que ya piensan. En cambio, tomar el mejor documental televisado y mostrar que, pese a todo, posee carencias respecto a un trabajo de autor, resulta realmente útil.

¿Entendéis ahora a qué me refiero? Muchas gracias por leerme.

(Fuente imagen)

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: DÍSELO CON TWITTER

2009-09-26T14:51:00.003+02:00

Pío pío. Vuelvo a gorjear después de haber pasado unos días un tanto ocupados, entre la presentación de la tesina y el viaje a Bretaña y París. Estoy deseando preparar una versión en línea de mi presentación para compartirla con vosotros, y haceros una crónica sesgadísima de mi última visita a Francia, pero antes, os vuelvo a dar la brasa con mi última colaboración con The online community of the Internet trend seekers.

Esta vez hablo de Twitter. Sí, ya lo sé, no hago más que hablar de arte hecho con determinadas aplicaciones. Me estoy volviendo tan formalista que empieza a ser preocupante. Pero también creo que reflejo la situación que se produce en relación a arte y tecnología: pese a que muchos festivales abordan perspectivas temáticas, el hecho es que muchas exposiciones y selecciones de obras se basan en las herramientas empleadas. ¿Triste pero cierto? Ya no sabría decirlo. Incómodo, pero quizás inevitable como transición a una consideración menos neófila de la creación digital (el tiempo pone todas las cosas en su sitio, hay una criba natural partiendo de un gran caos y mucho ruido y todas esas ideas ingenuas a las que nos gusta aferrarnos...).

La columna pasa por alto las aplicaciones sociales del tipo celebrities y activismo para centrarse en algunas obras más o menos artísticas. Pido disculpas porque veo que en el original me he dejado el enlace sobre el curioso experimento que hizo hace un par de años Ian Bogost utilizando Twitter para narrar parte del Ulises de Joyce: lo adjunto aquí. Espero que os resulte, como mínimo, curioso.

(Fuente imagen).

IMÁGENES ELECTRÓNICAS EN LA ESCARPADA COSTA BRETONA

2009-09-11T10:23:00.005+02:00

Estoy muy contenta tras haber podido defender y validar mi trabajo de investigación. Según me indicaron en su momento, ahora que Narrativa multimedia se ha aprobado como futuro proyecto de tesis doctoral, se archivará en RECERCAT para consulta de todos. Estoy preparando algún tipo de resumen o presentación del trabajo para colgar en línea, pero necesito un poco más de tiempo.

Mientras tanto, tengo el placer de anunciar que la próxima semana me marcho a Bretaña a presentar este trabajo y plantear a un conjunto de colegas qué problemas de investigación puede presentar y cómo me pueden asesorar al respecto. El marco es el primer congreso "History of images" celebrado por el pabellón de Orange Cité des Télécoms, en Plemeur-Bodou. Una conferencia en una cúpula, vamos.

El resto del tiempo espero que nos dediquemos a retozar en el aparentemente precioso pueblecito costero de Perros-Guirec, y que tengamos ocasión de escaparnos a visitar algún islote o menhir. No pretendo poner los dientes largos a nadie: como son mis pseudovacaciones, espero que se me perdone.

El fin de semana del 18 al 21 estaré en París para rematar la jugada (es decir, puro ocio). No obstante, si a alguien se le ocurre alguna persona o lugar que deba conocer en esa ciudad, le agradeceré mucho que me transmita el dato. Hace ya, uf, ocho años que no voy a París, y lo único que tengo claro es que me gustaría conseguir DVDs de un par de artistas difíciles de encontrar en Barcelona. Por lo demás, callejeo y todo el síndrome de Stendhal que sea capaz de asimilar.

Hasta la vuelta.

(Fuente imagen).

LECTURA DE MI TESINA: NARRATIVA MULTIMEDIA, NARRATIVA INTRANSITIVA

2009-09-04T20:34:00.005+02:00

No me muerdo las uñas, pero llevo unos cuantos días mordiéndomelas mentalmente porque se acerca el día 9 de septiembre, cuando a las 10 de la mañana presentaré mi tesina Narrativa multimedia, narrativa intransitiva. En diversos sistemas educativos, la tesina es un trabajo de investigación previo a la tesis, a menudo pensado como una antesala o primer capítulo en el que se presentan los objetivos e ideas principales que se trabajarán en la tesis.

Espero que esa sea mi caso. Un tribunal formado por mis tutores Jordi Alberich y Núria Bou y los profesores Xavier Pérez y Lluís Codina se la habrá leído durante el verano, habrá tomado notas, y me hará preguntas, sugerencias y críticas tras una presentación personal de 20 minutos.

Me encanta hacer presentaciones y me gusta hablar en público, pero una vez más me asalta la duda: ¿cómo convertir un trabajo académico denso en un Pecha Kucha con ínfulas discursivas? ¿Debo justificar mi trabajo, o debo presentarlo como si los asistentes no lo hubieran leído? ¿Qué me pongo para tan magna ocasión? (todas las preguntas planteadas, son, a su manera, igual de importantes).

Si alguien a quien no haya avisado está interesado en saber hacia dónde oriento mi investigación académica a partir de ahora, la cita, reitero, es el miércoles 9 de septiembre a las 10 h en el aula 52-939 del edificio Roc Boronat de la Universidad Pompeu Fabra. Gracias por vuestra paciencia al aguantar tantas dosis de autopublicidad por mi parte sin aportar salvia nueva para la reflexión.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: IPHONEART. ARTE EN LA PALMA DE LA MANO

2009-08-17T19:21:00.000+02:00

Sé que llevo unos cuantos días desaparecida del blog (aunque creo que mis contactos de Facebook ya se hacen una buena idea de la cantidad de tiempo que, para bien o para mal, paso delante del ordenador). La verdad es que no ha surgido ningún tema novedoso que me suscitara un comentario acelerado, pausado o reflexivo, más allá de mi nueva colaboración mensual con The TrendZine.

Para los calores implacables de agosto, he buscado algo sencillo y simpático como es el diseño de aplicaciones para Iphone por parte de artistas digitales. Los ecos con el arte abstracto de vanguardia son más que evidente. También la circunstancia de que esto artistas plantean un camino mucho más explícito y directo entre la creación y amortización de sus obras. Lev Manovich se habrá puesto contento al ver que el software art ha dejado de ser una opción artística minoritaria para convertirse en la manera mainstream de definir el arte tecnológico.

Estoy con varias cosas a la vez, y todavía resistente para no necesitar unas vacaciones inmediatas. Es lo que nos pasa a los freelance: pasamos pánico y apuros en épocas de descenso de la producción, así que no nos sentimos especialmente desgraciados cuando nos toca trabajar en agosto (aparte de que no soy animal de verano, pero eso es otro cantar). Lo curioso es que hace unos cuantos años, cuando empecé a trabajar así, pensé que mucha más gente sería como yo, que trabajarían por aquí y por allí, que se venderían al mejor (si es posible) postor y que no se ajustarían necesariamente a los calendarios escolares. Pero parece que las previsiones suelen ser exageradas, ya que lo más ubicuo no son las personas, sino sus teléfonos.

(Fuente imagen).

COLABORACIÓN CON THE TRENDNET: NEW MEDIA ART Y EL ARCHIVO DE VIDEO DIGITAL QUE ES TANK.TV

2009-07-22T19:24:00.006+02:00

Se acaba de publicar mi primera colaboración (¿columna, podríamos llamarla?) con TheTrendZine, TANK.TV La galería en línea para la imagen artística en movimiento. TheTrendZine es según sus propias palabras "The online community of the Internet trend seekers", que aglutina mensualmente diversas colaboraciones en relación a música, diseño, ciencia y tecnología, iniciativa social, e-commerce, medios de conmunicación, blogosphere, comunidad, juegos y (para tomar un poco de aliento), aquella en la que participo yo, que han bautizado como new media art.

Yo lo habría dejado simplemente como arte, pero como el enfoque consiste en hablar de proyectos vinculados a Internet supongo que el término new media art es mucho más adecuado que net art, que con la obsolescencia que nos empuja actualmente parece haber quedado más cubierto de telarañas que el típico ataúd de Vincent Price en la típica película sesentera de la Hammer.

No soy carne de muchas tendencias. Fui moderna aproximadamente de 1991 a 1993, cuando era la única niña de la escuela que llevaba pantalones de campana, volantes y ropa ajustada. Desde entonces todo ha ido cuesta abajo, aburguesamiento y desarrollo de "placeres culpables" como la asistencia a cursos del MACBA o mi reciente visita-flechazo a la Tate Modern de Londres.

No obstante, colaboré escribiendo reseñas de eventos para LeCool durante la temporada 2003-2004 con la esperanza de poner en práctica potenciales capacidades de copy publicitaria que nunca he llegado a saber si tenía y de que se me pegara un poco la modernez del resto de colaboradores, pero el agotamiento debido a la repetición de temas modernos y el carácter irresoluble de la ecuación tienes que escribir cada semana = a no te pago un duro por hacerlo y encima te ando con exigencias acabó de romper el hechizo.

Así que observo este caso concreto como una modesta oportunidad de escribir puntualmente sobre cuestiones artísticas que mi trabajo docente/de traducción me impide abarcar y de hacerlo con libertad y brevedad. Espero que os interese.

(Fuente imagen)

0101010101 EN CONDUCTA

2009-07-16T10:15:00.004+02:00

Desde febrero de 2008 imparto la asignatura "L'era de la informació i la comunicació" para los estudios de Comunicación Audiovisual y Publicidad y RRPP de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), un condensado de la influencia económica y política en los medios de comunicación entre la comunicación de masas y la sociedad en red. Esto no significa asistir a unas horas determinadas a un centro educativo, encontrarme con un grupo de estudiantes de entre 18 y 22 años y hablarles durante una o dos horas ante una pizarra o pantalla de proyección. Esto significa entrar en la página de la UOC, acceder a su Campus Virtual y enviar y supervisar correos, subir material y descargar ejercicios.

La experiencia dista bastante de la docencia presencial por todos los motivos que ya os debéis imaginar: no hay aula física, no hay encuentro con estudiantes, y la mayoría opta por la evaluación continuada (lo que significa que envían ejercicios cuyos enunciados se han colgado previamente en el campus). Tampoco se trata ni mucho menos de una experiencia docente convencional. Para empezar, la tarea se reparte de manera variable entre diversas personas: hay una persona que tiende a encargarse de elaborar los materiales (contenidos) del curso, hay otra que supervisa y a veces ejerce tareas docentes (el denominado profesor) y la tercera que en este caso sería yo (el denominado consultor) que en ocasiones asume un encargo docente más extenso (elaboración de materiales, reorganización de plan de la asignatura, seguimiento y corrección de un conjunto de estudiantes) y otras menos.

Explicada toda la parte "técnica", ¿qué es lo interesante de todo esto? Me parece que empiezo a estar en condiciones de reflexionar al respecto, desde lo más sencillo a lo más sofisticado:

- Quien crea que la interrelación a través del ordenador impide conocer a los otros es que no ha pasado mucho tiempo, ya no te digo delante del ordenador (que tampoco es que se lo "desee"), sino comparando uno u otro contexto. La personalidad siempre aflora, y el modo de escribir dice mucho, al menos para mí, de cómo son las personas.

- El modelo de estudio virtual presupone una cierta actitud participativa. Hasta hace poco, parece ser que el perfil de estudiante UOC era el de una persona mayor, trabajadora, probablemente con pareja e hijos, que quería estudiar una segunda carrera para disfrute personal o para mejorar sus expectativas personales. Parece que este perfil está cambiando, pues cada vez los estudiantes son más jóvenes. No sé si es solamente por el miedo a no estar lo bastante formados (espero que no), pero lo que sí es cierto es que esta "actitud participativa", orientada al trabajo personal más o menos guiado pero que exige que la persona busque información y siga continuamente las idas y venidas del aula parece cada vez más común. Creo que los análisis antropológicos al respecto pueden ser bastante interesantes.

- No poseo una extensa experiencia en docencia presencial (he impartido clases de nuevos medios y comunicación en el contexto de escuelas de diseño, que no es exactamente el universitario), pero desde luego la diferencia entre explicarlo todo ante un grupo de estudiantes y trabajar con unos materiales previos que se van complementando con correos es sumamente curiosa. Digamos que el docente también estudia, que no puede presuponer tal o cual conocimiento al conjunto total de estudiantes pues tienen distintas edades, perfiles profesionales, etc; y que entonces debe cavilar todo el rato buscando (o al menos así es como yo lo oriento) unos "denominadores comunes" que sin embargo permitan incrementar los conocimientos específicos de cada estudiante.

- Asimismo, mi experiencia hasta la fecha es que si bien, como en cualquier universidad, se presupone la lectura de una bibliografía recomendada en papel, Internet se utiliza comúnmente para documentar los trabajos. La complicación en este caso estriba en que la gente sepa cómo citarlos, y tampoco creo que sea fácil, porque las bibliografías académicas no suelen saber muy bien qué hacer con la variedad infinita de documentos en línea. Esta parte me interesa no solamente en la medida en que me encuentro evaluándola en términos docentes, sino que a mi entender se extiende mucho más allá en relación a la "autoridad", a la "legitimación" de las fuentes en línea. No hablo sólo de la Wikipedia. Hay ingentes artículos en red que permiten acceder a ideas que de otro modo quedan sepultadas en la planta -1 de muchas bibliotecas repletas de letra impresa. ¿Cómo dar los pasos necesarios para sacar el máximo partido a las fuentes digitales sin prescindir del rigor?

No sé si esta entrada resultará demasiado personal o farragosa, pero me ha parecido que ya había transcurrido el tiempo suficiente para situar ciertos puntos sobre la experiencia de docencia virtual. Personalmente me encanta la docencia presencial (recibirla e impartirla), pero veo que las experiencias virtuales no son patrimonio exclusivo de instituciones de e-learning como la UOC, sino que cada vez más constituyen la columna vertebral de muchos modelos pedagógicos, con todos sus aciertos y errores. Disfruto viendo la evolución de todo esto, porque lo entiendo como una suma de estímulos o ventanas de conocimiento y no necesariamente como una simplificación del aula magna orquestada para disminuir la figura del profesor-demiurgo.

(Fuente imagen)

SÉ LO QUE HICISTE EN TU ÚLTIMO DOCTORADO: ¡TESINA ACABADA!

2009-07-08T19:55:00.003+02:00

No quepo en mí de gozo. Y mira que pensaba que, llegados a este punto, me daría un poco igual, pero ocurre al contrario... ¡por fin he entregado la tesina! Cien páginas, unas cuantas horas quemapestañas y una ingesta masiva de libros más tarde, me he encontrado en condiciones de entregar en la secretaría de la facultad un trabajo que lleva por título Narrativa multimedia, narrativa intransitiva: investigación interdisciplinar sobre la narrativa digital como narrativa audiovisual no convencional (o Narrativa multimedia para los amigos, los latinajos vamos a dejarlos para otra mejor ocasión). Ahora a esperar que los astros de la burocracia sigan de mi parte y el tribunal vea con buenos ojos un proyecto que en principio presento en septiembre. Crucemos los dedos.

El enfoque sigue siendo el mismo que enuncié hace un par de meses largos respecto a la narrativa digital. Para investigar el presente pretendo rastrear el pasado reciente en relación a literatura y audiovisual experimentales (de hecho, el audiovisual se comerá gran parte de la investigación, pero dado que el libro adelantó mucha experimentación, es de justicia reconocer su influencia). El grueso de Narrativa multimedia, orientado básicamente a presentar lo que será la tesis doctoral, lo ocupa un Estado de la cuestión donde presento sucintamente los antecedentes literarios y audiovisuales para a continuación encargarme de los principales teóricos literarios/audiovisuales/digitales que han investigado o investigan sobre un tipo de narración alternativa.

En fin, no sé si el resto del mundo lo encontrará muy emocionante, pero personalmente tengo la sensación de haber avanzado un poco al situar ciertas posturas teóricas. A fecha de hoy me siento más afín a una postura vinculada a la narratología y a la psicología cognitiva al mismo tiempo, pero espero que esa apreciación cambie. Ah, y otra cuestión muy importante es que si bien en mi trabajo tengo la intención de analizar muchos "objetos comunicativos" (libros, películas, vídeos más o menos comerciales), no deseo apartarme del enfoque artístico, es decir, del análisis de "obras", por procesuales, abiertas, incompletas que puedan ser en el contexto actual.

Estoy felizmente agotada. He combinado la escritura con otro periodo de docencia virtual (un tema del que todavía no he comentado nada, pero espero hacerlo pronto), y en realidad no he hecho más que empezar. Pero entre la crisis económica y la oleada de fallecimientos de famosos que parece asolarnos últimamente, me alegro de alegrarme un poco.

(Fuente imagen).

SÉ LO QUE HICISTE EN TU ÚLTIMO DOCTORADO: INNOVA O MUERE

2009-06-03T18:38:00.004+02:00

Como vuelva a ver la palabra "innovación" en el título de algún congreso, presentación o lo que sea, pego a alguien. Me encanta esto de que, como hay crisis, todos tenemos que arremangarnos y ponernos a innovar, a emprender. Me encanta emprender cosas, pero, ¿cómo?, ¿así, a pelo?

Siempre me he preguntado cómo convertir mis intereses en algo útil. En otras palabras, cómo ganarme la vida con lo que creo o se supone que sé hacer. Por el camino se ha cruzado la dichosa innovación, y yo lo único que he hecho hasta ahora es echarme a temblar.

La pregunta inicial venía a ser algo así:

"¿Cómo convertir tu trabajo en un producto sin que se te vaya de las manos y acabes gritando por la ventana a altas horas de la noche que te has convertido en una puta, como John Cusack en Balas sobre Broadway?"

Ahora parece que estamos en la época de "menos es más", y la pregunta se reduciría a:

"¿Cómo ser innovador?"

Mis dos aportaciones a la innovación hasta la fecha han sido:

1) Cuando tenía trece años se me ocurrió una campaña de publicidad en carteles con una pareja semidesnuda, pero con los vaqueros puestos (y ni siquiera se me ocurrió, no era más que la traducción al papel de algo que había visto en televisión). Vaqueros y sexo, ¿qué más se puede pedir? Pero al poco me enteré de que una campaña idéntica gentileza de Calvin Klein acababa de hacer famosa a Kate Moss. Great minds think alike? Think again...

2) Cuando tenía veintidós años pasé olímpicamente de hacer un trabajo final de licenciatura sobre cine y me dediqué a analizar el "relato interactivo", o sea, cosas que se hacían con ordenadores y pretendían contar historias. Aquello me dio algo de dinero y a mi primer hijo (o sea, mi libro).

¿Y ahora con treinta qué?

Ahora pretendo escribir un trabajo sobre la historia reciente de la mímesis ( o los proyectos/intentos de oposición a ella) hasta llegar a la creación por ordenador. Mis preguntas, a raíz de la aparición de iniciativas como la Fundació Digitalent, son:

¿Cómo se comunicaría mi proyecto en una presentación de Pecha Kucha?

¿Cómo representarla a través de objetos tangibles y vendibles? (¿Es un pájaro, es un hardware, es un avión?... ¡no, es un investigación de chiquicientas páginas!)

¿Cómo conseguir que no quede aprisionada en los muros académicos hasta que se marchite y ceda a la presión incesante de analizar videojuegos?

Si esto no es ser la persona equivocada, que venga Dios y lo vea.

(Fuente imagen).

UNA DE MÚLTIPLES LECTURAS PRIMAVERALES: THE RADICANT

2009-06-03T18:03:00.005+02:00

Últimamente no sé si soy persona, pero de lo que sí estoy segura es de que soy cuatro ojos, porque llevo un par de meses leyendo sin parar para poder cumplir con el plazo de entrega de mi dichosa tesina. En eso estoy, pero entre lectura recomendada y lectura recomendada, me tomo algún que otro aperitivo entre horas, del que no pretendo más que hacer un sucinto comentario (para lo demás, confío en los auténticos teóricos de arte).

De Londres me traje, ropa, té, y un ejemplar de The Radicant, el último ensayo de Nicolas Bourriaud pensado para durar uno o dos años a modo de reconfortante baño de espuma. No quiero parecer demasiado sarcástica: Bourriaud sabe reconvertirse cuando corresponde en el epítome de lo cool igual que Angelina Jolie sabe mantenerse bellísima y en el candelero. Y eso no quita que Jolie siga siendo bellísima, ¿verdad?

Tengo la impresión de que Bourriaud es sumamente astuto, no sólo por lo aparente, que es manejar ciertos conceptos de teoría crítica en el contexto contemporáneo, sino por apropiarse sin indagar mucho en conceptos trabajados y sudados desde la cibernética. En este último caso, el autor propone un modelo de "altermodernidad" donde el artista, lejos de arraigarse, devenga un ¿"radicante"?, es decir, alguien capaz de ir extendiendo sus raíces y retroalimentándose de su(s) pasado(s), presente(s) y futuro(s).

En otras palabras, Bourriaud propone que el artista devenga hipertexto. Me parece muy encomiable (y de verdad no estoy siendo sarcástica) que alguien sea capaz de sacar el vocabulario de la teoría digital de su caparazón e introducirlo en un caparazón entreabierto, o al menos más grande. Tampoco pretende trascender más allá de cierto espíritu de contemporaneidad entendida como coolhunting.

Siempre me entretiene leer sus libros, y la editorial anglosajona que publica The radicant posee un gusto visual excelente e incluso ofrece las primeras páginas de la obra. Pero yo me pregunto, porque al parecer soy una persona conservadora que no tuvo el coraje o la inteligencia o la fuerza de voluntad (y desde luego no el presupuesto) para irse a estudiar un máster fuera y quedarse allí a ver si triunfaba, si escribir libros en habitaciones de hotel y declararse en permanente desarraigo para volver a arraigarse una y otra vez quebrándose la espalda con las manos agarrotadas en el portátil es realmente un estilo de vida envidiable y casa con una idea de decrecimiento que con la que, al menos en parte, no puedo evitar comulgar. Pero ya se sabe, igual peco de susceptible y celosa y con ir radicando ante la pantalla del sobremesa ya tenemos más que suficiente.

(Fuente imagen).

MÁS HUMANOS QUE LOS HUMANOS

2009-06-03T17:32:00.006+02:00

Quiero concluir con una anécdota: esta mañana he pasado por una conocida cadena de bocadillos para comprarme, en fin, medio bocadillo, y ahí estaba otra vez: la enésima pantalla con imágenes hiperrealistas de un bocadillo moviéndose y desapareciendo a cámara lenta.

La he visto anteriormente (no vendiendo bocadillos, pero sí cualquier otra cosa): la pantalla brillante en el lugar más insospechado (hace cosa de un par de años ya le dediqué un preocupado comentario).
El tema no sólo sirve para el análisis recurrente más o menos informal o académico, sino que vuelve a estar vigente ahora que con la TDT debemos deshacernos de nuestro viejo televisor, y por qué otro aparato sustituirlo.

Me hace gracias que en Convergence culture Henry Jenkins comenta que la esperada convergencia de aparatos no se ha producido, porque ahora más que nunca tiene la casa llena de "cajas negras". Suscribo esa idea. Por muchas horas que pase delante del ordenador, no es cómodo ver otras tantas en esa misma pantalla, por lo que hace un tiempo compré un disco externo multimedia.

La pregunta nueva es: ¿vale la pena invertir en HD? En algún que otro blog tontorrón he leído que la gente tiende a salir más guapa. Están más relucientes. Lo cual me devuelve otra vez a la proliferación de lustrosas pantallas. Pocas cosas debe de haber más frustrantes que la imagen a cámara lenta de un jugoso bocadillo dando vueltas, como si estuviera a punto de salirse de la pantalla, y rendirse incondicionalmente a tus molares. Me pregunto si esta obsesión por la hiperrealidad es lo que cultiva la alta definición, si resultará el colmo de la experiencia inmersiva, o más bien al contrario, si contribuirá a alimentar la punzante sensación baudrillardiana de que todos, bocadillos y gente-que-sale-en-la-tele-y-las-pelis, no son más que replicantes.

(Fuente imagen).

ESCENAS URBANAS: LONDRES

2009-05-24T13:52:00.004+02:00

Por ningún motivo en particular no he comentado hasta ahora mi primer viaje a Londres y el tipo de sitios/ elementos de cultura digital que pude presenciar allí. En primer lugar, no era un viaje de "negocios" sino con amigos, así que tampoco es que tuviera la vista especialmente puesta en retratar un determinado contexto profesional en relación a los vínculos entre cultura y tecnología. Y en segundo lugar, ¿cómo se supone que resumes una ciudad en la que pasas cuatro días? A diferencia de Barcelona, Londres es una ciudad de verdad y como tal posee múltiples centros. Así que voy a hablar solamente de un par o tres de aspectos que me llamaron la atención:

- Flechazo institucional. Creo que ya he comentado alguna que otra vez lo que pasa con las cosas que te gustan y no puedes evitarlo, qué sé yo, la gente que te da caña, el chocolate negro con 75% de cacao, las piernas de los jugadores de fútbol... La atracción burguesa hacia los edificios artísticos impecables y ultramodernos es uno de esos elementos. Así que claro, llegué a la Tate Modern como una chavalita babeante a la firma de autógrafos de su grupo musical favorito y me gustó lo que vi: me gustó la turbina, me gustaron los sistemas de navegación de la colección (aunque me inquietó bastante que estuvieran descaradamente patrocinados por Bloomberg), me encantó la terraza de amplias vistas desde la que me imaginaba a Jonathan Rhys-Myers sorbiendo un cóctel afeminado mientras su turbio cerebro planeaba cómo deshacerse de su molesta amante en Match Point...

Y además quedé fascinada por la instalación de Dominique González-Foerster TH. 2058, que combinaba literas azules y amarillas con literatura distópica encadenada literalmente a ellas, esculturas de y a lo Claes Odenburg y proyecciones en pantalla inmensa que cuando me pasé por allí tuve la suerte de ver encarnadas en Soylent green (hace poco que vi la película y me gustó mucho... me sorprende que la gente no hable más de ella, ya que expone un tema biológico peligrosamente vigente).

De González-Foerster lo máximo que sé es que Nicolas Bourriaud parece estar enamorado de su trabajo porque habla de él en todos sus libros. Además, en esta ocasión, me ha dado por pensar que no he prestado suficiente atención a que instalaciones multimedios como las de esta artista deberían considerarse precursoras-contemporáneas del arte digital... de ese arte que, a veces, con la pantallita chiquitita y el sistema de navegación actual no acaba de cuajar, de "brillar". Quizás Microsoft Surface tenga razón y el único modo de hacer arte que apele a todos los sentidos sea utilizando plataformas "propietarias"... espero que no.

Por otra parte, la Tate Modern acoge todos esos simposios a los que me gustaría asistir. Pocos días después de mi visita se celebraba Expanded Cinema Activating the Space of Reception, que a mí me da (igual me equivoco, pero estoy en proceso de comprobarlo) que me otorgaría el 20-25% de las claves conceptuales de mi tesis. Por suerte, algunas mentes brillantes y generosas decidieron que todos los eventos del lugar se colgarían en la red. Ardo en deseos de ver éste.

- Pequeños grandes proyectos. Antes de salir de viaje un amigo me puso en contacto con Mark Garrett de la organización Furtherfield, que según ellos mismos escriben ofrece plataformas para crear, ver, debatir y aprender sobre prácticas experimentales en relación al arte y la tecnología. Además de Futherfield, que ejerce de archivo con críticas sobre nuevos medios, cuentan con la galería HTTP, que tuve ocasión de visitar.

Tras salir del metro en el norte de la ciudad, recorrer un barrio que recordaba al Felipe II de Barcelona pero fotocopiado en múltiples calles y toparme con unos solares y una excavadora, me encontré con una especie de almacén donde una gente tomaba té y pasteles. Aunque mi nivel de extroversión no es a prueba de bombas, sí consigo ponerme en contacto con la gente del lugar donde visito y presentarme en los eventos de los que me avisan aunque me miren como si viniera de Marte. En realidad es una costumbre que recomiendo a todo el mundo: una vez pasada la vergüenza inicial, conoces gente y si son personas normales suele hacerles gracia que te pongas en contacto con ellos (¿cómo no? Imagínate que alguien visita tu ciudad y te escribe educadamente para decirte: "¿Podemos conocernos?". A mí me hace ilusión...).

Marc Garret y su gente me atendieron muy afables y me enseñaron lo que es la galería: un despacho donde ellos trabajan y una sala de exposición pequeñita donde se presentaba el trabajo conectado de Doron Golan y Michael Szpakowski Whereof one cannot speak, thereof one must be silent, experimentación en imagen digital como vídeo y sonido (la propia Furtherfield ofrece un ensayo a este respecto que puede arrojar más luz que mi mera mención). Me sorprendió el contexto de barrio Felipe II, me sorprendió la presencia de excavadoras porque según Garret se han reubicado en un nuevo "distrito creativo" (léase también: más barato) donde en el futuro van a convivir con diseñadores y otros profesionales culturales. Y me sorprendió la modestia del lugar. A veces tienes la impresión de que todo lo anglosajón occidental es desmesurado, es carne de Tate o sencillamente "no es".

En realidad, la visita a HTTP se asemejó más a una tarde de Dorkbot que a otra cosa, pero si se me permite la maldad, estos todavía se consideran más artistas que ingenieros. Como hace años que ojeo Furtherfield y me intereso por sus artículos, ahora me gustaría recontextualizar las repercusiones de su práctica artística: en Londres, en las comunidades anglosajonas, en línea... me pregunto si tendrán su nicho, si serán un buen ejemplo de la "larga cola", si son la alternativa necesaria a los centros de arte Juan Palomo...

- Y por último, aparcando la cuestión artística, la ciudad me pareció muy movida e interesante, pero no, dudo que pudiera vivir en ella. Aparte de que tengo tolerancia cero a cualquier clima frío y lluvioso (aunque el bochorno veraniego barcelonés tampoco lo sobrellevo, todo hay que decirlo), me dio un poco de inquietud la proliferación de propaganda del miedo que había en los transportes públicos: llama a la policía si sospechas de terrorismo, llama si te violan, llama si a tu amigo le hacen algo chungo, como te pillemos comiendo llamamos a la policía, etc...

Curiosamente (o no), la gente de los servicios es muy amable y me tocó un tiempo fantástico, pero hasta el último momento no desapareció la ligera punzada: en el funicular poco iluminado que nos llevaba a la terminal de vuelta a casa, British Airways había insertado una narrativa sonora que intentaba meterse en tu mente y en tus fantasías vacacionales... que según parece sólo puede realizar esta compañía aérea. Ya sé que muchos protestarán que Barcelona es un nido de víboras burguesas y mentiras especulativas, pero que quieres que te diga: al menos el funicular se mantiene calladito.

(Fuente imagen).

SÉ LO QUE HICISTE EN TU ÚLTIMO DOCTORADO: ELOGIO DE LA LENTITUD

2009-05-13T14:33:00.003+02:00

Está claro que últimamente no estoy publicando mucho. El motivo evidente es que estoy absorta en la preparación de la tesina o trabajo de investigación previo a la tesis doctoral. Algo inusitado en mí, paso la mayor parte del día leyendo libros encuadernos en papel, tomando notas con puntafina y pensando cómo volcar luego esas ideas a la pantalla. El habitual tecleo brilla por su ausencia, es decir por su silencio, y me siento rara.

Siempre me he mostrado bastante reacia a la Academia. Mejor dicho, siempre he mostrado una actitud muy contradictoria hacia la Academia: por un lado, siempre he mostrado un afán obsesivo por aprender cosas, pero siempre he recelado de la institución académica universitaria.

Aprendí cosas en la Universidad (sobre todo empiezo a notarlo ahora), pero nunca he entendido por qué es tan incompatible con la vida profesional, cómo c--- esperan que una persona viva e investigue con una beca (o, en la mayoría de los casos, sin ella), y por qué tendríamos todos que ajustarnos al pie de la letra a grupos de investigación preestablecidos que ni nos van ni nos vienen, y a los que, por tanto, poco podremos aportar salvo una renovada reafirmación del status quo (y para eso, casi me resulta más apecetible trabajar en una empresa, que parece menos hipócrita).

No obstante, últimamente me parece que estoy un poco más reconciliada con la Academia (y no necesariamente gracias a ella, pero sí debido a su existencia). Evidentemente por un lado este es el tercer semestre que imparto docencia (virtual, pero docencia al fin y al cabo), y eso me obliga a preparar el programa, estructurarme, lo cual es muy pero que muy bueno. Por otro, como he dicho antes, ahora me paso el día leyendo en papel. Y la verdad es que un alivio. Soy de esa clase de personas que tienen siete u ocho ventanas abiertas a la vez, hacen cualquier cosa delante del ordenador entre doce y catorce horas al día (con pausas y comidas, se entiende), mantiene cuatro cuentas de correo, consulta unas treinta listas de información y juguetea más o menos con las redes sociales.

Así que claro, resulta evidente por qué retrotraerse al papel me resulta el equivalente seco de un jacuzzi. Pero es que además hay otra cosa: a través del papel, y de las notas que tomo y que tardo bastante en redactar en el procesador de textos, el Tetris está empezando a encajar. La experiencia me está demostrando que más me habría valido cursar una licenciatura y un posgrado ahora para que las cosas "empezaran a ponerse en su sitio". Han sido años de desdén, incomprensión y vacío por mi parte. Ahora creo que puedo empezar a mirar "con ojos de mirar".

Puede que la Academia no sea ninguna panacea, pero me alegra de que la presión a la que me somete me haga darme cuenta de algo que tiendo a echar de menos: el paso del tiempo.

(Fuente imagen)

SÉ LO QUE HICISTE EN TU ÚLTIMO DOCTORADO: NARRATIVA DIGITAL, O CÓMO LLAMAR A LAS COSAS POR SU NOMBRE

2009-04-27T09:48:00.006+02:00

Ha llegado el momento de la verdad. O casi. Después de casi dos años de trabajar (o no trabajar) en otras cosas, se aproxima la fecha límite de entrega de mi trabajo de investigación del doctorado, antesala de la tesis.

Para este trabajo me han ofrecido dos alternativas: la primera es un planteamiento de tesis, como un esqueleto de todo lo que la tesis sería, y el segundo un trabajo de investigación íntegro, con planteamiento, nudo y desenlace. Obviamente he optado por la primera vez, que además gana en utilidad e interés.

Pero, ¿de qué estamos hablando?

Título: In illo tempore

Subtítulo: investigación interdisciplinar sobre los orígenes de la narrativa digital entendida como la intersección de los lenguajes literario y audiovisuales pasados por el tamiz informático es decir

Hipótesis principal: la narrativa digital no es sólo el resultado de la diseminación informática en la vida cotidiana, ni de la preminencia de Internet, sino que tales rasgos se ven alimentados por manifestaciones preexistentes que ya experimentaban con rasgos como la fragmentación, la ruptura de la linealidad o incluso la transgresión diegética que el soporte informático no ha hecho más que ampliar. para llegar a definir un determinado

Objeto de estudio: la narrativa digital.

Esta definición se verá probablemente perfilada tras la finalización de In illo tempore. Sin embargo, considero que mis antecedentes de

ensayo (Tempus Fugit el libro, artículo Tres rutes de net art espanyol pels boscos narratius)

organización de congresos (V Jornades de Arte y Cultura Multimedia Metanarratives en 2005)

conferencias (en el Espacio Fundació Telefónica de Buenos Aires y en la Fundación Joan i Pilar Miró de Mallorca)

presentación de proyectos (en el itinerario narrativo de la revista A Mínima, para las jornadas NOW de noviembre 2006)

talleres (Afinidades electivas: o por qué algunas de mis obras favoritas son narrativas en el marco del festival Kosmópolis-Fiesta Internacional de la Literatura)

y este mismo blog, bajo la etiqueta "narrativa digital"

pueden legimitar que ofrezca una definición tentativa del objeto de estudio para empezar a acotar el campo (o campos) de investigación:

conjunto de obras digitales (elaboradas, manipuladas y difundidas a través de sistemas informáticos basados en código binario)

narrativas (que participan de aspectos narrativos, tanto en su secuencialidad o 'narrativa' como en la aportación de elementos de ficción o 'narración'),

sobre todo aquellas obras que se estructuran en función de la interfaz informática y explotan rasgos como la fragmentación, el acceso no lineal y la interactividad

como por ejemplo la literatura digital, el vídeo en línea (digital, no digitalizado de soportes analógicos) o muchos (que no todos) los videojuegos

¿Qué incluye esta definición preliminar? Todas aquellas obras digitales
Todas aquellas obras multimedia (puesto que todas las obras multimedia son digitales)
Todas aquellas obras digitales con elementos narrativos, independientemente de los grados de secuencialidad y ficción que presenten

¿Qué excluye? Todas aquellas obras digitalizadas (es decir, la idea del ordenador como mero archivo, pese a que hay que admitir que muchas obras digitales actuales aprovechen materiales previos, pero su concepción es enteramente digital)

¿Qué zonas grises contempla?
En realidad, muchas...
¿Es realmente significativo estudiar las obras en línea por contraposición a las que no lo están,o anecdótico?
¿Qué ocurre con las obras digitales que no imitan tanto la interfaz informática, es decir, aquellas en las que se percibe más el poso de los lenguajes anteriores?
¿Debe trazarse una línea?
Si crees que estos rasgos pertenecen a lenguajes anteriores, ¿es acertado establecer una distinción conceptual entre obras digitales y las que no lo son?
¿Cuáles son los límites para considerar una obra narrativa?
¿Cuando dices "rasgos como...", quieres decir que puede haber más, o que pueden ser otros? Ese es uno de los quides (o quebraderos de cabeza) de la cuestión...

Sé que estos interrogantes no pueden suscitar ni de lejos una enésima parte del interés de cualquier capítulo de Perdidos. No hay tal misterio que desentrañar en el sentido de que las ciencias humanas, sociales, o como quieras llamarlas, no pueden validar sus hipótesis científicamente. Lo que propongo es un camino de interpretación. Pero espero haberme encarrillado lo suficiente para llevarlo a puerto, académicamente hablando, al menos.

(Fuente imagen).

MEDITACIONES EN UNA (SUPUESTA) CATÁSTROFE: ARCO 2009

2009-04-05T12:39:00.005+02:00

Cada año me salto todo el protocolo periodístico de velocidad e inmediatez y suelo publicar una crónica de la feria de arte contemporáneo ARCO en el medio digital. En esta ocasión, igual que sucedió hace unos meses con ARS ELECTRONICA, publico mi crónica en NewMediaFix, una revista en línea que combina noticias sobre arte digital y nuevos medios en general con críticas, comentarios, etc en inglés, castellano e italiano (los idiomas de su diverso plantel de colaboradores).

Por mi parte, ofrezco en Meditaciones en una (supuesta) catástrofe el típico texto raqueliano que combina alusiones a la crisis con intentos de comentarios mordaces de lo que es una feria de arte y referencias a obras más o menos digitales que han circulado por Madrid en general y ARCO en particular. Como siempre, no sé si los lectores sentirán que se han informado mucho tras leer mi valoración, pero espero que al menos puedan pasar un buen rato: digamos que tengo mis reservas antes de lanzarme de cabeza al melodrama, y el mundo del arte constituye un perfecto ejemplo de complejísimo sistema económico que lagrimea a la mínima de cambio.

Me gustaría aprovechar la oportunidad que me concede esta entrada para hablar un poco sobre los contenidos que se ofrecen en NewMediaFix (NMF): coincido en el tiempo en la publicación de este comentario sobre ARCO con la crónica que hace el editor principal de la publicación, Eduardo Navas, sobre su reciente estancia en El Salvador invitado por el Centro Cultural de España. Éste es probablemente uno de los motivos por los que más me ha interesado NMF: siempre consiguen hablar de cuestiones de arte digital y contemporáneo actuales, pero con enfoques inesperados (la crónica es un recurso habitual), o autores poco conocidos pero que merecen toda nuestra atención (estoy pensando en Avi Rosen o Jeremy Hight al escribir esto).

NMF es el derivado natural de una publicación denominada NetArtReview (el por qué se ha pasado de hablarse de net art a new media no creo que necesite justificación). NetArtReview interrumpió su actividad en 2005, pero se conserva como archivo: en cualquier caso, en ambas publicaciones he disfrutado siempre del espíritu de vincular la valoración personal a temas globales y de la oportunidad de descubrir voces alternativas a los hegemónicos discursos de los grandes nombres de los festivales.

Sé que este tipo de proyectos no responden al frenesí ultramoderno de la estética 2.0. , donde los fondos blancos y los coquetos vídeos de Vimeo pueden conseguir que babeemos sin fijarnos especialmente en el contenido, pero, ¿y qué? Me gusta creer que todavía somos animalillos verbales que necesitamos tomarnos nuestro tiempo para escribir sobre lo que nos interesa.

(Fuente imagen).

JUEGOS DE FICCIÓN

2009-03-25T11:07:00.001+01:00

Ya he tenido ocasión de asistir a varias de las charlas de Por la Vena. Como comenté anteriormente, el plan consiste en invitar a un artista, joven y más bien conceptual, y presentar su trabajo en una librería o centro de arte. Me han interesado muchos de los artistas a los que han traído, y me gustaría comentar algo a propósito de la última conferencia.

Invitaron a Laure Provost a presentar su trabajo, artista especializada en vídeo y coordinadora de la plataforma de vídeo en línea tank.tv, a la que estoy suscrita desde hace años pero no me miro mucho (no significa nada malo: es una de esas cosas de las que no te quieres borrar porque sabes que en algún momento determinado le prestarás atención, pero no ahora mismo).

Las obras de Provost (que, según parece, presentó una amiga porque la artista no podía asistir, y digo parece porque no me pude quedar hasta el final y no sé si era algún tipo de broma) son vídeos de carácter lúdico donde lo que se muestra no es lo que se dice (en voz en off) o lo que se escribe (en subtítulos). Provost juega con la idea de traducción perversa al utilizar incluso un idioma para la voz y otro para los subtítulos.

El resultado son planteamientos de extrañas historias, donde nos vemos obligados a creernos y al mismot tiempo cuestionarnos que las imágenes que se muestran (fotos, planos fijos, o imágenes en movimiento) realmente remiten al relato oral y escrito que se nos ofrece... y que más bien no cuadra.

Este punto de partida me ha hecho pensar en una entrada que publiqué hace un tiempo sobre un vídeo encargado a Dora García (también presentado en este ciclo de charlas) para una exposición de videojuegos: García lo denominó "juego de vídeo", invirtiendo los términos verbales que englobaban la exposición, pero manteniendo estructuras de selección y fragmentación de discursos.

En el caso de Provost, me atrevería a hablar de juegos de ficción, que para mí vendría a ser algo así como establecer las condiciones de posibilidad para la narración... para luego sabotearlas. Esta idea podría incluir todo el videoarte basada en anécdotas que parecen querer aspirar a ser "conatos de relatos", y un porcentaje de lo que se tiende a calificar de "cine moderno" (en oposición a clásico, posmoderno, etc).

En este caso, el juego se establece en función de las expectativas de ficción generadas, así que, por ejemplo, no diría que David Shrigley, otro artista invitado Por la Vena, se pueda entender en esta categoría: presenta relatos completos, más o menos anecdóticos, pero hay planteamiento, nudo y desenlace (su lenguaje posee el poder lúdico de los dibujos animados, pero no hay un juego narrativo estructural).

(Fuente imagen).